Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, reseña por Jose

Este pasado marzo, la gente de Diábolo ediciones volvía a traernos más material de nuestro profeta de Providence: Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, de Alfonso Bueno López es un tentacular ensayo que explora la influencia de H. P. Lovecraft en la historia del cine fantástico y de terror. El libro no se limita a enumerar adaptaciones directas de los relatos del autor de Providence, sino que analiza cómo su imaginario: dioses ancestrales, horror cósmico, la insignificancia humana y la locura frente a lo desconocido, ha influido en décadas de producciones cinematográficas. La obra funciona tanto como guía para aficionados (y eruditos) al cine de género como introducción al insondable universo lovecraftiano. 

No es la primera obra ensayística sobre Lovecraft y su obra que nos traen desde Diábolo, ya reseñamos por aquí Siempre nos quedará Lovecraft. La influencia del horror cósmico en la cultura popular. Volumen 1 cuyo segundo volumen llegará a librerías este mismo mes de mayo.

Portada del libro.

No me canso de recordar que aquí en TDT Podcast somos muy de Lovecraft y sus horrores innombrables y que no perdemos la oportunidad de leer todo lo que salga publicado sobre él y su obra, así que este nuevo ensayo, no iba a ser menos.

Uno de los aspectos más interesantes del libro es su enfoque: en lugar de centrarse únicamente en películas basadas oficialmente en relatos de Lovecraft (algo que también explora) el autor examina cómo muchos cineastas han reinterpretado sus conceptos en obras que capturan el espíritu del escritor (para mí, En la boca del miedo del enormérrimo John Carpenter es la película que mejor capta el espíritu lovecraftiano sin adaptar ninguna de sus obras). Películas de terror psicológico como The Endless, ciencia ficción oscura al estilo Horizonte final y Body Horror (mítica Reanimator de Stuart Gordon) aparecen conectadas por la presencia de entidades incomprensibles, cultos secretos y realidades ocultas más allá de la percepción y la compresión humanas. Esa amplitud convierte el ensayo en un recorrido  por la evolución del terror moderno. 

La estructura del libro alterna análisis cinematográfico, referencias literarias y contexto histórico. Alfonso Bueno, divide el libro en décadas, se comentan directores, productoras y movimientos del cine fantástico que ayudaron a trasladar el horror cósmico a la pantalla; desde producciones clásicas de bajo presupuesto hasta obras contemporáneas. 

Curiosamente, el capítulo inicial del libro comienza mostrándonos a Lovecraft como espectador, recordemos que HPL vivió el nacimiento de la cinematografía y vio en pantalla grande películas como El nacimiento de una nación, The clansman, El mundo perdido o El fantasma de la ópera. Ni que decir tiene que, por lo que sea, El nacimiento de una nación se convirtió de inmediato en uno de sus filmes favoritos.

Una de las más recientes adaptaciones de Lovecraft a la gran pantalla con un Nick Cage que se sale.

Otro punto fuerte (y muy de agradecer) es el tono divulgativo. El libro evita caer en el academicismo y ofrece una lectura ágil y accesible incluso para quienes no conocen profundamente la obra de Lovecraft. Aun así, ofrece suficientes detalles y referencias para satisfacer a lectores y espectadores veteranos del género. La pasión del autor por el cine fantástico y de terror rezuma en cada página, especialmente en las descripciones de criaturas, atmósferas y escenas icónicas inspiradas por los mitos de Cthulhu. Un detalle que me ha gustado especialmente es la cantidad de elementos gráficos en la obra: fotogramas, fotografías y posters de cine hacen que la lectura de la obra sea mucho más amena y completa.

El autor de Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, Alfonso Bueno López, es un ensayista especializado en cine de género y cultura popular. Sin ser un académico estrictamente universitario, ha conseguido ganarse un espacio entre los lectores aficionados al cine fantástico gracias al carácter divulgativo de su obra y su pasión cinéfila. Algunos de sus títulos anteriores son: Desenfunda, forastero! Clásicos perdidos y nuevas joyas del wéstern, dedicado al western; Sangre, sudor y puños. El boxeo en el cine, centrado en películas de boxeo; y Visto para sentencia. La justicia en el cine.

Desde la primera película (¡Mexicana!) en adaptar un relato del autor de Providence: La marca del muerto, que adaptaba El caso de Charles Dexter Ward (al menos en su primera media hora) hasta Love, Death and Robts (la famosa serie de animación de Netflix), esta obra es todo un viaje década a década por la filmografía y series que adaptan de una manera u otra la obra de Lovecraft. Un auténtico must tanto para los amantes del cine fantástico y de terror como para l@s fans del maestro del terror cósmico.

La edición de Diábolo es euclidiana, en tapa dura, con un tamaño de 27 x 14 cm y 316 páginas en papel satinado de alto gramaje con un precio de 27,95€.

No lo dudéis más y haceos con esta cartografía del horror lovecraftiano en el cine.

 ¡Iä! ¡Iä! ¡Cthulhu fhtagn!

Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas, reseña por Jose

Los amigos de Satori Ediciones siguen llenando nuestras baldas de buen manga. Anteriormente reseñé Los locos del gekiga y ahora es el turno de Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas, que llegó a librerías finales de verano de 2025 y es una antología de relatos de Bonten Taro, autor que se estrena en nuestro país con esta recopilación de ocho relatos que fueron publicados en Japón en diferentes revistas entre mediados de los años 60 y 70 del pasado siglo.

Portada del tomo recopilatorio de Satori.

Mujeres de armas tomar, violencia sexo y tatuajes, este podría ser el resumen de la presente antología que me ha parecido de lo más serie B y de lo más perturbadora por momentos, quizá por eso la he disfrutado de lo lindo. Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas es una obra incómoda, excesiva y fascinante a partes iguales. Puro gekiga y underground japonés de los años 60 y 70. Lejos del manga comercial que domina hoy el mercado, aquí encontramos historias ásperas, violentas y marcadas por el erotismo, la marginalidad y la cultura yakuza. Cada relato surge de los bajos fondos de un Japón nocturno donde el deseo, el vicio y la venganza conviven bajo la tinta de los tatuajes.

Mujeres de armas tomar. Literalmente.

El cuerpo de la mujer como lienzo para el tatuaje pero también para la violencia. Estética, cicatrices y rebelión social. Las protagonistas son criminales, otras buscan venganza y otras han sido deshonradas pero el nexo común es la tinta y la violencia: Ruri la tatuadora, historia que da nombre al volumen, o El tatuaje de Okei son buena muestra de ello. Pero Bonten Taro también explora el terror con relatos como Kappa o Escamas. Una recopilación, en definitiva, que nos muestra las facetas más destacadas del autor Tokiota.

Y es que es importante entender esta antología dentro del contexto del gekiga pero con las particularidades de Taro, un autor más salvaje y excesivo, particularidades muy bien recogidas en este compilación que es bastante homogénea.

Toca el turno de hablar del autor: Bonten Taro tuvo una vida de película. Nacido Kiyomi Ishii en 1928, fue, piloto Kamikaze, tatuador, cantante y mangaka, se casó varias veces... Vamos, que su vida parece sacada de uno de sus propios mangas, un tipo excéntrico y muy particular, al igual que su obra. De verdad os digo que investiguéis sobre su figura porque tuvo una vida apasionante y digna de ser contada hasta su muerte en 2008.

El horror y el Japón nocturno.

La publicación de Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas por parte de Satori Ediciones siguela línea editorial que la editorial asturiana lleva años consolidando en España. Alejada de títulos comerciales o autores superventas, Satori ha construido un catálogo muy reconocible recuperando clásicos japoneses, literatura de culto y obras digamos, marginales que rara vez habían llegado traducidas al castellano o que nunca lo habían hecho, como es el caso de este volumen. Su propuesta combina narrativa, ensayo, folklore y manga rescatando autores olvidados, contextualizando movimientos culturales y ofreciendo al lector español una visión más amplia y compleja de la historia artística y cultural japonesa.

En lo que al manga se refiere, esa labor ha sido especialmente importante para la difusión del gekiga y del manga alternativo. En ese sentido, publicar a Bonten Taro no solo tiene valor como curiosidad editorial, sino también como recuperación histórica de un autor muy ligado a la contracultura japonesa, a la exploitation cinematográfica (Roman porno, Yakuza o la Venganza femenina: ahí está Lady Snowboold, un clásico del manga y del cine) y al imaginario yakuza de la época.

La edición, cuidadísima. Muy buena reproducción, papel de alto gramaje y el interior de la sobrecubierta ilustrado nos dan una idea del mimo que ponen en Satori a sus publicaciones. Un trabajo editorial fantástico. Gracias a editoriales como Satori, obras tan raras y difíciles de clasificar aunque la enmarquemos dentro del gekiga, pueden encontrar nuevos lectores fuera de Japón reivindicando un sector del manga desaparecido de nuestras librerías pero que merece un lugar de honor en las estanterías.

288, tamaño kanzenban, y 288 páginas en rústica con solapas a un precio de 21€. 

Biblioteca Marvel Dr. Extraño #7, reseña por Jose

Biblioteca Marvel: Doctor Extraño 7 supone una nueva entrega de la recuperación cronológica del Doctor Extraño clásico y el fin del primer volumen del personaje. Publicado por Panini este pasado mes de abril, el tomo recopila los números Doctor Strange #178 y #180-183, además de Avengers #61, recordemos que el buen doctor protagonizó una aventura con los Héroes más poderosos de La Tierra, crossover que pudimos ver en Biblioteca MArvel Los vengadores 12 y cuya reseña podéis encontrar aquí: Biblioteca Marvel Los vengadores #12, ofreciendo una mezcla de aventuras místicas, terror psicodélico y pijameo clasicote que define perfectamente la esencia del Hechicero Supremo (al menos en esta primera etapa etapa del personaje).

Portada de esta séptima entrega.

Este es el segundo volumen de la Biblioteca Marvel dedicado a recopilar la mítica etapa del Doctor Extraño firmada por Roy Thomas y Gene Colan (delantera de lujo que ya pudimos ver en acción hace poquito y brevemente en la BM Los vengadores) pero que puso fin al volumen uno del personaje como ya he comentado anteriormente. Ya deseando que Panini empiece a publicar el segundo volumen de nuestro Hechicero Supremo favorito con el etapón de Englehart y Brunner.

En la entrega que tenemos entre manos, tendrá lugar el desenlace de la saga con Satannish y el crossover con Los vengadores, además, desfilarán por sus páginas varios de los clásicos de la época: Pesadilla, Juggernaut (¡con quien queda atrapado en el OJO de Agamotto!) y la mismísima Eternidad. Con todo, y a pesar del sensacional tándem creativo, las ventas dieron carpetazo a la colección del Doctor, carpetazo que se daría definitivamente en la serie de Hulk, en un cruce entre colecciones que no se recoge en este tomo. Por otro lado, el cierre de la colección significaría la inclusión de Strange en Los defensores.

Con Los vengadores.

Un punto muy importante es sin duda el apartado artístico. Probablemente uno de los elementos más destacados de este volumen y del anterior. Gene Colan ofrece páginas llenas de sombras, figuras etéreas y composiciones casi oníricas y psicodélicas que convierten cada hechizo en algo hipnótico. Su estilo encaja perfectamente con el componente digamos, surrealista del personaje. Roy Thomas supo leer el potencial de Colan y le dio vía libre, cosa  que es muy de agradecer. A veces el "Método Marvel" era lo que mejor funcionaba.

Por último y como suele ser habitual, otro punto importante de esta edición de Biblioteca Marvel es el cuidado editorial. Como suele ocurrir en la colección, el tomo incluye material contextual, cronologías y recuperación de correos de lectores originales, algo que ayuda mucho a entender cómo se recibían estas historias en su época. 

La edición de Panini, como siempre, en rústica con solapas, papel offset de buena calidad y un precio de 16€. 

Dead Romans, reseña por Jose

Este mes de mayo nos llega de la mano de Tengu Ediciones una de las novedades a las que más ganas tenía de hincarle el diente: Dead Romans, que cuenta con un tridente de auténtico lujo: Ted Kennedy, Nick Marinkovich y el gran Jose Villarrubia, para recrear con todo su salvajismo y brutalidad uno de los episodios más traumáticos de la historia del Imperio romano: la devastadora Batalla del bosque de Teutoburgo, la emboscada que cambió para siempre el destino de Roma en Germania.

Portada de la edición de Tengu.

La Batalla del bosque de Teutoburgo fue uno de los mayores desastres militares de la historia de Imperio romano y cambió el futuro de Europa. Ocurrió en el año 9 d. C., cuando tres legiones romanas fueron emboscadas y destruidas por una coalición de tribus germánicas en una zona boscosa del norte de Germania.

En tiempos del emperador Augusto, Roma estaba expandiendo sus fronteras hacia el este del Rin. Los romanos querían convertir Germania en otra provincia del imperio, como ya habían hecho con la Galia o Hispania.

El gobernador romano de la región era Publio Quintilio Varo, un burócrata experimentado pero poco preparado para la guerra.

Entre sus aliados estaba Arminio, un noble germano de la tribu de los queruscos, rehén de Roma, usado como garantía de que su tribu no levantaría la espada contra el Imperio. Había servido en el ejército romano y conocía perfectamente sus tácticas. Roma confiaba en él pero en secreto estaba organizando una rebelión.

Están locos estos romanos adentrándose en ese bosque...

Una vez contextualizada la historia, la trama gira alrededor de Arminio, basado en el personaje histórico real y cómo condujo a varias tribus germanas en una emboscada contra tres legiones romanas dirigidas por Publio Quintilio Varo. La derrota fue devastadora: se calcula que entre 15.000 y 20.000 romanos murieron y Roma abandonó definitivamente sus intentos de expandirse más allá del Rin. 

Las consecuencias históricas de Teutoburgo tienen un peso enorme dentro de la obra. La derrota supuso una humillación para el emperador Augusto y cambió el rumbo de la expansión imperial romana. Dead Romans aprovecha ese contexto y reflexiona sobre la fragilidad de los imperios y la violencia colonial que inevitablemente y como hemos visto a lo largo de la historia, termina generando resistencia y más violencia. En lugar de presentar a Roma como una civilización gloriosa e invencible, que hasta cierto punto lo fue, también nos muestra cómo consiguió serlo: esclavitud, aculturación (por la fuerza en ocasiones) y brutalidad militar. 

Pero simultáneamente aparece Honoria, una espía y esclava romana que mantiene una relación digamos, compleja, con Arminio. Kennedy construye una tensión constante entre el amor y la lealtad política: ambos personajes están atrapados entre dos mundos irreconciliables y deben decidir si permanecer fieles el uno al otro, al Imperio o a sus pueblos. Esta historia de amor y lealtad corre paralela a la de la batalla y es, en buena parte, el motor de la historia.

Honoria.

El trabajo de Fred Kennedy destaca por su aproximación contenida y adulta a la ficción histórica. En vez de priorizar únicamente las grandes batallas, dedica espacio a las conversaciones, las intrigas, las dudas y las tensiones. La miniserie original publicada por Image Comics no da para un gran desarrollo de personajes secundarios pero basta y sobra para contarnos lo que Kennedy pretendía, en mi opinión al menos.

Lo de Marinkivich y Villarrubia es harina de otro costal, probablemente el elemento más distintivo de Dead Romans y su punto fuerte. El estilo pictórico y áspero, el uso de colores apagados, marrones, grises y tonos terrosos nos transmiten el barro, la sangre y la humedad de ese bosque germánico. Las páginas parecen cubiertas de niebla y suciedad, reforzando la sensación de caos constante y de no saber de dónde te van a llegar los golpes. Las escenas de batalla son violentas y confusas a propósito, parece que estás ahí y que la sangre va a salpicarte de un momento a otro. Una maravilla visual donde predomina la atmósfera frente al detalle y que me recuerda por momentos a mi adorado Sienkiewicz u, ojo, palabras mayores, a Breccia o Bisley. Ahí lo dejo, juzguen ustedes.

Tremendo tándem Marinkovich/Villarrubia

En conjunto, Dead Romans podría describirse como una mezcla entre cómic bélico, ficción histórica expresionista, pintura histórica decadente y narrativa atmosférica contemporánea con toques de romance, un estilo visual que quizá no guste a todo el mundo (como en su día no gustaron Sienkiewicz o Kent Williams) pero que a mí personalmente, me ha paracido maravilloso. La historia huye del romanticismo del héroe germánico para presentarnos una potencia colonizadora brutal y agresiva contra la que no quedaba otra que lanzarse al cuello si querían preservar sus costumbres y cultura, ahí entra Arminio: quizá no el héroe que merecían pero sí desde luego el que necesitaban (para desgracia de Roma). 

Si queréis alguna recomendación sobre la Batalla de Teutoburgo en diferentes medios, deciros que es el eje central en Las águilas de Roma de Marini, y que en Netflix tenéis Bárbaros una serie de dos temporadas y 12 capítulos que profundiza sobre la batalla y sus protagonistas.

Estatua de Arminio en Alemania.

La edición de Tengu es en tapa dura, un tamaño de 17,5 x 27cm y papel de alto gramaje para sus 176 páginas con un precio de 28€.

Arca, reseña por Jose

Arca es un magnífico cómic de ciencia ficción distópica publicado originalmente en 2023 por la editorial IDW y que este mes de mayo llega a las librerías españolas gracias a los amigos de Nuevo Nueve. 

De entrada, parte de una premisa conocida: la humanidad debe huir de un Planeta Tierra moribundo en una gigantesca nave espacial (Arca) pero lo interesante es utilizar esa idea inicial para hablar de desigualdad, manipulación y control social. Y es que ya sabemos que la mejor ciencia ficción tiene un trasfondo social potente y en el caso de este Arca, tiene eso y mucho más. Van Jensen y mi adorado Jessie Lonergan se marcan un auténtico tebeazo que combina crítica social, thriller espacial y relato de iniciación.

Portada del cómic.

La historia sigue a Effie, cuyo nombre completo es Perséfone (muy adecuado), una adolescente que vive en la nave Arca. Allí la sociedad está dividida en castas: los “Ciudadanos”, descendientes de los multimillonarios que financiaron el éxodo; los “Ayudantes”, fuerzas de seguridad armadas; y los “Colonos”, jóvenes destinados a servir a las clases privilegiadas hasta cumplir los dieciocho años, momento en el cual pasan a convertirse en ciudadanos. Desde pequeña, Effie ha crecido creyendo que, al llegar a esa edad, accedería a una vida mejor, pero a través de sus ojos y de una serie de flashbacks que nos retrotraen al punto de partida, descubriremos que todo el sistema se sostiene sobre un engaño cuidadosamente elaborado. Un oscura mentira fundacional que sostiene esa nueva sociedad.

Lo bueno de la trama es que no depende únicamente del misterio central: la sensación de opresión y claustrofobia es constante, sabemos que algo no va bien pero no exactamente qué, además, hay diferentes tramas secundarias que afectan a varios de los protagonistas. Jensen construye una sociedad donde la propaganda está integrada en la rutina diaria: mensajes por megafonía, vigilancia constante y educación restringida (¿os suena?). Effie destaca porque ha aprendido a leer en secreto (sorry, spoiler) algo prohibido para los colonos. Ese pequeño acto de rebeldía intelectual se convierte en parte muy importante del motor de la historia: el conocimiento es peligroso para el poder establecido si no puede controlarlo.  

Así, Effie se convierte en el eje moral de esta historia: no es ni mucho menos la heroína clásica ni una líder carismática, más bien representa la curiosidad y la necesidad de comprender el sistema que la oprime, pasa de tragarse la propaganda de Arca a cuestionar los pilares sobre los que se sostiene esa sociedad y lo hace acompañada de personajes secundarios que representan distintas formas de adaptación al poder: quienes obedecen por miedo, quienes colaboran para sobrevivir y quienes prefieren ignorar la inhumanidad del sistema mientras conserven sus privilegios. El cómic no profundiza excesivamente ellos pero son necesarios para el relato iniciático de nuestra protagonista y además, encajan a la perfección dentro del discurso político de la obra.

Nuestra protagonista.

En cuanto a comparaciones, Arca recuerda mucho a otras historias de “nave generacional” como Sentient o La nave estelar, de Brian Aldiss e incluso a obras como Snowpiercer, por la división de clases y la idea de una sociedad encerrada en un vehículo que es el último refugio humano. También comparte semejanzas con Elysium, por su representación de una élite tecnológica aislada del sufrimiento colectivo o Un mundo feliz, por lo distópico. 

Arca es una obra que aunque usa elementos muy clásicos de la ciencia ficción, consigue en todo momento que sea actual usando elementos que nos atañen en pleno 2026: la concentración de la riqueza y los privilegios en una élite reducida, el colapso climático y esa sensación de que solo habrá futuro para quien pueda pagarlo, hacen que este cómic funcione como un tiro y que Arca sea, ni más ni menos, que una metáfora de la sociedad y del sistema actuales.

Uniformidad, propaganda y pensar poco.

Van Jensen al guion demuestra mucha habilidad para manejar el ritmo. Jensen venía de trabajar en títulos superheroicos como The Flash y Green Lantern Corps y de un novelón de ciencia ficción, Godfall, que os recomiendo muy fuerte pero aquí se mueve hacia una ciencia ficción más contenida y reflexiva. Su mayor acierto es que sin recurrir a largas explicaciones deja que el lector descubra poco a poco las reglas del mundo. Además, introduce giros narrativos que reformulan constantemente lo que creemos entender sobre la nave y sus habitantes y unas últimas tres páginas de cómic, sencillamente increíbles.

Por su parte, Jesse Lonergan ya había llamado la atención con obras como Hedra, con narrativas visuales digamos, bastante experimentales (no tiene una sola línea de diálogo). En Arca mantiene esa obsesión por el diseño de página y el movimiento dentro de la viñeta. Su dibujo parece sencillo pero es increíble el control que tiene sobre el espacio y la narrativa. 

Ojalá desde Nuevo Nueve se animen y nos traigan su último trabajo, Drome, que es una auténtica maravilla. 

Por terminar: cómic absolutamente imprescindible de este mes de mayo (en mi opinión, claro) y sin duda para los amantes de la ciencia ficción de calidad. Una lectura absorbente, entretenida y que te hace reflexionar sobre un futuro cada vez mñas oscuro y cada vez más próximo.

La edición de Nuevo Nueve se agradece que sea en tapa blanda en estos tiempos de tapadurismo ilustrado, 176 páginas en papel offset de alto gramaje y un tamaño de 19 x 27 cm por 25€.

"¿Has construido ya tu barco de la muerte? ¿lo has hecho?
Oh, construye tu barco de la muerte, pues lo necesitarás."

D. H. Lawrence.

Manual zoomórfico H. P. Lovecraft, reseña por Jose

Los amigos de Maldragón publicaban hace ya casi dos años H. P. Lovecraft: Manual Zoomórfico, creado por Luis Camacho Campoy. Y no hace falta recordar que en TDT Podcast somos muy de Lovecraft.

El libro es un bestiario lovecraftiano, una enciclopedia visual de su imaginario y también un recorrido artístico por sus horrores cósmicos, sus criaturas innombrables y sus dioses tentaculares. Pero, sobre todo, es un homenaje sincero al profeta de Providence. Y sí: me ha parecido una auténtica maravilla, para sorpresa de nadie.

Portada del libro.

Los tentáculos venden, el terror cósmico vende, Lovecraft vende y seguramente nuestro querido H. P. Lovecraft alucinaría si levantara la cabeza y viera en qué se ha convertido su legado (esto no es una crítica sino todo lo contrario). Basta echar un vistazo a la campaña de Verkami para comprobarlo: exitazo. Y no es para menos. Visualmente, la obra es brutal. Las ilustraciones desprenden un tono sombrío, y perturbador que por momentos me han recordado a mis adorados Beksiński y Giger que, por cierto, también aparecen mencionados en el libro. Hay páginas realmente hipnóticas e imágenes que parecen sacadas de una pesadilla de Sutter Cane.

Y no era precisamente fácil. Traducir visualmente criaturas descritas como entidades imposibles, masas informes o aberraciones más allá de la comprensión humana tiene bastante mérito. Ahí está Azathoth, por ejemplo: "un dios idiota y ciego, una amalgama caótica de tentáculos, fauces y ojos incontables, girando eternamente en el centro del universo". Avíatelas ahí.

El afán casi científico de Luis Camacho Campoy por el detalle convierte el libro, por momentos, en una especie de tratado de biología demencial. No se limita a ilustrar monstruos: intenta imaginar cómo funcionarían anatómica y biológicamente esas criaturas, cómo se relacionan entre sí y de qué manera encajan dentro del horror cósmico lovecraftiano. Además, el recorrido está planteado en orden cronológico, respetando la aparición de los seres en los relatos y las fechas de publicación, lo que permite apreciar también la evolución del imaginario de Lovecraft a lo largo de su obra. El resultado es mucho más que un bestiario: es casi arqueología visual de los mitos de Cthulhu.

Ïa ïa cthulhu fhtagn!

Hay que dejar claro, eso sí, que quienes busquen en este libro relatos de Lovecraft o historias escritas por otros autores basadas en los Mitos no los van a encontrar. H.P. Lovecraft: Manual Zoomórfico tiene un enfoque muy concreto y deliberadamente distinto. Funciona especialmente bien para coleccionistas de Lovecraft, aficionados a los bestiarios fantásticos, ilustradores, o lectore@s interesad@s en la iconografía del horror cósmico.

La obra incluye una breve biografía de Lovecraft, además de ensayos, comentarios y otros textos, aunque el propio proyecto de Verkami advertía que “no pretende ser una guía de la obra de Lovecraft, ni una biografía extensa y documentada”.

Traducido: aquí no vas a encontrar una biografía académica al estilo de Yo soy Providence, ni un estudio universitario sobre el racismo, la filosofía o el contexto histórico del autor. Sin embargo, el libro funciona precisamente porque entiende muy bien cuál es su objetivo. 

Cada criatura recibe un tratamiento casi enciclopédico: se explora su origen literario, su interpretación visual, su dimensión conceptual, su relación con otras entidades y su lugar dentro del imaginario lovecraftiano. Luis Camacho aborda a estos seres como si realmente formasen parte de un ecosistema imposible más allá de la comprensión humana.

 

Mi adorado H. P. Lovecraft.

 

El autor, Luis Camacho Campoy, es paisano nuestro y licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, combina su trabajo docente con una trayectoria artística que abarca la pintura, el dibujo y la ilustración literaria. Es conocido por su estilo sombrío y simbólico, con influencias del arte fantástico y del universo lovecraftiano (por supuesto). Su trabajo en esta obra (ya lo veréis) es increíble.

 

La edición de Maldragón es impresionante y para sorpresa de todos, euclidiana: tapa dura, un tamaño de 22,5 x 29,5 cm, en papel de alto gramaje y una extensión de 260 páginas con un precio de 35€ que, al precio que se cotizan los cómics a 2026, es una auténtica ganga. 

Si alguna vez habéis querido asomaros al horror lovecraftiano como si hojeaseis el cuaderno de campo de un naturalista demente de otra dimensión, este libro es exactamente eso.

 

Iä! Iä! Cthulhu fhtagn!

Tex. Patagonia, reseña por Jose

Los amigos de Laramie Ediciones nos traen este mes de mayo el segundo volumen de Tex: Patagonia, una nueva oportunidad para adentrarse en el universo de uno de los grandes mitos del cómic europeo. Para quienes aún no conozcan a Tex, se trata del legendario personaje creado en 1948 por Gian Luigi Bonelli (auténtica figura de culto de la historieta italiana) y Aurelio Galleppini para la editorial Bonelli.

Las historias de Tex Willer, ambientadas en el Salvaje Oeste de la segunda mitad del siglo XIX, combinan aventura, acción y sentido de la justicia. Tex es ranger de Texas, agente indio y jefe blanco de los navajos, un héroe incorruptible que recorre fronteras enfrentándose a todo tipo de amenazas. En sus peripecias suele estar acompañado por un variopinto grupo de aliados: Kit Carson, viejo pistolero y veterano ranger; Tiger Jack, fiel amigo y guerrero navajo; y Kit Willer, su hijo.

Convertido con el paso de las décadas en uno de los cómics europeos más longevos y populares, Tex sigue siendo un auténtico clásico del western, admirado por generaciones de lectores gracias a su mezcla de épica fronteriza, personajes carismáticos y su respeto por la mitología del Oeste.

En este segundo volumen de las aventuras de nuestro ranger favorito, la historia traslada a Tex desde el clásico Oeste Americano hasta los paisajes salvajes y desolados de la Patagonia argentina, un escenario poco habitual dentro de la serie que aporta frescura, exotismo y una atmósfera casi épica.

Portada de la edición de Laramie.

Y es que uno de los mayores aciertos del cómic reside precisamente en su ambientación. La Patagonia aparece retratada como un territorio inmenso y salvaje marcado por la dureza del paisaje y por una constante tensión política y humana. En este escenario, Tex Willer viaja junto a su hijo Kit Willer hasta Argentina para ayudar a un viejo amigo, Ricardo Mendoza, oficial del ejército argentino, a resolver un conflicto con las tribus indígenas de la región y la siempre delicada línea geográfica que marca "la frontera"  que las tribus indígenas no están dispuestas a respetar. Todo un clásico. La misión parece sencilla: mediar en un conflicto con tribus indígenas, sin embargo, la historia pronto revela una realidad mucho más compleja y brutal. Lo que inicialmente parece una operación de pacificación se transforma en una dura reflexión sobre el colonialismo, la expansión territorial y el exterminio de los pueblos indígenas.

Desde las primeras páginas, la historia te atrapa: el brutal ataque de un grupo de indígenas a una aldea de colonos, quince páginas iniciales realmente impactantes, sirve al guionista para introducirnos de lleno en el conflicto y mostrarnos, sin rodeos, la complejidad y la violencia que dominan la frontera patagónica. A partir de ahí, el relato despliega una aventura intensa y cinematográfica, en la que el paisaje y el trasfondo histórico adquieren tanta importancia como los propios personajes. 

Narrativamente, la obra mantiene un ritmo muy sólido. Hay acción, duelos y momentos de tensión, pero también espacio para desarrollar personajes complejos y moralmente ambiguos. Tex continúa siendo el héroe carismático de siempre, aunque aquí se muestra más reflexivo y humano frente a un entorno especialmente brutal. Hay momentos para el recuerdo: el inicio del cómic con el ataque indígena es tremendo, la llegada al puerto, los espacios abiertos en La pampa y el entrenamiento con las boleadoras o el duelo a cuchillo de Tex con uno de los indígenas locales a la luz de la hoguera, que es una gozada.

A pesar de que la edición de Laramie es en blanco y negro, no he podido resistirme a añadir esta página a color.

Otro de los grandes aciertos del cómic es la manera en que aborda la ambigüedad moral dentro del propio ejército argentino. Igual que sucede en los wésterns más clásicos, entre los militares conviven posturas enfrentadas: algunos apuestan por una solución negociada con los pueblos indígenas, mientras que otros defienden abiertamente el exterminio como única vía posible. Esa división interna aporta matices y evita caer en una visión simplista del conflicto.
Del mismo modo que ocurría en el ejército estadounidense durante las guerras indias, el ejército argentino también cuenta con indígenas que actúan como rastreadores, intérpretes y guías al servicio del poder colonizador, enfrentándose en muchos casos a su propio pueblo. Es precisamente en este contexto donde sale a relucir la herencia indígena del hijo de Tex, en unas páginas especialmente inspiradas que no solo enriquecen al personaje, sino que también invitan a reflexionar sobre la identidad, la lealtad y las contradicciones morales que atraviesan toda la obra. 

 

Pasquale Frisenda, tan bueno en blanco y negro como en color.

 

Históricamente, la obra también da en la diana, el milanés Boselli, la sitúa durante La llamada "Conquista del Desierto", campaña militar llevada a cabo por el Estado argentino entre las décadas de 1870 y 1880, cuyo objetivo oficial era expandir el control del gobierno sobre los territorios de la Patagonia y La pampa, zonas habitadas por pueblos indígenas como los tehuelches, protagonistas en la obra.

Desde la perspectiva del gobierno argentino de la época, la campaña buscaba “civilizar” el territorio, detener incursiones armadas indígenas y abrir nuevas tierras para la ganadería, la agricultura y el crecimiento económico del país. Sin embargo, históricamente la campaña implicó masacres, desplazamientos forzados, pérdida de territorios ancestrales y la muerte de miles de indígenas. Desde una perspectiva actual, se considera un proceso de limpieza étnica o incluso genocidio. Un reflejo de lo que sucedía en la misma época en Norteamérica.

Boselli consigue construir una historia fantástica, cargada de matices y contexto histórico, con gran carga política, alejada del western clásico norteamericano pero a la vez cercana y tocando temas como la relación padre/hijo, la multiculturalidad o la herencia familiar.
Y artísticamente Pasquale Frisenda, también milanés, es extraordinario y probablemente una de las principales razones por las que Patagonia se considera una obra maestra del western moderno en viñetas. Su dibujo en blanco y negro combina un nivel de detalle impresionante con una puesta en escena, me repito, cinematográfica. La pampas argentina, las montañas nevadas, los campamentos indígenas y las batallas poseen una fuerza visual enorme. Frisenda utiliza sombras, texturas y composiciones muy dinámicas para transmitir tanto la inmensidad del paisaje como la violencia física de los enfrentamientos. Un apartado gráfico sobresaliente.

En definitiva, y por si no os había quedado claro, este Tex. Patagonia es un must de este mes de mayo. Laramie nos lo trae en rústica con solapas, un tamaño de 21 × 29,7 cm, 232 páginazas en papel offset de alto gramaje y blanco y negro por un precio de 29€.

Allí donde vas, reseña por Jose.

Este pasado mes de abril, los amigos de La cúpula nos traían la nueva obra del francés Étienne Davodeau: Allí donde vas. Viaje al país de la memoria que flaquea. Publicada en Francia en 2025, este cómic se inscribe dentro de la línea más documental y humanista de Davodeau, conocido por explorar temas sociales desde la experiencia directa. En este caso, el punto de partida es profundamente íntimo: el autor decide narrar el trabajo de su pareja, Françoise Roy, enfermera especializada en el acompañamiento de personas con enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer. Inmediatamente se nos puede venir a la cabeza el Arrugas de Paco Roca o la magnífica película del argentino Juan José Campanella El hijo de la novia, pero el enfoque aquí es diferente: más directo, más didáctico y también profesional. Además, es también una historia de pareja, donde la confianza, la cercanía y la convivencia permiten acceder a una realidad difícil de representar desde fuera.

Portada del cómic.

El cómic no sigue una línea argumental tradicional, sino que se articula como una sucesión de escenas y encuentros. Historias cortas. A través del día a día de Françoise, entramos en contacto con distintos pacientes: el señor Saunier, la señora Marchand o Cédric y sus familias, cada uno enfrentando de forma distinta el deterioro de la memoria y la identidad. No hay un conflicto central ni una narrativa clásica: lo que predomina es la acumulación de instantes cotidianos, gestos, silencios e interacciones que revelan la complejidad emocional de la enfermedad tanto de la persona afectada como de sus allegados. El foco no está en explicar el Alzheimer desde un punto de vista médico, sino en mostrar cómo se vive y se acompaña en lo cotidiano.

Y ese precisamente es el tema central de la obra: la pérdida de la memoria como proceso que afecta tanto al enfermo como a su entorno. Al mismo tiempo, el cómic pone en valor el papel de los cuidadores y acompañantes, destacando la importancia de la empatía, la paciencia y la capacidad de crear vínculos en el presente. Algo muy importante también es la reflexión sobre la dignidad, a pesar de todo, esas personas siguen siendo seres humanos y deben ser tratados como tales.

Una reflexión muy acertada.

El autor huye del porno emocional, lo cual es muy de agradecer. La narración es sobria, directa, no cae en sentimentalismos y eso hace que la obra fluya de manera muy natural: hay momentos para la tristeza, la reflexión, la sorpresa e incluso alguna carcajada, ofreciendo así una narración muy humana, respetuosa. Emociona sin caer en el sentimentalismo, educa pero no desde un discurso didáctico y creo que es tremendamente útil para entender a las personas con Alzheimer, a sus allegados y a sus cuidadores.

Étienne y Françoise.

En el apartado gráfico, Davodeau mantiene su estilo característico: blanco y negro, trazo sencillo y semi-realista. La puesta en página es clara y funcional, sin artificios, lo que refuerza la dimensión documental del relato. El uso de espacios en blanco, repeticiones y silencios gráficos contribuye a transmitir la desorientación y la pérdida de referencias propias de la enfermedad. Coherente con el tono íntimo y contenido de la obra.

Allí donde vas es un cómic profundamente humano que se adentra en un tema complejo con una sensibilidad poco común. Sin caer en respuestas fáciles ni en dramatismos innecesarios, la obra propone una mirada honesta sobre la fragilidad de la memoria, el peso del cuidado y la importancia de los vínculos en momentos de vulnerabilidad extrema. Davodeau construye un relato íntimo y contenido, donde los silencios y los gestos adquieren tanto valor como las palabras. Es una lectura pausada, de esas que invitan a detenerse y acompañar a sus personajes con empatía, uno de esos cómics que te sigue acompañando tiempo después de acabar de leerlo.

La edición de La cúpula es en rústica con solapas, 164 páginas en papel offset de calité y un tamaño de 17 x 24 cm. Además, los extras: un epílogo a cargo de Françoise y una bibliografía sobre las enfermedades neurodegenerativas que contiene sitios web, libros, cómics y películas. Precio: 19,90€

 

 

1629, reseña por Jose

1629... o la horrible historia de los náufragos del Yakarta, recién publicado por Norma Editorial, es un impresionante thriller histórico y psicológico con guion de Xavier Dorison (Long John Silver, Undertaker, El castillo de los animales) y dibujo de Thimothée Montaigne (El tercer testamento). La obra relata magistralmente y con un nivel de detalle brutal (tanto en en el guion como en el apartado gráfico) el motín, naufragio y los macabros asesinatos reales ocurridos en el barco Batavia, nombre real del navío en el que se basa esta historia. Un imprescindible del pasado mes de abril. 

Portada del primer volumen.

Publicado originalmente en Francia en dos volúmenes por la editorial Glénat, este díptico propone una inmersión absorbente en una de las historias más perturbadoras y salvajes de la navegación moderna.

La obra nos traslada a 1629, en pleno auge de la expansión de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales (VOC), una de las corporaciones más poderosas de su tiempo, solo comparable a su homóloga británica. A bordo del navío Yakarta, nombre adoptado en la obra para el histórico Batavia, denominación neerlandesa de la ciudad fundada por los holandeses en 1619 en la actual Indonesia, viajan oro, diamantes y una tripulación reclutada en gran parte de los bajos fondos de Ámsterdam junto a unas 250 personas más en busca de fortuna al otro lado del mundo. Un caldo de cultivo perfecto para el desastre.

Desde sus primeras páginas, Dorison plantea el viaje como un auténtico “barril de pólvora”, donde las tensiones de clase, la ambición desmedida y la violencia contenida laten bajo cubierta. El cómic se inspira en un episodio histórico bien documentado: el naufragio del Batavia en 1629. Este suceso ha pasado a la historia por la brutal combinación de desastre marítimo, motín y la posterior masacre entre los supervivientes, convirtiéndose en uno de los capítulos más oscuros y estremecedores de la historia naval. 

 

Impresionante doble página de Montaigne.

 

El desarrollo de personajes por parte de Dorison es magnífico. Huye de maniqueísmos y los protagonistas se mueven en una gran escala de grises. En la obra, construye la tensión página a página imprimiéndole una atmósfera claustrofóbica aprovechando que esta primera parte de la historia transcurrre enteramente a bordo del Yakarta. 

Y como no quiero hacer spoilers (a pesar de ser un suceso que ocurrió hace 400 años) voy a comentar el apartado gráfico: el arte de Montaigne es, como cabía esperar, excepcional. Desde la inmensidad azul del mar a la caracterización de personajes, la parte artística no baja del sobresaliente. Una auténtica gozada visual.

 

Y si la historia es tremenda y el dibujo espectacular, la edición de Norma es una preciosidad: cartoné con detalles dorados en la cubierta, un tamaño de 24,5 x 33,2 cm, papel satinado de alto gramaje, una cinta roja marcapáginas y una impresión en la que el detallado dibujo de Montaigne y los colores lucen increíbles. Además, extras: mapas de las rutas marítimas de la época, un texto de Dorison y un corte transversal del Batavia para situarnos a un precio de 35€. 

Deseando que Norma saque ya el segundo volumen. 

Godzilla Grandes Batallas Volumen 2: vs Gigan, reseña por Jose.

Llega a librerías el segundo volumen de Godzilla Grandes Batallas, bajo el título Grandes Batallas Godzilla vs Gigan, los amigos de Moztros siguen ampliando el catálogo de El rey de los kaijus y nos traen esta segunda antología de historias cortas en las que el foco está puesto exclusivamente en los enfrentamientos entre estas icónicas criaturas.

A diferencia del primer volumen (reseña aquí) en el que nuestro querido Godzilla era el protagonista, en esta antología solo lo es en la primera historia, contra Gigan. El resto de enfrentamientos están protagonizados por diferentes kaijus de la franquicia: Destoroyah, Mothra o Ebirah.

Portada del tomo recopilatorio de Moztros.

En este segundo volumen encontraréis, básicamente, las mismas señas de identidad que definían al primero: una buena dosis de violencia, altos niveles de destrucción y un desarrollo de personajes más bien limitado. Es, en ese sentido, una lectura ideal si lo que buscáis es algo directo y entretenido para echar la tarde sin demasiadas complicaciones.

Al igual que ocurría en la entrega anterior, destaca la amplia variedad de equipos creativos, lo que aporta dinamismo y evita que la lectura se vuelva monótona. Además, en esta ocasión y de manera general, se percibe un enfoque estilístico más cercano al manga, tanto en el ritmo narrativo como en ciertos recursos visuales, algo que le da un aire fresco y diferenciador dentro del conjunto. 

En mi caso, debo admitir que disfruté más del primer volumen, donde Godzilla era el claro protagonista de todas las historias. Al final, yo estoy aquí por mi lagarto gigante, y no tengo problema en decirlo abiertamente. Además, tampoco he terminado de conectar con el estilo manga que los autores han imprimido al apartado gráfico en esta entrega. En ese sentido, me inclino más por propuestas como Aquí hay dragones o el especial del 70 aniversario, que encajan mejor con mis preferencias visuales pero como se suele decir: para gustos, colores.

Maravilloso póster promocional de la película Godzilla vs Gigan de 1972

En resumen: el enfrentamiento contra Gigan recoge bien la esencia del personaje, presentado como un enemigo especialmente agresivo y peligroso. El combate es directo, y visualmente potente, funcionando como uno de los principales atractivos del volumen; volumen imprescindible para los fans de los kaijus y por supuesto para los completistas de Godzilla. 

Desde aquí queremos agradecer a Moztros la labor que está haciendo con nuestro lagarto favorito al traernos todo el material que se va publicando allende los mares. Segundo volumen de Grandes batallas, ¡quedan otros dos!

 

Al igual que lo volúmenes anteriores, Moztros nos trae este recopilatorio en tapa blanda, con un tamaño de 17 x 26 cm y papel satinado para las 184 páginas de mamporros de esta segunda entrega a un precio de 20,90€. 

La mujer como lo humano. Al principio de la historia, reseña por Jose

La mujer como lo humano. Al principio de la historia, de Ulli Lust, es un ensayo gráfico que cuestiona muchas de las ideas que hemos dado por sentadas sobre la prehistoria y el papel de la mujer en los orígenes de la humanidad. Este cómic desmonta gran parte de lo que creíamos saber sobre las primeras comunidades humanas: desde las representaciones artísticas hasta los ritos funerarios. Todo ello en un viaje de más de 40.000 años que, hasta hace relativamente poco, había sido narrado casi exclusivamente por hombres.

Hay que agradecer a los amigos de Garbuix que esta obra haya llegado a las librerías de nuestro país, porque no estamos ante un cómic cualquiera, sino ante una propuesta ambiciosa que combina divulgación, pensamiento crítico y un enfoque claramente feminista.

Portada del cómic.

El pilar fundamental de esta obra es su largo proceso de investigación, que se prolongó durante años. Ulli Lust se apoya en estudios de arqueología, antropología y arte prehistórico para cuestionar una idea profundamente arraigada: que la historia de la humanidad ha sido protagonizada principalmente por hombres. Spoiler: no lo estaba.

A partir de ahí, la autora introduce uno de los aspectos más interesantes del libro: muchas de las primeras representaciones humanas eran mujeres. Este hecho, aparentemente sencillo, abre la puerta a una reinterpretación completa del papel femenino en la prehistoria. ¿Quién creó esas estatuillas? ¿Fueron mujeres las artistas? ¿Cómo cambiaría su significado si lo fueron?

Partiendo también de su propia experiencia personal, Lust rememora su infancia y su adolescencia, etapas en las que interiorizó normas sociales sobre el cuerpo de la mujer y lo femenino en general: vergüenza, silencio e invisibilización. Este enfoque conecta pasado y presente, mostrando que la invisibilización de la mujer no es algo puntual, sino estructural, cotidiano y profundamente normalizado desde hace milenios.

Una vez asimilado ese primer golpe, llega la caída de otros mitos: el famoso “hombre cazador” no era el centro de la comunidad y las mujeres no se limitaban a parir y criar. Las primeras sociedades eran mucho más complejas, colaborativas y solidarias de lo que se había creído hasta ahora. En este sentido, la obra insiste en que gran parte de lo que creemos saber responde más a construcciones culturales y patriarcales que a evidencias reales.(para sorpresa de nadie a estas alturas).

Una reflexión muy interesante: ¿fueron mujeres quienes tallaron esas estatuillas? ¿Si lo hubieran hecho hombres estarían en posturas diferentes?

 

El arte prehistórico y su autoría, los roles igualitarios en las primeras comunidades, o la empatía frente a la fuerza bruta son algunos de los temas que Ulli Lust toca en este ensayo gráfico. No es una lectura ligera, ni mucho menos (ni creo que pretenda serlo, la verdad), es una obra ambiciosa que mezcla divulgación, pensamiento crítico, feminismo y un gran apartado gráfico, por supuesto. 

No es casualidad que esta obra haya sido elegida como el mejor cómic de no ficción de 2025 en Alemania, donde ha superado las 50.000 copias vendidas. Y lo mejor: es solo la primera parte de un proyecto más amplio que aquí en TDT ya estamos deseando leer. No lo dudes y sumérgete en este comicazo que nos ha traído Garbuix. 

Además: sale Alan Moore.

 

Ulli Lust, autora de la obra, es una historietista austríaca afincada en Berlín. Ha recibido numerosos galardones a lo largo de su carrera e incluso ha sido nominada a los premios Eisner. Actualmente compagina su trabajo como autora con la docencia en la Universidad de Hannover, además de impartir conferencias y talleres por todo el mundo. 

En definitiva, La mujer como lo humano es un ensayo gráfico ambicioso, exigente y muy necesario. Una obra que no solo revisa el pasado, sino que también invita a replantearse cómo se ha construido el relato de la historia de la humanidad. Si te interesa el cómic de no ficción, el feminismo o la divulgación desde una perspectiva crítica, es una lectura muy recomendable.

La edición de Garbuix de La mujer como lo humano. Al principio de la historia, es en tapa blanda con solapas y un tamaño de 19 x 26 cm para las 256 páginas de este cómic y tiene un precio de 28,95€.