Los 36 de La Madeleine, reseña por Jose.

Los 36 de La Madeleine fueron un grupo de guerrilleros españoles exiliados tras la Guerra Civil española que, el 25 de agosto de 1944, protagonizaron una sorprendente victoria frente a una columna nazi de la Wehrmacht, muy superior tanto en número como en equipamiento  en la encrucijada de La Madeleine, en Francia, cerca de Anduze. Bajo el mando de Cristino García, lograron bloquear el avance de las tropas alemanas, diezmar sus efectivos y capturar a los supervivientes con la ayuda de voluntarios locales.

Esta misma semana, los amigos de Cartem Cómics publican Los 36 de La Madeleine, un cómic guionizado por Rafael Jiménez, uno de los autores más prolíficos del cómic nacional actual, con el joven y talentoso Alejandro Lozano al frente de la parte gráfica.

Portada del cómic.

Los 36 de La Madeleine recupera un episodio real y poco conocido de la resistencia española en Francia. Conviene recordar que, a diferencia de lo que ocurre en nuestro propio país, los republicanos españoles que combatieron a los nazis reciben allí homenajes anuales y cuentan con numerosos monumentos que recuerdan su arrojo y su valor en el campo de batalla. No hay que olvidar, por ejemplo, que “La Nueve”, una compañía de la 2.ª División Blindada francesa formada por republicanos españoles exiliados, muchos de ellos extremeños, fue la primera unidad aliada en entrar en París el 24 de agosto de 1944 durante la liberación de la ciudad. 

Rafa Jiménez se lanza aquí a reconstruir una hazaña bélica que va mucho más allá del simple entretenimiento de guerra. Su guion convierte la batalla en un relato sobre la memoria: sobre cómo hay heridas que nunca terminan de cerrarse y sobre cómo, con demasiada frecuencia, el relato oficial acaba silenciando la historia real, como ocurrió con este puñado de guerrilleros.

El autor reconstruye el combate, la estrategia y las acciones que tuvieron lugar gracias a un minucioso trabajo de investigación. Al mismo tiempo, mediante flashbacks y las conversaciones entre los propios combatientes, vamos descubriendo sus historias personales, sus motivaciones y el camino que los llevó hasta allí. El resultado es un cómic que equilibra con acierto y elegancia la acción y la memoria histórica.

 

Componentes de Los 36. Fuentes señalan que también hubo dos mujeres entre ellos. Una aparece en la fotografía.

 

El trabajo de Alejandro Lozano es sencillamente maravilloso. Debuta en el mundo del cómic junto a Rafa Jiménez y su estilo me ha recordado bastante al de Paco Asenjo o Paco Roca en el trazo, aunque todavía con margen para pulirse. También me ha traído a la mente a Andrés G. Leiva (echadle un ojo a 15, publicado por Astiberri, y lo veréis). Incluso me atrevería a decir que, al ver en los extras algunas páginas en blanco y negro, me ha venido a la cabeza aquel Víctor Santos de los inicios en Los Reyes Elfos.

Alejandro se mueve como pez en el agua tanto en las escenas de acción como en los momentos más reposados de la narración. Además, realiza un uso del color tan inteligente como efectivo: rojo y negro para los flashbacks de la Guerra Civil, o blanco y negro para las escenas ambientadas en el campo de concentración.

Quiero destacar también algunas páginas que me han parecido especialmente sobresalientes: las dedicadas a la batalla del Ebro, los flashbacks de los campos de concentración o esa potente transición en la que la carga de la Wehrmacht se transforma en la de las tropas marroquíes que apoyaron a los sublevados durante La guerra civil. Una auténtica maravilla.

Una vez más, quiero destacar el sólido trabajo de documentación de Rafa Jiménez pero si tuviera que ponerle un único pero al cómic, sería que me habría gustado ver representada al menos a una de las dos mujeres que, según algunas fuentes, formaron parte del contingente de los 36. A diferencia de sus compañeros, ellas no fueron condecoradas con la Estrella de Plata y, con el paso del tiempo, sus nombres han quedado olvidados.

Para terminar, la edición de Cartem está a la altura de lo que cabía esperar de la editorial: tapa dura para las 88 páginas, más extras, que componen el volumen, papel offset de alto gramaje y un formato de 17 × 24 cm. Una edición estupenda para un comicazo que os recomiendo sin ninguna duda.

Los amigatos Hachi y Maruru, reseña por Jose

Los amigatos Hachi y Maruru (Tsureneko Maruru to Hachi) es un manga seinen (o shonen, no lo sé, mis hijos se lo leen también) de Yuri Sonoda que narra de forma divertida pero también realista la vida de dos gatos callejeros. Un slice of life gatuno en toda regla. Los protagonistas de esta historia son Maruru, un gato doméstico que se ha perdido y vive asustado en un mundo que no conoce y Hachi es un curtido gato callejero que ha aprendido a sobrevivir en la universidad de la calle. El líder del Distrito 3. Juntos deberán enfrentarse a los peligros de la vida callejera. 

La editorial encargada de traerlo a nuestro país ha sido Pika Ediciones.

Portada del volumen 1.

Lo cierto es que dentro del abundante catálogo de mangas de animales, en TDT nos hemos hecho muy fans de este Amigatos. No negaré que siempre he sido más de perros pero desde que mi madre tiene gatos pues también me gustan (Conansito, nombre que elegí yo, es mi favorito). Por otra parte, Juanjo siempre ha sido un fan gatuno y entró de cabeza en este día a día felino que nos han traído los amigos de Pika.

Uno de los grandes aciertos del manga es cómo evita caer en la idealización. La vida en la calle no es fácil: hay hambre, peleas entre gatos, abandono y una constante sensación de vulnerabilidad y peligro. Pero al mismo tiempo, Sonoda introduce pequeños momentos de ternura (la señora que da de comer a los gatos en el parque es un buen ejemplo) y mucho humor (¿por qué los humanos nos quitan las bolas, y qué hacen con ellas?) que equilibran el tono. El resultado es que acaba siendo para todos los públicos y vas de la sonrisa a la carcajada en cada entrega.

La relación entre los protagonistas funciona especialmente bien gracias al contraste entre ambos. Hachi representa la dureza y la experiencia; Maruru, en cambio, aporta inocencia y torpeza. A través de su convivencia, el manga habla de adaptación, confianza y apoyo mutuo sin necesidad de discursos explícitos. Todo se transmite a través de pequeños gestos, silencios y situaciones cotidianas. Y esto es solo el principio, conforme va avanzando la historia entran en juego numerosos secundarios tanto humanos como felinos que añaden complejidad a la trama.

Yasuo, el robagatos.

A partir del tercer volumen, los humanos y el refugio de gatos entran en escena. Lo que en un principio parecía una amenaza, ya que los gatos empiezan a desaparecer de las calles,  acaba revelándose como un lugar seguro para Hachi, Maruru y el resto de sus compañeros del Distrito 3. Cada uno de estos gatos arrastra una historia propia que iremos descubriendo poco a poco a través de flashbacks, episodios que ayudan a entender su carácter y las cicatrices emocionales (y físicas) que la vida en la calle les ha dejado.

Otro de los grandes aciertos del manga es su pequeño componente pedagógico. En cada volumen el lector puede aprender algo sobre el comportamiento de los gatos: cómo se relacionan entre ellos, las distintas personalidades que pueden tener, por qué reaccionan de ciertas maneras o incluso aspectos relacionados con su alimentación. Todo ello se presenta de forma ligera, mediante anécdotas y breves historias que funcionan como epílogo y sirven como extra al final de cada tomo.

En definitiva, estamos ante una obra modesta pero con mucho corazón, capaz de abordar temas duros sin perder nunca su calidez ni su sentido del humor. Una historia encantadora y divertida que atrapa tanto a los amantes de los gatos como a quienes, en principio, no lo son.

En Japón la serie cuenta actualmente con seis volúmenes publicados. En nuestro país, Pika Ediciones acaba de lanzar el quinto tomo y, si todo va según lo previsto, el sexto llegará en mayo. La edición se publica en formato tankōbon y a un precio de 8,50 €.

¡Distrito 3 for life!

El hombre invisible, reseña por Jose.

El Hombre Invisible, escrito por James Tynion IV y dibujado por DaNi, es un cómic de terror que reimagina a uno de los monstruos clásicos del cine de Universal Pictures. La historia explora la obsesión por obtener la fórmula de la invisibilidad y el progresivo descenso a la locura de Jack Griffin, el científico que acaba convirtiéndose en víctima (voluntaria) de su propio descubrimiento.

El personaje proviene de la célebre película The Invisible Man, una mezcla de ciencia ficción y comedia de terror estrenada en 1933 y basada en la novela homónima escrita por H. G. Wells. Con esta obra, Skybound Entertainment e Image Comics continúan ampliando su línea de cómics dedicada a reinterpretar a los monstruos más legendarios del cine clásico. En España, la editorial encargada de publicar estas nuevas adaptaciones es Moztros.

 

Portada del tomo recopilatorio de Moztros.

 

Esta adaptación, recién llegada a librerías, pone el foco en el proceso de investigación de la fórmula por parte del protagonista y en su progresivo deterioro mental. La historia se centra especialmente en el momento en que Griffin empieza a cruzar la frontera hacia el lado más oscuro de la ciencia: cuando decide probar su descubrimiento en seres vivos y comienza a traspasar todos los límites éticos y morales. De este modo, el cómic presta más atención a ese inquietante camino hacia la deshumanización que a los hechos posteriores, cuando ya ha probado la fórmula en sí mismo y da rienda suelta a sus atrocidades (aunque el proceso de investigación no está exento de ellas).

 

Nuestro distinguido protagonista.

 

«Siempre quise escribir esta historia», comentaba en una entrevista el propio James Tynion IV. Para hacerlo realidad se rodea aquí de la artista griega DaNi, una elección que, en mi opinión, resulta todo un acierto. Su estilo gráfico, muy expresionista, me recuerda por momentos la fuerza y el gusto por el claroscuro de autores como Eduardo Risso o mi adorado Mike Mignola, reforzando la atmósfera perturbadora y malsana de la historia. A ello se suma el magnífico trabajo al color de Brad Simpson, que completa una auténtica delantera de lujo para esta adaptación.

 

Claude Rains ¿caracterizado? para el filme de 1933.

 

Junto a Dracula, y a falta de leer la adaptación de La momia, esta es, sin duda, la entrega que más me ha gustado de la línea. Se nota que Tynion IV llevaba tiempo queriendo contar esta historia. El cómic mantiene un tempo narrativo muy bien medido, mientras que la atmósfera malsana y el horror rezuman en prácticamente cada viñeta. El trabajo de DaNi al dibujo y de Brad Simpson al color aportan además el grado justo de oscuridad y expresionismo que esta reinterpretación necesitaba.

Un auténtico must entre las novedades del pasado febrero, y que deja con ganas de más a la espera de que Moztros nos traiga la siguiente entrega de la línea: nada menos que El fantasma de la ópera.
En cuanto a la edición, Moztros mantiene su formato habitual: tapa blanda, 128 páginas en tamaño 17 × 26 cm y una cuidada galería de portadas como material extra. Todo ello por un precio de 18,90 €.

La espera, reseña por Jose

Con La espera, recientemente publicado por los amigos de Garbuix Books, Mario Trigo debuta como autor de cómics. No llega, sin embargo, desde fuera del ámbito cultural: durante siete años fue jefe de redacción de Altaïr Magazine, revista dedicada a la cultura viajera y la crónica periodística, y su trayectoria profesional también se ha desarrollado entre la ilustración y el diseño vinculados al mundo editorial y periodístico.

Portada del cómic.

La espera es un cómic de corte periodístico y ensayístico. La idea surgió hace más de diez años, durante un viaje a Riaño (Castilla y León) con la revista Altaïr para observar las nuevas camadas de lobos. El libro reconstruye aquel viaje y aquellos días de observación, pero Mario Trigo lo entrelaza con una reflexión más amplia sobre la figura del lobo como elemento cultural y protagonista de mitos, relatos y tradiciones populares, así como sobre la compleja convivencia entre el ser humano y este animal desde tiempos ancestrales y su conflictiva relación con la ganadería.

A lo largo del cómic, el autor también aborda la particular historia de Riaño y suma una dimensión más íntima al relato: su propia espera personal, ya que en ese momento estaba a punto de convertirse en padre.

El lobo en la cinematografía.

Algo que me encanta de este cómic, y que consiguió engancharme desde la primera página, es que se abre con la figura de Félix Rodríguez de la Fuente. El naturalista y divulgador español, fallecido trágicamente en 1980, fue uno de los grandes valedores (y posiblemente también el salvador) del lobo en nuestro país, al conseguir que se impulsaran una serie de medidas que contribuyeron a frenar su caza indiscriminada. En mi caso, además, sus programas y vídeos fueron decisivos para despertar mi interés por los animales y la naturaleza, creo que todos los niños de mi generación recuerdan El hombre y la tierra, su sintonía y esa sucesión de imágenes que abrían el programa.

Pero es que el lobo, como dice el autor, siempre ha sido el malo de la película, ¿quizá porque se parece mucho a nosotros? Ya decía Thomas Hobbes que "el hombre es un lobo para el hombre" pero quizá no había observado nunca el comportamiento de la manada como lo ha hecho el autor de este cómic: son solidarios, adaptables, incansables, cuidan de los suyos y, citando al autor: "son unos padrazos".

¿Es realmente el lobo el malo de la película?

¿Es realmente el lobo el malo de la película? La espera no ofrece respuestas cerradas, pero sí invita a replantearse muchas de las ideas que rodean a este superviviente: los intereses políticos, la biodiversidad, la crisis ecológica que tenemos encima —y que, debido al cortoplacismo y la falta de visión de muchos dirigentes, parece difícil de abordar—, la memoria de los territorios o la persistente construcción del lobo como villano. Todo ello contado, además, desde una mirada muy íntima por parte del autor.

El apartado gráfico es, por su parte, un auténtico despliegue de experimentación y variedad. Prácticamente cada página presenta una composición distinta, adaptándose a lo que Mario Trigo quiere transmitir en cada uno de los once capítulos que conforman el cómic.

Como colofón, el libro incluye un epílogo firmado por Marta Tafalla, doctora en Filosofía y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona que, bueno, casi es mejor descubrir por uno mismo.

 

La espera es uno de esos cómics que se leen con calma y que, una vez terminados, siguen viviendo rent free en tu cabeza, al estilo Taniguchi. Mario Trigo construye un relato que combina periodismo, ensayo y experiencia personal para acercarse a la figura del lobo desde múltiples ángulos, sin simplificaciones ni respuestas fáciles. Un debut muy sólido que demuestra hasta qué punto el cómic puede ser también una herramienta poderosa para pensar nuestro entorno, nuestra memoria y nuestra relación con la naturaleza. 

 

Garbuix nos trae las 176 páginas de este cómic en papel offset de calité, tapa blanda con solapas, 19×26 cm y un precio de 24,95€.

La profecía del armadillo, reseña por Jose

«Se denomina "profecía del armadillo" a cualquier previsión optimista basada en elementos subjetivos e irracionales, disfrazados de lógica y objetividad, y destinada a alimentar penas, decepciones y frustraciones por los siglos de los siglos. Amén.»

La profecía del armadillo es la obra debut del historietista italiano Zerocalcare (Michele Rech), que fue publicada originalmente en 2011. El cómic, de carácter autobiográfico como toda su obra, se convirtió rápidamente en un fenómeno cultural (y de ventas) en Europa gracias a la increíble capacidad de Calcare de combinar humor ácido, referencias generacionales y de la cultura popular con reflexiones existenciales sobre las incertidumbres y contradicciones de la vida adulta. 

Básicamente, los adultos somos como niños pequeños que hacemos como que sabemos lo que estamos haciendo pero en realidad, ni puta idea. Zerocalcare nos lo enseña a través de toda su obra.

Una cosa importante: el armadillo representa la conciencia del autor. 

 

Portada del cómic.

 

La historia comienza tras la noticia de la muerte de Camille, el primer amor (platónico) del autor. A partir de ahí, Zerocalcare reflexiona sobre la pérdida, los remordimientos y las oportunidades perdidas, acompañado por su conciencia: el armadillo. Este recurso, tan absurdo como brillante, funciona como catalizador humorístico y filosófico: el armadillo no solo comenta las decisiones del protagonista, sino que encarna sus miedos, contradicciones y mecanismos de evasión. 

Más allá de su tono desenfadado y su ritmo ágil, la obra destaca por su capacidad para mezclar cultura pop, ironía generacional y una sensibilidad sorprendentemente íntima. Zerocalcare retrata con precisión la ansiedad ante el futuro, el peso de las amistades que cambian con el tiempo y la culpa que emerge cuando el pasado irrumpe de forma inesperada. Bajo la capa de chistes y referencias frikis late una reflexión amarga sobre el duelo, la responsabilidad y el paso a la madurez. Es quizá por esta mezcla tan equilibrada y realista que ha conseguido conectar con el sentir de toda una generación y convertirse en su voz.

A solas con la conciencia.

 

Gráficamente ya sabemos como funciona Calcare: un estilo es expresivo y dinámico, con una narrativa visual clara que privilegia el ritmo y la fuerza del diálogo. Muy cinematográfica tanto en su ritmo como en los encuadres. No busca el virtuosismo técnico, sino la eficacia comunicativa, y ahí radica gran parte de su encanto: cada viñeta parece impulsada por la urgencia de contar algo personal y auténtico. 

Tal ha sido el éxito posterior cosechado por el italiano que ya se han producido una película de imagen real y dos series animadas: 

 

- La profecía del armadillo, (2018): Dirigida por Emanuele Scaringi, es una versión de imagen real que sigue a Zero, un joven de 27 años en el barrio periférico de Rebibbia (su barrio), em Roma.

- Series de Netflix: Aunque no llevan el mismo nombre, las exitosas series de animación "Cortar por la línea de puntos" (2021) y "Este mundo no me hará mala persona" (2023) están basadas en el universo y los personajes presentados en este cómic. 

 

La profecía del armadillo no es solo el debut de un autor que 15 años después se ha consolidado como uno de los mejores historietistas de nuestro continente, sino también el espejo de una generación que creció entre promesas incumplidas y trabajos precarios (tema que toca de lleno en Más allá de los escombros, 2018). 

Una lectura tan divertida como incómoda, capaz de hacer reír en una página y dejar un nudo en la garganta en la siguiente. Yo no puedo más que recomendarlo muy fuerte (a pesar de que he descubierto a Calcare como quien dice, hace dos días). Cuando entréis en su universo, no vais a querer salir.

 

Reservoir Books es la editorial que nos trae las obras de Calcare, este volumen, al igual que los demas, en tapa blanda con solapas, 142 páginas en papel offset de calité y un precio de 17,90€ 

Okinawa, el viento habla; reseña por Jose.

Okinawa fue la última gran batalla de la Segunda Guerra Mundial y una de las más sangrientas.

En el verano de 1945, con el conflicto a punto de llegar a su fin, el ejército estadounidense emprendió la toma de esta pequeña isla del archipiélago japonés en una campaña tan estratégica como brutal. Durante casi tres meses, Okinawa se convirtió en un infierno de fuego cruzado, bombardeos constantes y resistencia desesperada. El balance fue estremecedor: alrededor de 250.000 muertos entre civiles y militares, en su mayoría japoneses. Una cifra que revela no solo la magnitud del enfrentamiento, sino el sufrimiento de una población atrapada entre dos ejércitos.

Ahora, Reservoir Books recupera esa memoria en Okinawa, el viento habla, del mangaka Susumu Higa. A través de una serie de historias cortas basadas en testimonios y hechos reales, Higa pone el foco no en la estrategia militar sino en las cicatrices, visibles e invisibles que la batalla dejó en la población local.

Lejos de la épica bélica, la obra se adentra en el dolor cotidiano, en las decisiones imposibles y en el silencio posterior. Porque si algo demuestra este cómic es que, incluso cuando termina la guerra, el viento sigue hablando y recordando.

Portada del manga.

A lo largo de seis relatos devastadores, Higa nos sumerge en el horror de la Segunda Guerra Mundial en el frente del Pacífico, un escenario donde la épica bélica se diluye para dejar paso a la tragedia humana. Aquí no hay bandos heroicos ni discursos grandilocuentes: la guerra es una vasta escala de grises en la que, inevitablemente, la población civil siempre paga el precio más alto.

El maestro Higa no deja títere con cabeza en este compendio (ojo, no confundir con el volumen que publicó Norma el verano pasado). Desfilan ante nosotros soldados norteamericanos que violan y asesinan a mujeres y niñas locales, militares imperiales capaces de ejecutar a sus propios compatriotas o el azote implacable de la malaria, que siega vidas con la misma indiferencia que las balas. La violencia y la muerte no distinguen uniforme ni bandera.
Y, sin embargo, en medio de la barbarie, cada historia guarda un resquicio de humanidad. Un gesto, una mirada, un acto de compasión que resiste al odio. Porque incluso en el infierno, Higa encuentra un rayo de esperanza.

 

 Los horrores de la guerra. 

 

Susumu Higa nació en 1953 en Okinawa y ha dedicado buena parte de su trayectoria a explorar la memoria herida de su tierra natal. Su obra destaca por un enfoque humanista y crítico al abordar la historia reciente de Japón, en especial los episodios vinculados a la Segunda Guerra Mundial y la devastadora Batalla de Okinawa.

Lejos de los relatos épicos o patrióticos, Higa sitúa el foco en la vida cotidiana de la población civil durante el conflicto del Pacífico. Mujeres, niños y ancianos ocupan el centro de unas historias que retratan las consecuencias del militarismo japonés y la posterior ocupación estadounidense desde una perspectiva íntima, dolorosa y honesta. Con un estilo sobrio y depurado, evita el sensacionalismo y apuesta por una narrativa contenida que combina rigor histórico con una mirada compasiva hacia sus personajes.

Debutó profesionalmente a comienzos de los años setenta, vinculado al circuito de revistas alternativas y al manga de autor. Aunque en ocasiones se le ha relacionado con el gekiga por su tono adulto y realista, lo cierto es que su obra posee una identidad propia muy marcada, tanto por su temática como por su sensibilidad.

Higa convierte el cómic en una herramienta de memoria histórica: sus páginas están más cerca del testimonio y del compromiso ético que del entretenimiento bélico al uso. En ese sentido, resulta difícil no establecer un paralelismo con Paco Roca, otro autor que ha sabido utilizar la viñeta como vehículo para preservar la memoria colectiva.

En 2003 recibió el Gran Premio del Festival de Artes Mediáticas de Japón por Kajimunugatai, y su obra ha sido nominada a galardones internacionales de gran prestigio como los Premios Eisner y el Fauve d’Or de Angoulême.

La edición de Reservoir se presenta en tapa blanda con sobrecubierta, 320 páginas con un tamaño de 23,2 x 16,3 cm y un precio de 23,90 €.

Estamos a primeros de marzo, pero mucho tendría que torcerse la cosa el año para que este no termine siendo uno de los cómics imprescindibles de este 2026.

Autores de cómic, reseña por Jose

La revista Autores de Cómic, publicada por los amigos de Isla de Nabumbu, editorial sevillana, que todo hay que decirlo, es una cita imprescindible para quienes siguen el cómic español actual. Ofrece monográficos en profundidad sobre autor@s español@s en activo. Cada número incluye extensas entrevistas de unas 60 páginas e historietas inéditas además de reseñas. Acaba de publicarse el quinto número, dedicado a Javier Rodríguez, en boca de todos (una vez más) por su último trabajo para DC: Absolute Martian Manhunter, publicado en nuestro país por Panini.

Las cuatro entregas anteriores estuvieron dedicadas a Jose Luis Munuera, Teresa Valero, Albert Monteys y Ana Miralles y a estas alturas dudo mucho que podáis conseguirlas todas.

 

 Portada del último número.

 

La revista está más enfocada a la carrera del autor que centrada en novedades recientes. Además, incluye una tebeografía completa de cada autor en un formato de muy alta calidad que convierte cada entrega en un auténtico objeto de colección.

 

Como siempre, el núcleo de Autores de Cómic lo ocupa una entrevista profunda y apasionante con el autor. En cada número, Javier Alcázar (el Editor Malvado) y mi amigo y vecino Pablo Portillo (su secuaz) recorren la carrera del autor de principio a fin, con preguntas sobre su proceso creativo, y momentos clave de su trayectoria. La cerdad es que da gusto leerse una entrevista de 50 o 60 paginazas en estos tiempos que corren de reels de un minuto y opiniones de 30 segundos.

El primer número estuvo dedicado a Munuera.

Esta revista es una auténtica joya para cualquier amante del cómic español: análisis exhaustivos, crítica bien documentada y contenido exclusivo que no encontrarás en ningún otro lugar. Y todo ello con el espectacular diseño de Antonio Moreno, que convierte cada página en un deleite visual, combinando ilustraciones y maquetación con un detalle y un buen gusto que se nota en cada página

Si quieres conocer en profundidad a los creadores que están marcando el rumbo del cómic español, Autores de Cómic es una lectura imprescindible. Un proyecto así merece todo el éxito del mundo… y esperamos que siga creciendo durante muchos años.

La aventuras del Editor Malvado dibujadas por su secuaz y también historietista Pablo Portillo AKA Pablo Tiralíneas.

100% Marvel HC Predator 3: La última cacería, reseña por Jose

Predator Vol. 3: La última cacería pone el broche final a la trilogía protagonizada por Theta Berwick. Cuando era niña, Berwick presenció cómo un Predator asesinó a sus padres y desde entonces, ha recorrido la galaxia, planeta tras planeta, siguiendo el rastro de estas letales criaturas decidida a saldar su deuda de sangre.

Panini Cómics recopila en Predator 3: La última cacería los cuatro números de la miniserie original Predator: The Last Hunt, cerrando así una etapa dentro del universo del ya mítico cazador interestelar. Cuando escribo estas líneas han aparecido varias miniseries más en EEUU Predator: Black, White & Blood, Predator: Badlands, Predator: Bloodshed amén de los enfrentamientos con algunos de los personajes del Universo Marvel que poco a poco irán apareciendo en nuestro país.

Portada del tomo recopilatorio de Panini.

Más allá del festival de guiños a la franquicia cinematográfica, regalo para los Yautja-fans, y del rescate del hermano de Dutch (el personaje inmortalizado por Arnold Schwarzenegger en Predator), recuperado de aquellas míticas miniseries de Dark Horse Comics, el ¿cierre? de la historia de Theta cumple.
Ed Brisson pisa el acelerador y lleva a Theta y Paolo hasta un planeta letal donde todo está en juego. Allí se encuentran con un grupo de supervivientes, formando una alianza que desemboca en un clímax brutal frente a un superdepredador. Más grande, más salvaje y más implacable.

El resultado: un final cargado de acción, espectáculo y palomitas, que abraza sin complejos la violencia desatada que los fans esperan de la saga. La cantidad de decapitaciones, destripes, desmembramientos está tan a la altura como los litros de sangre y vísceras desparramados en las últimas páginas de la miniserie.

Molonidad.

Como suelo decir: tebeos que no te van a ganar un Eisner pero con los que echas una tarde estupenda y cuando acabas, ¿por qué no? te pones la peli de Chuache y  acabas la velada por todo lo alto. 

En el apartado artístico, Francesco Manna cumple con solvencia. Su narrativa es clara, dinámica y especialmente efectiva en las escenas de acción, donde la brutalidad y el ritmo se trasladan con contundencia a la página. El conjunto mantiene solidez y coherencia visual a lo largo de toda la miniserie.

Pero mi crítica viene precisamente por el apartado gráfico: Predator es una de esas series  que se beneficiarían enormemente de contar con algún artista con un perfil más alto, de mayor calidad o más espectacular. Quizá sea solo cuestión de tiempo que la franquicia dé ese salto visual. Crucemos los dedos.

La edición de Panini es en cartoné para las 112 páginas de esta última mini y un precio de 21€.

No hay que tomar a los imbéciles por gente, reseña por Jose

Norma Editorial nos trae No hay que tomar a los imbéciles por gente, un título que bien podría convertirse en lema existencial para más de uno (yo el primero). En esta afilada sátira, Emmanuel Reuzé y Nicolas Rouhaud ponen el foco en lo cotidiano para desmontarlo sin piedad: el cinismo social, la estupidez estructural y los engranajes de un sistema capitalista tan absurdo como cruel; salvo, claro, si ocupas la cima de su particular cadena alimenticia.

Con un humor incómodo, ácido y deliberadamente provocador, los autores disparan contra la sociedad de consumo y la complacencia de los gobiernos contemporáneos. El resultado es una lectura tan mordaz como reveladora, capaz de arrancar carcajadas que se congelan a medio camino. Y ojito al parche porque este no es un cómic apto para pieles finas ni para quienes prefieren no mirarse en ciertos espejos.

Portada del cómic.

Publicadas originalmente en Fluide Glacial, la ya mítica revista francesa que disecciona la actualidad con bisturí y mala leche, las historietas de Reuzé y Rouhaud no dejan títere con cabeza. Disparan en todas direcciones y contra todos los estamentos: desde el currito mileurista que se autopercibe clase alta hasta la sanidad pública; desde la Iglesia y sus escándalos de pederastia hasta el CEO blindado en su torre de cristal. Aquí no se salva absolutamente nadie.

Eso sí, conviene administrar sus 109 páginas con cierta mesura. Leídas de una sentada, el impacto se diluye: no todas las tiras alcanzan el mismo nivel de brillantez y el factor sorpresa termina por desgastarse. Mi recomendación es clara: consumirlas en pequeñas dosis, como el anís en Navidad. Así cada golpe satírico entra mejor y la carcajada, incómoda, pero inevitable, se disfruta mucho más.

Recordando a Ramón María del Valle-Inclán y su imprescindible Luces de Bohemia, este cómic funciona como esos espejos cóncavos del Callejón del Gato: superficies deformantes que no inventan la monstruosidad, sino que la revelan. La realidad que retratan Reuzé y Rouhaud ya es grotesca de por sí, pero al pasar por el filtro de su humor ácido se vuelve todavía más descarnada, más ridícula y, paradójicamente, más reconocible.

Como en el esperpento valleinclanesco, la deformación no es un capricho estético, sino una herramienta crítica. Al exagerar lo miserable, lo hipócrita y lo absurdo de nuestras dinámicas sociales, el cómic nos obliga a mirar de frente aquello que preferimos contemplar de reojo. Nos reímos, sí, pero la risa tiene algo de mueca incómoda: sabemos que en esa caricatura hay demasiado de verdad.

La edición de Norma es en cartoné para sus 112 páginas en papel satinado y un precio de 28€.

El nombre de la rosa, reseña por Jose.

«Cuando tengo ganas de relajarme leo un ensayo de Engels; si en cambio quiero mantenerme ocupado, leo a Corto Maltés». Con esta magnífica ironía, Umberto Eco tendía un puente entre la alta cultura y la narrativa gráfica, reivindicando el cómic como territorio de inteligencia y aventura. No es casual que esa cita abra la adaptación a viñetas de su novela más célebre: El nombre de la rosa.

El responsable de trasladar este thriller medieval al lenguaje del noveno arte es Milo Manara, maestro del cómic erótico y compatriota de Eco, que aquí demuestra una vez más la amplitud de su registro. Lejos de limitarse a ilustrar el texto, Manara lo interpreta: convierte la abadía en un escenario casi táctil, bañado por luces, sombras y bruma que refuerzan la intriga teológica y criminal que vertebra la historia.

El segundo, y último, volumen de esta adaptación acaba de llegar a librerías de la mano de Lumen. El resultado no es solo una versión ilustrada, sino una relectura que invita tanto a los lectores veteranos de la novela como a nuevos públicos a perderse, una vez más, en sus laberínticos pasillos cargados de secretos.

 

Portada del primer volumen.

 

El nombre de la rosa, una de las novelas más célebres de Umberto Eco, se publicó en 1980 y se convirtió de inmediato en un fenómeno literario internacional. La acción nos traslada a 1327, a una abadía benedictina del norte de Italia, donde el fraile franciscano Guillermo de Baskerville y su joven discípulo Adso de Melk acuden para participar en un cónclave teológico.

Pero lo que comienza como un debate sobre la pobreza de Cristo pronto se transforma en una investigación criminal. El abad encomienda a Guillermo esclarecer una serie de misteriosas muertes de monjes. Todas parecen conducir a un mismo epicentro: la enigmática y laberíntica biblioteca del monasterio, auténtico corazón simbólico del relato, donde el conocimiento es poder pero también peligro.

Eco construye así mucho más que un thriller medieval. La novela despliega un denso entramado de ideas: la tensión entre razón y fe, el control y la censura del saber, la sombra de la Inquisición, la corrupción eclesiástica, el lugar del humor y la risa dentro de la religión, la naturaleza contradictoria del ser humano, la tentación y el deseo. 

Bajo la estructura de un relato detectivesco late una profunda reflexión sobre la cultura, el saber y sus mecanismos de control.

En 1986, el director francés Jean-Jacques Annaud llevó la obra al cine con una adaptación ambiciosa y visualmente deslumbrante. La película destacó por su impresionante ambientación y por la solidez de su reparto, y recibió numerosos reconocimientos del cine europeo.

Sean Connery encarnó a Guillermo; Christian Slater dio vida al joven e impresionable Adso; y el elenco se completó con intérpretes de la talla de F. Murray Abraham o Ron Perlman, que aportaron intensidad y presencia a este oscuro fresco medieval.

Connery y Slater como Baskerville y Melk.

La adaptación que firma Milo Manara es, sencillamente, exquisita. A sus más de ochenta primaveras, el maestro demuestra que quien tuvo, retuvo. Cada viñeta está trabajada con un mimo admirable, rebosante de detalles y profundamente fiel al espíritu, que no solo a la letra, de la novela.Se nota además, la solvencia de un autor curtido en el cómic histórico. Ahí están sus celebrados trabajos en Los Borgia o Caravaggio, donde ya había demostrado su capacidad para recrear épocas pasadas con rigor, sensualidad y una increíble atmósfera visual. En esta ocasión no solo no defrauda, sino que reafirma su maestría en la ambientación y en la construcción de personajes. Quiero destacar el uso de Maron Brando como modelo para Guillermo de Baskerville, muy alejado de la imagen que teníamos quienes habíamos visto a Baskerville encarnado por Sean Connery en el filme de Annaud.

Mención aparte merece el color, que vuelve a estar en manos de su hija, como ya ocurriera en Caravaggio, aportando una paleta que acentúa los claroscuros, la densidad del misterio y la textura casi táctil de los espacios monásticos. Más que digna sucesora de su padre. El resultado es una obra que combina experiencia, sensibilidad y una factura artística de altísimo nivel.

Nuestro protagonistas en su versión comiquera.

En definitiva, estamos ante una adaptación fantástica, de esas que uno coloca con orgullo en la estantería junto a la novela original de Umberto Eco y, en mi caso, junto a mi ya veterano DVD de El nombre de la rosa (sí, DVD; soy un señor mayor). Y subrayo la palabra adaptación: igual que ocurría con la película, aquí se pierden matices, pasajes o diálogos, pero se ganan otros hallazgos, especialmente en el terreno visual y atmosférico. Ese es, precisamente, el encanto del trasvase entre lenguajes: cada medio ilumina la historia desde un ángulo distinto.

La edición de Lumen se presenta en dos volúmenes en tapa dura de 72 páginas cada uno. El papel offset de calidad, con un tono ligeramente amarillento, aporta un aire añejo que encaja a la perfección con la ambientación medieval de la obra, como si sostuviéramos un libro antiguo rescatado de la biblioteca de la abadía.

Además, la edición incluye material extra: bocetos, estudios de personajes y diseños de localizaciones que permiten asomarse al proceso creativo y apreciar aún más el trabajo artístico. Cada volumen tiene un precio de 21,90 €, un precio más que razonable para una obra que combina literatura, historia y cómic con un nivel de acabado (tanto el contenido como el formato) de sobresaliente.

Ultimate Spider-man. Matrimonio con hijos, reseña por Jose.

Estamos de enhorabuena: Panini Comics arranca la publicación de Ultimate Spider-Man en formato Premiere. Apenas recién concluida su edición en grapa, y ya señalada como una de las mejores etapas recientes del trepamuros, este primer arco, concebido como carta de presentación del personaje en este nuevo universo, me ha conquistado por completo.

El tándem formado por Jonathan Hickman y Marco Checchetto construye algo distinto sin traicionar la esencia. Aquí nos encontramos con un Spider-Man que no es el adolescente eternamente castigado por la suerte Parker (coña incluida en el quinto número), sino un Peter Parker de treinta y tantos, casado con una Mary Jane Watson espectacular, probablemente la versión más carismática y hot que hemos visto en años, y padre de dos hijos.

¿Un Peter adulto, con responsabilidades reales, matrimonio estable y familia? (¡Y barba, ojo!) Estoy dentrísimo. Porque esta premisa no solo refresca el mito, sino que lo hace crecer con sus lectores. Hickman apuesta por la madurez emocional y Checchetto lo envuelve todo con un apartado gráfico, a falta de otro palabra mejor, espectacular. Si este arranque es solo el principio, estamos ante algo muy grande.

                                                 Portada del Premiere del Panini.

Pero, ¿qué es exactamente este nuevo Universo Ultimate? La premisa es tan sencilla como potente: Hacedor, el Reed Richards del antiguo universo Ultimate, ha viajado al pasado para reescribir la historia a su antojo y asegurarse de que ningún superhéroe llegue a convertirse en superhéroe. Sin figuras que puedan oponérsele, su dominio es absoluto.

Las consecuencias son devastadoras y fascinantes a partes iguales. En esta realidad, Spider-Man nunca fue picado por la araña; Peter Parker es un hombre corriente. El tío Ben sigue vivo y trabaja en el Daily Bugle, mientras que la tía May murió en un atentado que también acabó con Norman Osborn, un ataque atribuido públicamente a Tony Stark.

Pero la verdad es mucho más compleja. Peter recibe un misterioso paquete que, al activarse el mecanismo que contiene, proyecta la imagen de Stark enfundado en la armadura de Iron Man. En ese mensaje grabado, Stark le revela la manipulación temporal del Hacedor y le entrega una probeta con una araña modificada: la oportunidad de recuperar la vida y el destino que le fueron arrebatados antes incluso de empezar.

La decisión recae sobre Peter. Y aunque todos sabemos cuál tomará, el peso dramático del momento sigue intacto. Porque aquí no se trata solo de ganar poderes, sino de aceptar una responsabilidad en un mundo diseñado para que los héroes jamás existan. Además, el reloj corre: en unos meses, Tony Stark abandonará el limbo en el que permanece oculto, con la esperanza de reunir a una nueva generación de héroes “despertados” para enfrentarse al Hacedor y a sus aliados, que gobiernan el mundo en la sombra.

 

¡Oh yeah!

 

Pues sí: esta serie pinta fenomenal. ¿La mejor que estaba publicando Marvel en ese momento? Muchos lectores lo aseguran. Yo me he subido ahora al carro y, sin ser un fan acérrimo del trepamuros como nuestro directorísimo, tengo que reconocer que me ha atrapado desde el minuto uno. La premisa es potentísima, pero lo mejor es cómo se ejecuta: tenemos a un Spider-Man perfectamente reconocible, rodeado de secundarios y escenarios “de toda la vida”… aunque con un giro lo bastante inteligente como para que todo parezca nuevo.

A Jonathan Hickman se le ha criticado muchas veces por priorizar la gran trama sobre los personajes (basta releer su etapa en los Los Cuatro Fantásticos para desmontar ese tópico), pero aquí demuestra un equilibrio ejemplar. Hay high concept, sí, pero también corazón, relaciones y conflictos humanos. Y eso, en una serie de superhéroes, marca la diferencia.

El otro pilar fundamental es Marco Checchetto. El artista veneciano, con quien ya alucinamos en su etapa en Daredevil, eleva la colección a otro nivel. Su diseño de personajes, la fluidez de la acción y la claridad narrativa son sobresalientes. Y si a eso le sumamos el color de Matt Wilson, el resultado es un tándem visual de auténtico lujo. Tanto es así que el único “pero” del tomo son los dos números dibujados por David Messina que, sin estar en absoluto mal, inevitablemente palidecen frente al listón altísimo que deja Checchetto.

En resumen: pijameo de calité, puro cómic palomitero, de ese que te reconcilia con el género y te recuerda por qué te enamoraste de los tebeos de superhéroes. Y con el plus añadido de ese Peter madurito, casado y con hijos: un Parker más cercano y tan real como la vida misma.
En cuanto a la edición, aplauso para Panini Comics. El formato Premiere me parece ideal, me encanta y no me escondo: tapa blanda, seis números y extras por 16,50 €. Una opción muy competitiva y perfecta en este contexto de tapaduritis para disfrutar de una de las series del momento en un formato cómodo, atractivo y barato.