Penélope, reseña por Jose

"Una de cada cuatro personas acabará teniendo un problema de salud mental. Los trastornos mentales se han erigido como una realidad incómoda que afecta a más de mil millones de personas en el mundo. El estigma que rodea a las personas con estos trastornos aún es palpable en la sociedad. De ahí la necesidad de tener mayor información acerca de estos trastornos".

A finales del pasado 2025 y Verkami mediante, llegaba a nuestras librerías Penélope, proyecto en solitario del historietista catalán Abel Carrasco que publicaron los amigos de Maldragón.

Penélope es un cómic muy personal y con tintes autobiográficos en el que Abel Carrasco aborda el tema de la salud mental desde una perspectiva íntima y fantástica. La obra sigue a Penélope, una cantante de rock que es ingresada en un hospital tras sufrir un brote psicótico propiciado por el abuso del alcohol, las drogas y la falta de sueño después de pasar por una experiencia traumática. A partir de ese momento, el relato se convierte en una ordalía por los límites de la conciencia y el inconsciente donde la protagonista se enfrentará tanto a su realidad cotidiana como a un complejo y fragmentado universo interior poblado por símbolos, miedos y representaciones de su propia psique. 

 

 

Portada del cómic.

 

La temática central del cómic gira en torno a los trastornos mentales, el sufrimiento psicológico y la búsqueda de la identidad y el equilibrio mental. Sin embargo, Carrasco no plantea la enfermedad desde un enfoque puramente clínico sino que, en lugar de ello, construye una alegoría de fantasía oscura en la que los conflictos emocionales adquieren forma física y narrativa. La fantasía heroica, los personajes simbólicos y los mundos paralelos funcionan como metáforas del diálogo y la lucha internos que mantienen quienes atraviesan episodios de fragilidad mental. La obra también reflexiona sobre la vulnerabilidad, la percepción de la realidad y la dificultad de distinguir entre lo real y lo imaginario.

 

Al dejar clara desde un principio la intención de este cómic, resulta mucho más accesible para el público general, las metáforas están ahí, visibles y claras: fobia, deseo o los paladines ilustran de manera clara y sencilla esta enfermedad y cómo enfrentarla. Pero la historia no transcurre exclusivamente en este mundo fantástico (que es la mente de nuestra protagonista), también somos partícipes de cómo se ve desde fuera la lucha interior de Penélope y esas armas (extra) que son su familia, amigos y profesionales médicos que la tratan y sin quienes sería muy difícil, por no decir imposible, salir de ese agujero.

 

Cuando los monstruos están en el interior.

 

En el apartado gráfico, Penélope destaca por su gran fuerza visual. Carrasco combina una estética cercana a la fantasía épica con una puesta en escena oscura y muy emocional. Sus personajes son expresivos y está muy bien definidos. El dibujo favorece la inmersión en el estado psicológico de la protagonista, alternando momentos de acción increíbles: las secuencias de combate en el mundo onírico son puro espectáculo y traducen visualmente los conflictos internos de la protagonista, con escenas más introspectivas cargadas de atmósfera y serenidad. La influencia de la ilustración fantástica está ahí y se percibe tanto en la composición de las páginas como en la construcción de criaturas y escenarios que representan emociones y conflictos internos. Ya pudimos ver una buena muestra de ello en, por ejemplo, Ojos de tormenta, también publicada por Maldragón como un Spin off de Monstruos Ibéricos.

 

Abel Carrasco es un experimentado ilustrador e historietista:  formado en escuela La Joso de Sabadell, ha trabajado para el mercado español y francobelga fue el ilustrador oficial del Festival de Cine de Terror de Sabadell durante años y recientemente ha publicado Eonn, Ojos de tormenta y este mismo Penélope con la editorial Maldragón.

 

Penélope es una obra honesta, didáctica y tremendamente disfrutable. Abel Carrasco nos hace partícipes de su propia experiencia personal al haber sufrido un brote psicótico años atrás. La mezcla de fantasía y salud mental me resulta realmente efectiva: evita caer en el didactismo puro y apuesta por transmitir sus propias sensaciones y vivencias.

 

La edición de Maldragón es en cartoné con un tamaño de 29,5 x 22,5 cm (un tamaño que hace que el apartado gráfico luzca increíble), papel semisatinado y 168 páginas con extras con un precio de 26€.

Outline, reseña por Jose

Outline, de Michèle Fischels y recién publicado por los amigos de Reservoir Books, es un  cómic de iniciación que retrata con gran sensibilidad (y acierto) el último año de instituto de tres amigos Ben, Clara y Andreas, en el periodo previo al examen de acceso universitario en Alemania. A través de sus relaciones afectivas, sus amistades y sus incertidumbres sobre el futuro, la obra aborda ese momento en el que la adolescencia empieza a quedar atrás mientras la vida adulta aún no ha tomado forma y llega, por primera vez en la vida, la pregunta: ¿y ahora qué?

Portada de la edición de Reservoir Books.

La autora centra su atención en los sentimientos de incertidumbre que acompañan el final de una etapa vital pero más que contar grandes acontecimientos, Outline se interesa por las pequeños roces que surgen entre amigos y parejas: la relación entre la relación de amistad entre Ben y Andreas y el deterioro que sufre al empezar a salir juntos Ben y Clara, los deseos que permanecen sin expresar (no hago spoilers) y por el miedo a un futuro lleno de posibilidades, de responsabilidades y también, de inevitables despedidas. El resultado es un retrato generacional que logra ser muy específico y, al mismo tiempo, totalmente universal. 

Uno de los grandes aciertos del cómic es su enfoque narrativo: Fischels evita explicaciones directas y prescinde casi por completo de una voz narradora. La historia se construye a través conversaciones cotidianas, silencios, gestos y miradas (me encanta esa escena casi al final entre Ben y Andreas). Esta estrategia permite que los conflictos emocionales aparezcan de forma natural y creíble, alejándose del melodrama habituale en muchas historias juveniles sobre el paso a la madurez. 

Ben y Andreas.

En el apartado gráfico, Fischels apuesta por un dibujo aparentemente sencillo pero elegante y suelto, muy fluido y con una composición muy cuidada de las páginas y una gran capacidad para transmitir atmósferas. Los espacios abiertos, los juegos de luz y una paleta cromática contenida (que cambia según la estación del año) contribuyen a reforzar la sensación de transición e indefinición que experimentan los protagonistas. El estilo visual evita el exceso de detalle para centrarse en las emociones ( es un dibujo muy expresivo) y en el ritmo de las escenas.

A mí personalmente, el estilo de Fischels me ha recordado a Tillie Walden pero con un trazo un poqiuto más suelto en la línea de Sebastian Vivès. Muy contemporáneo y muy indie.

 

Por terminar: Outline es un estupendo cómic de iniciación que abraza las dudas (y el aprender a vivir con ellas) más que las certezas; un debut comiquero por parte de la autora (ganadora del Luchs-Jahres-Preis2024) lleno de emotividad, con una gran narrativa y que trata con honestidad, delicadeza y mucho savoir faire esta etapa tan compleja en la vida y tan llena de inseguridades como es el tránsito a la madurez.

¡Wasabi: picante hasta el final! 

La edición española de Outline publicada por Reservoir Books sigue la línea habitual de la colección Reservoir Gráfica: rústica con solapas, 208 páginas a color con un tamaño de 21,9 x 16,8 cm y un precio de 21,90 €. La traducción corre a cargo de Esther Cruz Santaella.  

El batir de sus alas, reseña por Jose

El batir de sus alas, cuyo título original es Habataki -Ein Märchen- es un manga autoconclusivo recién publicado por los amigos de Moztros, de la autora japonesa Ikuko Hatoyama que combina fantasía, surrealismo y drama juvenil en esta adaptación del relato original del conocido novelista nipón Tatsuo Hori. La historia sigue a Gigi, un joven fascinado por Zigomar, un famoso ladrón de ficción, que decide transformarse en un palomo ladrón para alterar la tranquilidad de un pequeño pueblo. Lo que comienza como un juego de identidad y travesura acaba derivando en una narración bastante más compleja, donde la frontera entre la representación teatral (en la que se verá atrapado nuestro protagonista), la fantasía y la realidad se vuelve cada vez más difícil de discernir.

Portada de la edición de Moztros.

Uno de los mayores atractivos de la obra es la forma en que aborda temas como la construcción de la identidad, la búsqueda de la libertad y la tensión entre el individuo y el papel que la sociedad espera que desempeñe. Gigi actúa como un personaje que intenta reinventarse a sí mismo, pero su transformación también lo enfrenta a las consecuencias de sus actos y a la imposibilidad de escapar de su propia naturaleza. La obra explora también la nostalgia, el deseo de evasión y la fragilidad de los sueños, todo ello envuelto en un tono de fábula melancólica y simbolismo donde los silencios dicen tanto o más que los propios diálogos de los personajes.

La búsqueda de la identidad y la libertad, los dos grandes temas de la obra.

Como decía al principio, este manga adapta un relato del escritor japonés Tatsuo Hori, autor destacado de la literatura japonesa contemporánea. Hori es conocido por su sensibilidad poética y por su interés en la belleza, la memoria y la melancolía. 

Hatoyama no se limita a trasladar la historia al formato manga, la reinterpreta mediante un lenguaje visual muy personal, respetando el espíritu literario original mientras introduce elementos simbólicos y una atmósfera aún más onírica. 

 

En el apartado artístico, El batir de sus alas destaca por un dibujo delicado y expresivo. Hatoyama emplea trazos finos, composiciones cuidadas y una puesta en escena que recuerda (a veces) a una representación teatral. Sus características palomas acaban siendo una herramienta para reforzar el tono alegórico de la narración (John Woo aprueba este manga). Los espacios abiertos, los silencios y el ritmo pausado contribuyen a crear una atmósfera contemplativa que invita a la reflexión y la introspección más que a la acción, aunque haya acción de sobra también. Cada página parece construida para transmitir emociones y sugerir, no para explicar.

 

En definitiva una obra cuyo atractivo reside en la ambigüedad, el simbolismo y la capacidad de generar interpretaciones. Es un manga que exige implicación por parte del lector, algo que siempre es de agradecer, y que recompensa esa atención con belleza visual y una sensación de extrañeza poética que se queda contigo tiempo después de terminar la lectura. Una obra muy evocadora.

 

La edición de Moztros es sencilla pero muy cuidada: encuadernación rústica y sobrecubierta manteniendo el sentido de lectura oriental. La edición incluye 212 páginas en blanco y negro más 2 páginas a color con un tamaño de 13 x 18 cm y un precio, ojo, de 10,95€.

 

 

Tierra o luna, parte 1; reseña por Jose

Tierra o Luna, de la historietista francesa Jade Khoo, recién publicado por en nuestro país por Astiberri, es un cómic que combina relato de iniciación, drama familiar, ciencia ficción, thriller y reflexión ecológica en una historia delicada y ambiciosa. Concebida como la primera parte de un díptico, la obra nos introduce en un mundo que, aunque fantástico, refleja muchas de las preocupaciones sociales contemporáneas relacionadas con la familia, la identidad, la pertenencia, la inmigración, y la relación del ser humano con su entorno, un tema que suele estar presente en gran cantidad de obras de ciencia ficción desde las más clásicas hasta las más modernas. Desde sus primeras páginas, la autora demuestra una increíble capacidad para construir una atmósfera envolvente (tremendo prólogo cuyo final no te ves venir) que te invita a perderte en un universo tan bello como inquietante gracias a ese toque de realismo mágico que la autora le ha dado a la historia.

Portada del cómic.

La historia sigue a Otelo, un joven marcado por un suceso traumático de su infancia que le atañe directamente. Tras pasar años en un centro de acogida, regresa a su entorno durante unas vacaciones de verano y comienza unas prácticas en una asociación ornitológica invitado por sus amigos de la infancia. Lo que inicialmente parece un relato costumbrista sobre la amistad, el crecimiento personal, la adolescencia y la observación de aves va revelando poco a poco una dimensión mucho más amplia: Otelo no vive en La Tierra, La Tierra se ha convertido en un planeta prácticamente inhabitable degradado por la contaminación y la sobreexplotación. A partir de esta premisa, Khoo explora cuestiones como la desigualdad social, la memoria familiar, las migraciones, el colapso ecológico y la relación del ser humano con el entorno, además, Otelo empieza a investigar sobre su familia y sus orígenes, una investigación llena de revelaciones sorprendentes. 

Esta mezcla de ciencia ficción, ecologismo, relato de iniciación, drama familiar e investigación, hacen que esta historia sea una obra de lo más ambiciosa. 

Cada página de Jade Khoo es una auténtica maravilla.

 

Y si el guion es ambicioso, el apartado gráfico es sencillamente extraordinario. Jade Khoo trabaja principalmente con acuarelas, algo que se percibe en cada página. Sus colores tienen una luminosidad casi táctil recordándome por momentos a Remington, Maggiori e incluso a Gonzalo Bilbao: los verdes de los prados, los cielos abiertos, los atardeceres, los bosques y las criaturas que pueblan este mundo transmiten una sensación constante de asombro. Su línea es delicada, pero precisa, capaz de alternar escenas íntimas con panorámicas espectaculares. La autora combina influencias de la bande dessinée francobelga (ojo a esos homenajes a Moebius) la ilustración contemporánea y ciertos recursos visuales del manga y la animación japonesa (Miyazaki está presente casi en cada página) sin que ninguna de esas referencias llegue a imponerse sobre su propia personalidad artística. El resultado es una obra visualmente exuberante.

 

 El gigante de la luna.

 

Lo cierto es que Tierra o luna me parece una de las propuestas de ciencia ficción más interesantes aparecidas recientemente en el ámbito del cómic europeo. No destaca solo por la calidad de su dibujo, que ya justificaría su lectura, sino por la manera en que combina un drama íntimo con reflexiones ecológicas y sociales de gran alcance y que nos afectan y much a día de hoy. Tiene la sensibilidad de los mejores relatos de formación, la imaginación visual de la gran fantasía contemporánea y recoge el testigo de la ciencia ficción más clásica.
Si tuviera que ponerle una pega, es que la obra esté dividida en dos volúmenes ya que al terminar la lectura del primero (y son casi 300 páginas) hubiera empezado el segundo inmediatamente. Esperemos que la segunda entrega no tarde mucho en aparecer.

 

 Homenaje al Arzak de Moebius.

 

La edición de Tierra o luna que ha publicado Astiberri Ediciones está claramente planteada como una edición de lujo, muy adecuada para lucir el trabajo gráfico de Jade Khoo.

Se trata de un volumen en cartoné, con 296 páginas a color y un formato grande de 22 × 29 cm, bastante grandote. Ese aumento de tamaño se agradece especialmente porque las acuarelas de Khoo son uno de los grandes atractivos de la obra y ganan mucho espacio para lucir bien. Precio: 39€.

Además, Astiberri la ha incluido en su colección Sillón Orejero, una línea editorial donde suelen aparecer obras especialmente cuidadas en cuanto a presentación y acabado. La traducción corre a cargo de Rubén Lardín, un nombre habitual y solvente dentro de la traducción de cómic.

Viejas promesas, reseña por Jose

El pasado mes de abril, los amigos de Dolmen Editorial recuperaban para las librerías Viejas promesas, un cómic divertido y entrañable que combina fútbol, humor y nostalgia generacional. Oro puro para quienes crecimos viendo El día después en Canal +. 

La obra está escrita por Álvaro Velasco e Iñaki San Román, responsables del podcast futbolero Paquetes, en el que reivindican con humor (y también con cariño) a esos jugadores, equipos y momentos que quedaron al margen de los grandes relatos del fútbol. Con ilustraciones de Pedro Rodríguez, Viejas promesas construye una historia cargada de referencias futbolísticas, amistad y recuerdos de juventud, un cómic que conquistó a crítica y público y que fue galardonado con el premio al Libro del Año otorgado por la prestigiosa revista Panenka.

 

Portada del cómic.

 

La historia sigue a Beni Castanera, un representante de futbolistas de los de antes, de los de empeñar su palabra y darlo todo por su representado.  En los 90, a punto de alcanzar el éxito al descubrir a Rafael "Fali" Fernández, una joven promesa del deporte, una grave lesión trunca la carrera del jugador junto con los sueños de gloria de Beni. Años después, Beni sigue anclado en el pasado, sobreviviendo como puede, hasta que surge una nueva oportunidad de redención. Por el camino, ha perdido a su familia y la oportunidad de ser uno de los grandes pero, "un representante tiene que hacer sacrificios". Beni no es solo un representante venido a menos; es la encarnación de todos aquellos que un día estuvieron convencidos de que les esperaba algo grande y acabaron descubriendo que la vida tenía otros planes (os suena la ¿Generación X?).

 

Esta obra utiliza el fútbol para hablar de la vida, es una tragicomedia cargada de humor, melancolía y humanidad que encuentra en el universo futbolístico un escenario perfecto para reflexionar sobre los sueños incumplidos, el paso del tiempo y la búsqueda de una segunda oportunidad. La presencia de Álvaro Velasco e Iñaki San Román transpira (pun intended) en cada página: esa mirada romántica hacia los perdedores entrañables constituye el corazón de Viejas promesas. Igual que en su anterior libro, El álbum de Paquetes, los autores demuestran que sienten tanta fascinación por las grandes estrellas como por quienes se quedaron a las puertas de la gloria. 

 

La historia se apoya además en un contexto futbolístico muy reconocible para quienes crecieron (como quien escribe estas líneas) en la España de los años noventa. Aquella era una época previa a la hiperprofesionalización actual, a las redes sociales y las camisetas de tu equipo a 150 euros, este tebeo se ambienta en una época en la que todavía existían representantes pintorescos, presidentes excéntricos, futbolistas que fumaban en el descanso, promesas que aparecían en los suplementos deportivos antes de desaparecer sin dejar rastro y clubes donde la improvisación era casi una forma de vida: Clemente, Mendoza, Lopera, el Súperdepor... este cómic captura ese ecosistema de campos embarrados, torneos juveniles, coches de segunda mano y conversaciones de bar en las que siempre parecía esconderse el próximo fenómeno del fútbol español. La nostalgia que desprende la obra no nace de la idealización, sino del reconocimiento de un fútbol que ya no existe. 

Grande Beni.

 

Uno de los grandes aciertos del cómic es su equilibrio. Velasco y San Román dominan el humor gracias a su experiencia como guionistas y podcasters, pero saben evitar que los chistes resten profundidad a los personajes. Las situaciones cómicas surgen de forma natural: a través de diálogos ágiles y de personajes secundarios sacados de la fauna más peculiar del fútbol español. Sin embargo, bajo esa superficie divertida se esconde una reflexión bastante amarga sobre el fracaso, la frustración y la dificultad de aceptar que el tiempo pasa para todos. 

 

En el apartado gráfico, Pedro Rodríguez resulta fundamental para que la historia funcione. Su dibujo apuesta por la expresividad de los personajes y por una puesta en escena dinámica que transmite perfectamente el ritmo de la narración. Rodríguez entiende que el fútbol no es únicamente lo que ocurre sobre el césped; también son las oficinas, las cafeterías, los viajes por carretera y los vestuarios y eso se nota en las composiciones de página, un auténtico locurón. Su estilo caricaturesco pero humano permite que la obra funcione con naturalidad entre la comedia y el drama. Los escenarios y detalles visuales ayudan además a recrear esa atmósfera noventera que impregna toda la lectura, la capea es algo increíble (realmente es muy creíble, sabemos que esas cosas iban así).

 

Tremenda composición de página y el gran Kiko Narváez.

 

Quizá la mayor virtud de Viejas promesas sea que no exige ser un apasionado del fútbol para disfrutarla pero es cierto que los lectores futboleros la vamos a disfrutar muchísimo más gracias a guiños, personajes y situaciones muy reconocibles, pero, eso sí, la obra funciona sobre todo como una historia universal sobre las expectativas incumplidas. Todos hemos conocido alguna "vieja promesa" que parecía destinada a triunfar y terminó tomando otro camino y los autores han tomado ese concepto y se han marcado una obra maravillosa.

 

En definitiva, Viejas promesas es una de las mejores obras recientes surgidas de la mezcla entre cómic y fútbol. Divertida, nostálgica, tierna y melancólica a partes iguales, consigue retratar con enorme cariño y humor una época y un tipo de personajes (sí, personajes) que rara vez ocupan el centro de las historias. Su mezcla de humor, memoria futbolística y emoción la convierten en una lectura muy recomendable tanto para aficionados al deporte rey como para cualquier lector que disfrute de las historias sobre segundas oportunidades. Un estupendo Slice of life futbolero que he disfrutado tremendamente porque, al final, Viejas promesas no habla de fútbol, habla de todos esos sueños que un día parecían inevitables y que la vida se encargó de llevar por otro camino. 

 

La reedición de Viejas promesas por parte de Dolmen Editorial es una edición muy cuidada, el volumen se presenta en tapa dura, un tamaño de 19 x 27 cm, 96 páginas a color y un papel de buen gramaje (ni satinado ni offset) que permite que el trabajo gráfico de Pedro Rodríguez luzca genial a un precio de 22€.

Alpha Flight de Bill Mantlo, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo, quienes crecimos leyendo pijameo a finales de los 80 fuimos a nuestra librería habitual con la cartera entre los dientes a por uno de esos cómics capaces de devolvernos de golpe a la infancia: la reedición de la etapa de Alpha Flight escrita por el gran Bill Mantlo. Muchos volvimos a dar saltitos de alegría al ver cómo regresaba a las estanterías  una serie tan especial como injustamente olvidada durante años. Quienes nos escuchéis con asiduidad ya sabéis que llevamos mucho tiempo reivindicando esa etapa y una reedición de la misma. Don Jose María Panini escuchó nuestras súplicas y ya tenemos el tochamen en nuestras manos.

Porque la etapa de Mantlo no fue solo una colección de aventuras superheroicas; fue una propuesta valiente, imaginativa y diferente para los estándares de la época; capaz de mezclar ciencia ficción, fantasía, drama y humor con una personalidad única dentro del universo Marvel. Para toda una generación de lectores, aquellas historias protagonizadas por el peculiar grupo canadiense forman parte de los recuerdos más queridos de nuestra afición. ¿Estoy siendo imparcial? para nada, pero qué queréis que os diga...

Portada del tochamen de Panini.

A mediados de los ochenta Marvel atravesaba una época de expansión creativa. Series como los X-Men de Claremont, los Cuatro Fantásticos de Byrne o los Nuevos Mutantes exploraban conceptos cada vez más complejos. Mantlo ya se había ganado una reputación como uno de los escritores más imaginativos de la editorial gracias a obras como Micronautas, ROM o Hulk. A finales de 1.985, Byrne decidió que ya había contado todo lo que tenía que contar del supergrupo de su creación, Alpha Flight, y pensó que sería buena idea un cambio de equipos creativos entre su colección y la de Hulk (Mantlo/Mignola) que venía de la gloriosa etapa de La encrucijada y cuyo final aparecería en el número 29 de Alpha Fligh, el primero de Mantlo y que no está incluído en este primer volumen al estarlo en el agotadísimo y objeto de especulación desde hace años Marvel Héroes. El Increíble Hulk: La Encrucijada (a ver si el señor Panini nos lee y decide reeditarlo en algún momento).

Cuando Bill Mantlo asumió los guiones de Alpha Flight, heredó una serie que estaba inevitablemente marcada por la sombra de Byrne, que había convertido a Alpha Flight en una colección muy peculiar dentro de Marvel: más centrada en los personajes que en las aventuras superheroicas convencionales, muy basada en los conflictos personales de sus protagonistas. 
La etapa de Mantlo se extiende desde Alpha Flight #29 hasta el #66, además de varios anuales en una de las etapas más largas de la historia del grupo. Mientras Byrne había construido un cómic relativamente contenido, Mantlo convirtió la serie en un laboratorio de ideas donde coexistían ciencia ficción, fantasía, horror cósmico, mitología indígena y melodrama pijamil. Una gozadera.

Mignola odiaba dibujar superhéroes. Hizo tres número y dejó la colección.

Si hubiera que resumir la etapa de Mantlo en una sola frase, diría que no tenía miedo de cambiar absolutamente nada.

Durante su estancia reorganizó por completo el equipo, alteró radicalmente la vida de varios personajes, introdujo nuevos miembros, transformó las relaciones personales y potenció los componentes fantástico y sobrenatural. Una auténtica telenovela.
Los lectores de la colección estaban divididos entre quienes disfrutábamos cada número y a quienes les parecía un novelón.

 

Heather pasó a asumir progresivamente el liderazgo del grupo. Su evolución hacia Vindicador es probablemente la columna vertebral emocional de toda la etapa, la relación entre Shaman y Talisman adquiere una importancia enorme y profundiza en el conflicto generacional y la magia indígena, Walter Langkowsky, Sasquatch, pasa a ser Wanda Langkownsky en una decisión que fue bastante controvertida en aquella época. Además, los problemas psicológicos de los gemelos (Estrella del norte y Aurora) no dejan de agravarse, veremos el origen de Puck y de la amistad entre Heather, su marido y Lobezno en una pieza más de lo que era el puzzle vital de nuestro querido mutante peludo de garras irrompibles.

No quiero olvidarme de ese epílogo a El regalo, el crossover entre La Patrulla-X y Alpha Flight, que nos contaron Mantlo, Brigman y Portaccio en el número 50 de la colección, número que cierra este primer volumen con un Loki haciendo de las suyas y un cambio de Statu Quo de casi todos los componentes del grupo.

La etapa de Mantlo también nos dejó villanos intereasantes: Pestilencia, las Grandes Bestias, La reina de los sueño o la primera aparición de Dama Mortal, ojo.

 

A pesar de todo (y casualidades del destino), tras pasar a periodicidad bimestral, ya sabíamos que las ventas no andaban bien cuando eso pasaba, la serie acabó junto a la de Hulk en un Marvel two in one a partir del numero 39 de Forum y acabando en la entrega número 61. Para entonces, Bill Mantlo ya había abandonado la colección tras una buena última etapa con Jim Lee en el apartado gráfico y, ojo, el Hulk de Peter David acompañando al supergrupo canadiense en la publicación. 

 

Alpha Flight #33: Dama Mortal por Sal Buscema y Gerry Talaoc.

 

Y es que Alpha Flight no acabó de cuajar entre los lectores de cómics de entonces, ni en EEUU ni en nuestro país, yo devoraba cada entrega a pesar del constante cambio en el apartado gráfico: Mignola, Sal Buscema, Bogdanove, June Brigman y finalmente, un primerizo Jim Lee que le cogió el punto a la serie en apenas tres números a pesar de que se fiaban poco del chaval y le pusieron a Milgron de entintador, por si acaso, en una etapa final de Mantlo bastante interesante que veremos en el siguiente volumen.

 

En general, no creo que la etapa de Mantlo alcance la calidad ni la influencia histórica de la de Byrne, pero me parece una lectura mucho más arriesgada y por qué no decirlo: imaginativa. Tiene sus defectos, claro que sí, sin embargo, tiene una creatividad casi inagotable y una extraña mezcla de superhéroes, fantasía, terror y ciencia ficción (me estoy repitiendo, lo sé) que la hace única dentro de la Marvel de los ochenta con una personalidad muy marcada y un tono muy definido.

 

La ediciónn de SD/Panini es en tapa dura, contiene los números 30 a 50, el Annual #1 y un número de Los vengadores ligado a la trama de Marrina (tremendo drama). 

624 paginazas en papel offset de calité y un precio de 62,95€ 

 

Por poner una pega: la nueva edición que nos trae Panini es de Edición Limitada y ya sabemos lo que eso significa: FOMO y, por desgracia, especulación a los dos días.

Animales domésticos, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo nos llegaba, de la mano de Salamandra Graphic, la nueva obra de la italiana Bianca Bagnarelli: Animales domésticos. En esta nueva obra, la autora transalpina reúne 13 relatos aparecidos en diferentes publicaciones. Estos relatos no están conectados entre sí ni forman un todo, son pequeñas historias independientes que exploran la fragilidad emocional contemporánea: la soledad, los celos o el duelo; sus causas, sus consecuencias y cómo afectan a sus protagonistas.

Portada.

Confieso que tenía muchas ganas de leer esta antología de Bagnarelli, quienes disfrutamos de este formato tenemos difícil encontrar antologías de este tipo en el mundo del noveno arte y lo cierto es que he disfrutado mucho su lectura porque además, su narrativa y su estilo me recuerdan mucho al los de mi adorada Laura Pérez, de quien ya hemos comentado alguna obra suya en este mismo blog: Totem y Nocturnos son dos pedazos de tebeos que nunca nos cansamos de recomendar. 

Lo cierto es que uno de los grandes logros de este cómic  es su capacidad para sugerir y su contención en la narración: silencios, gestos, miradas y juegos de luces; paisajes humanos y paisajes vacíos transmiten esas sensaciones de las que hablaba al principio: soledad, duelo, dolor o extrañeza, pero eso sí, cada historia tiene su propia atmósfera dentro del tono melancólico general de la obra que inunda los 13 relatos. La composición de página, el color o la luz, hacen que cada historia sea única y diferente del resto.

La luz, el color y el michi.

Nacida en Milán en 1988, Bianca Bagnarelli es una de las voces más reconocidas del cómic y la ilustración contemporáneos en Italia junto con mi admirado Zerocalcare o el gran Manuele Fior. En 2010 cofundó la editorial independiente Delebile, dedicada a la publicación de cómics de autores emergentes italianos e internacionales. Su primer libro, Fish, publicado por Nobrow Press, obtuvo la medalla de oro de la Society of Illustrators en la categoría de cómic corto, un reconocimiento que impulsó su carrera internacional.
Paralelamente a su trabajo como historietista, Bagnarelli ha desarrollado una sólida carrera como ilustradora para medios y editoriales de primer nivel. Ha colaborado con The New Yorker, The New York Times, National Geographic, Penguin Random House y numerosas publicaciones culturales y literarias. Su estilo, caracterizado por un dibujo elegante, expresivo y de gran sensibilidad cromática, le ha permitido moverse con naturalidad entre la ilustración editorial y el cómic de autor. 

El color y la composición de página son fundamentales en esta obra.

En definitiva Animales domésticos es una estupenda colección de relatos breves que destaca por su sensibilidad emocional y su excelente apartado gráfico (vamos a poder disfrutar de la evolución de la autora a través de los años). Bianca Bagnarelli apuesta por la sugerencia más que por la explicación, construyendo historias sutiles y a menudo abiertas a la interpretación, cosa que me encanta pero que entiendo que no es del gusto de tod@s l@s lector@s.

Creo que es una obra muy recomendable para lector@s interesados en el cómic de autor contemporáneo (Laura Pérez, Adrián Tomine o Guy Delisle) y en las historias centradas en los matices de las relaciones humanas con una excelente combinación de elegancia visual y profundidad emocional.

La edición de Salamandra Graphic es en rústica con solapas, papel offset de calité para las 224 páginas de la obra, un tamaño de 15.2 x 20.9 cm y un precio de 24,90€

Ulises y Cyrano, reseña por Jose

Este pasado mes de abril, nos llegaba desde Norma Editorial uno de los cómics más premiados en Francia de 2024: Ulises y Cyrano, uno de esos cómics que, al igual que Los buenos veranos son para disfrutarlos, saborearlos y reconciliarte con la vida. Un tebeo maravilloso.

La cocina, el amor por el oficio y la búsqueda de tu identidad son los ingredientes principales de este magnífico cómic firmado por Xavier Dorison, Antoine Cristau y el dibujante Stéphane Servain. Tridente de lujo para este comicazo.

 

Portada del cómic.

 

La historia, ambientada en la Francia de los 50, sigue a Ulises Ducerf, un chaval cuyo futuro está decidido desde su nacimiento: heredar la empresa cementera familiar. Sin embargo, el destino, como suele ser habitual, tiene la mala costumbre de ignorar los planes empresariales de los padres, y un traslado a la localidad de Les Maranges (debido a un escándalo digamos, político, relacionado con su padre y la empresa) pondrá en su camino a Cyrano, un ex chef muy temperamental que estaba destinado a ser el mejor cocinero de Francia: brillante, volcánico y con un carácter capaz de hacer llorar a las cebollas. Lo que comienza como un encuentro casual termina convirtiéndose en una historia de aprendizaje, pasión y descubrimiento personal. 

 

Uno de los grandes temas del cómic es la vocación. Ulises y Cyrano habla de esa lucha entre lo que se espera (esperan) de nosotros y lo que realmente deseamos ser. Ulises representa a cualquiera que haya sentido el peso de una herencia familiar o de unas expectativas ajenas. Cyrano, por su parte, encarna la excelencia, el sacrificio y la idea de que el talento, por sí solo, no sirve de mucho si no se acompaña de trabajo. La relación entre ambos funciona como una especie de mentor y discípulo, aunque en ocasiones parece más una combinación entre maestro zen y sargento de hierro culinario. 

 

Otro de los aspectos más interesantes de Ulises y Cyrano es el papel que juega la cocina dentro de la historia. No aparece simplemente como un escenario o una profesión, sino como un auténtico lenguaje a través del cual los personajes expresan quiénes son. Algo parecido a lo que comentábamos en Sabores únicos, de Ram V y Filipe Andrade. La cocina se convierte en una forma de entender el mundo, una disciplina que exige creatividad, sacrificio, paciencia y una búsqueda constante de la excelencia. Cada plato preparado por Cyrano refleja su personalidad, mientras que para Ulises supone una puerta hacia el descubrimiento de sí mismo y de lo que quiere hacer con su vida. 

Y sí, lo digo claramente y no me escondo: leer Ulises y Cyrano te da hambre. Mucha hambre. No importa si acabas de desayunar, comer o cenar; vas a llegar a esa página y vas a tener que parar de leer y de asaltar la nevera. Uno termina admirando la evolución de los personajes mientras piensa en reservar mesa en un restaurante. 

 

Donde ocurre la magia.

 

La obra también plantea una reflexión sobre qué es el éxito. En un mundo obsesionado con los resultados inmediatos, Ulises y Cyrano reivindica la paciencia, el aprendizaje constante y el orgullo (y la satisfacción, venga va) de hacer bien las cosas. No se trata únicamente de cocinar; se trata de encontrar lo que da sentido a nuestra vida y dedicarle tiempo, esfuerzo, ganas y corazón. Puede sonar solemne, pero este cómic consigue transmitirlo sin caer en discursos grandilocuentes ni en frases de taza de desayuno.

 

Visualmente, Stéphane Servain realiza un trabajo espectacular. Sus páginas transmiten tanto la belleza de los paisajes franceses como la intensidad de las cocinas profesionales y las que no lo son tanto (por momentos me ha venido a la cabeza The Bear) Hay escenas en las que prácticamente se puede oler la mantequilla derritiéndose o escuchar el ruido de los cuchillos sobre la tabla y páginas como la del "bautismo" que son una auténtica barbaridad de composición, expresividad y color.

Xavier Dorison vuelve a demostrar por qué es uno de los guionistas más reputados del cómic europeo. Obras como Undertaker o El castillo de los animales ya habían mostrado su capacidad para combinar entretenimiento y profundidad. Aquí, junto a Antoine Cristau, construye un relato mucho más íntimo y emocional, donde los silencios son tan importantes como los diálogos.

 

En definitiva, Ulises y Cyrano es una de esas lecturas que dejan buen sabor de boca (pun intended) mucho después de cerrar el álbum. Habla de la amistad, del aprendizaje, del orgullo por el trabajo bien hecho y de la necesidad de perseguir aquello que nos hace felices. Un cómic cálido, inteligente, humano y por qué no decirlo: precioso, que demuestra que, a veces, las mejores aventuras no consisten en salvar el mundo, sino en descubrir quién eres realmente. Y, de paso, aprender a preparar un puchero e intentar que te salga mejor que el de tu abuela. Misión Imposible. 

 

La edición de Norma es espectacular con un tamaño de 24,4 x 33,2 cm, tapa dura y un acabado que parece tela, el papel de las 172 páginas es offset de alto gramaje y con un color hueso que le va que ni pintado, además, a mode de extras, varias de las recetas que aparecen en el cómic. Precio: 38€.

El disturbio eterno, reseña por Jose

El disturbio eterno es la última obra de periodismo gráfico del maltés Joe Sacco. Aborda los disturbios religiosos y sociales entre la casta hindú Jat y la comunidad musulmana ocurridos en 2013 en Muzaffarnagar, en el estado indio de Uttar Pradesh. Llegó a las librerías de nuestros país a finales del pasado 2025 de la mano de Reservoir Dogs y acaba de ser elegido cómic del año por las librerías de Madrid. 

Portada del cómic.

El conflicto entre hindúes y musulmanes en la India es una de las tensiones sociopolíticas más complejas del mundo. Sus raíces se remontan a la época colonial y la partición del territorio de 1947 que corrió a cargo del gobierno del Reino Unido (que han estado jodiendo el mundo desde hace siglos y territorio al que han llegado, territorio que han dejado hecho unos zorros: India, Palestina, África...). Un proceso traumático que creó los estados independientes de India y Pakistán (de mayoría musulmana) provocando desplazamientos masivos (se calcula que entre 10 y 15 millones de desplazados), violencia masiva y represalias.

Desde entonces, las relaciones entre ambas comunidades han estado marcadas por: rivalidad política, tensiones identitarias, desigualdades sociales y conflictos territoriales, especialmente en la región de Cachemira, todo ello alentado por discursos políticos y racistas por parte de las autoridades. La violencia desatada en Muzaffarnagar fue otro episodio en la sangrienta cadena de sucesos que empezaron en 1.947 y que se cerró con un saldo de mas de una decena de mujeres musulmanas violadas, decenas de muertos (de ambas religiones) y unos 50.000 musulmanes desplazados. Actualmente, se siguen produciendo acontecimientos de este tipo en lo que, por desgracia y de manera muy acertada, Sacco considera un disturbio eterno.

Discursos de odio.

La historia está contada como una investigación periodística. Sacco habla con víctimas, líderes locales, funcionarios y periodistas de la zona, y combina distintos puntos de vista para mostrar la complejidad del conflicto y la fragilidad de la verdad. ¿Qué es la democracia, de dónde proviene el nacionalismo religioso, qué papel juegan las autoridades y políticos en todo esto, son ellos quienes inflaman los ánimos de las diferentes comunidades que, una vez llevadas al punto de ebullición actúan como una masa descerebrada? Multitud de preguntas que aparecen en la obra y que le hacen a uno pegarle una buena pensada a lo que está pasando en nuestro propio país.

El autor intenta desentrañar, formando parte de la historia, el origen de este penúltimo episodio de violencia pero es casi imposible: ambas comunidades están muy mediatizadas y las fake news y los relatos no oficiales (en ocasiones alentados por los propios lideres políticos y religiosos) se han convertido en la narrativa oficial y no hay vuelta atrás. La desinformación y el resentimiento han calado tan hondo que distinguir la realidad de la manipulación resulta cada vez más difícil. 

Esta narrativa del miedo/odio al otro es muy reconocible a día de hoy en occidente y en nuestro propio país sin ir más lejos: líderes políticos de partidos que no mencionaré aquí utilizan diariamente la narrativa del odio para enfrentar a la clase obrera y sacar rédito político en una maniobra que, por desgracia, ya hemos visto anteriormente en Europa. Una auténtica vergüenza.

El característico estilo de Joe Sacco.

Joe Sacco es uno de los grandes historietistas de nuestro siglo. Su estilo, mezcla periodismo, rigor documental y un estilo gráfico deudor del underground, lo ha consolidado como el número uno (con permiso de Zerocalcare) del periodismo gráfico. Alcanzó el reconocimiento internacional con Palestina. Sus obras posteriores sobre lo que ocurre en la región le han valido numeroso premios.

Una vez más, Joe Sacco, con este El disturbio eterno, confirma su habilidad y su capacidad para utilizar el cómic como herramienta de análisis político y social. Esta obra no busca respuestas simples ni lecturas rápidas, es una reflexión sobre cómo el odio al otro se construye lentamente a través del miedo, la manipulación y las desigualdades. Un mensaje simple pero muy potente y aplicable a nuestra realidad diaria.

La edición que nos trajo Reservoir Books es en cartoné, 140 páginas en papel offset de calité con un precio de 22,90€.

El western de Carlos Roume, reseña por Jose

Este mes de mayo, los amigos de Laramie Ediciones nos traen el tercer volumen de su colección Gran Oeste, esta vez dedicado al maestro argentino Carlos Roume, en el que es el primer monográfico del autor en nuestro país. Desde Laramie continúan así la línea de rescate de material clásico de western, producido, en este caso, mayormente para el mercado argentino por autores argentinos y españoles.

El western de Carlos Roume reúne historietas dibujadas por el propio Roume, uno de esos autores menos mediáticos que Breccia o Arturo del Castillo, pero con una gran trayectoria y un grupo de guionistas de primer nivel: Alfredo Julio Grassi o Carlos Trillo por citar a un par. El volumen se centra en el material que realizó para la editorial argentina Record durante los años 80 del pasado siglo, a diferencia que los dos tomos anteriores de la colección que se centraba en la producción de los autores para el mercado británico.

Portada del volumen recopilatorio de Laramie.

El western de Carlos Roume encaja a la perfección con la identidad de la colección “Gran Oeste”. Si Alberto Breccia y Jesús Blasco representan dos nombres fundamentales del género, Roume se consolida como el tercer componente de este tridente de lujo dedicado a las historias del Oeste que nos trae Laramie.

Indios, vaqueros, tramperos, cazadores de cabelleras… todos los personajes que habitan el imaginario del Salvaje Oeste se dan cita en este volumen repleto de relatos fronterizos, historias de violencia, venganza y supervivencia ambientadas tanto en La Pampa argentina como en el Oeste norteamericano. Muchas de ellas, además, tienen al caballo como gran protagonista, algo nada casual si tenemos en cuenta que Carlos Roume fue conocido como “El señor de los caballos”, un reconocimiento a su maestría a la hora retratar la fuerza y el espíritu de estos animales (El oscuro, último relato incluido en el presente volumen es uno de mis preferidos).

Caballos.

Carlos Roume fue uno de los grandes dibujantes de aventuras de la historieta argentina clásica. Nació en Buenos Aires en 1923 y murió en Tandil en 2009. Además de historietista, fue ilustrador y escultor, y esa formación se nota en su trabajo gráfico. 

Aunque su carrera empieza realmente en la publicidad, su salto al mundo del cómic llegó en revistas fundamentales del período dorado argentino como Editorial Abril y la revista Patoruzito. Muy pronto empezó a destacar en adaptaciones literarias y relatos de aventuras clásicos como Robinson Crusoe o Moby Dick. Pero el gran punto de inflexión fue su relación con Héctor Germán Oesterheld, probablemente el guionista más importante de la historieta latinoamericana (si no habéis leído El eternauta o Mort Cinder, ya estáis tardando). Con Oesterheld trabajó en la mítica Editorial Frontera y en revistas históricas como Hora Cero.

Con un estilo que apenas varió a lo largo de los más de cincuenta años que dedicó al cómic, Roume fue un narrador extraordinario. Plasmaba los paisajes como pocos y su tratamiento de la figura humana y animal resulta meticuloso y expresivo (lo que me recuerda a mi adorado Big John Buscema) El blanco y negro, además, le sienta de maravilla a su dibujo, potenciando aún más la atmósfera áspera, sucia y polvorienta de sus historias.

Carlos Roume.

La edidicón que nos trae Laramie es la habitual para esta colección: rústica con solapas, papel offset de alto gramaje y 240 páginas con un tamaño de 17 x 24 con un precio de 26,90€.

Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, reseña por Jose

Este pasado marzo, la gente de Diábolo ediciones volvía a traernos más material de nuestro profeta de Providence: Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, de Alfonso Bueno López es un tentacular ensayo que explora la influencia de H. P. Lovecraft en la historia del cine fantástico y de terror. El libro no se limita a enumerar adaptaciones directas de los relatos del autor de Providence, sino que analiza cómo su imaginario: dioses ancestrales, horror cósmico, la insignificancia humana y la locura frente a lo desconocido, ha influido en décadas de producciones cinematográficas. La obra funciona tanto como guía para aficionados (y eruditos) al cine de género como introducción al insondable universo lovecraftiano. 

No es la primera obra ensayística sobre Lovecraft y su obra que nos traen desde Diábolo, ya reseñamos por aquí Siempre nos quedará Lovecraft. La influencia del horror cósmico en la cultura popular. Volumen 1 cuyo segundo volumen llegará a librerías este mismo mes de mayo.

Portada del libro.

No me canso de recordar que aquí en TDT Podcast somos muy de Lovecraft y sus horrores innombrables y que no perdemos la oportunidad de leer todo lo que salga publicado sobre él y su obra, así que este nuevo ensayo, no iba a ser menos.

Uno de los aspectos más interesantes del libro es su enfoque: en lugar de centrarse únicamente en películas basadas oficialmente en relatos de Lovecraft (algo que también explora) el autor examina cómo muchos cineastas han reinterpretado sus conceptos en obras que capturan el espíritu del escritor (para mí, En la boca del miedo del enormérrimo John Carpenter es la película que mejor capta el espíritu lovecraftiano sin adaptar ninguna de sus obras). Películas de terror psicológico como The Endless, ciencia ficción oscura al estilo Horizonte final y Body Horror (mítica Reanimator de Stuart Gordon) aparecen conectadas por la presencia de entidades incomprensibles, cultos secretos y realidades ocultas más allá de la percepción y la compresión humanas. Esa amplitud convierte el ensayo en un recorrido  por la evolución del terror moderno. 

La estructura del libro alterna análisis cinematográfico, referencias literarias y contexto histórico. Alfonso Bueno, divide el libro en décadas, se comentan directores, productoras y movimientos del cine fantástico que ayudaron a trasladar el horror cósmico a la pantalla; desde producciones clásicas de bajo presupuesto hasta obras contemporáneas. 

Curiosamente, el capítulo inicial del libro comienza mostrándonos a Lovecraft como espectador, recordemos que HPL vivió el nacimiento de la cinematografía y vio en pantalla grande películas como El nacimiento de una nación, The clansman, El mundo perdido o El fantasma de la ópera. Ni que decir tiene que, por lo que sea, El nacimiento de una nación se convirtió de inmediato en uno de sus filmes favoritos.

Una de las más recientes adaptaciones de Lovecraft a la gran pantalla con un Nick Cage que se sale.

Otro punto fuerte (y muy de agradecer) es el tono divulgativo. El libro evita caer en el academicismo y ofrece una lectura ágil y accesible incluso para quienes no conocen profundamente la obra de Lovecraft. Aun así, ofrece suficientes detalles y referencias para satisfacer a lectores y espectadores veteranos del género. La pasión del autor por el cine fantástico y de terror rezuma en cada página, especialmente en las descripciones de criaturas, atmósferas y escenas icónicas inspiradas por los mitos de Cthulhu. Un detalle que me ha gustado especialmente es la cantidad de elementos gráficos en la obra: fotogramas, fotografías y posters de cine hacen que la lectura de la obra sea mucho más amena y completa.

El autor de Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, Alfonso Bueno López, es un ensayista especializado en cine de género y cultura popular. Sin ser un académico estrictamente universitario, ha conseguido ganarse un espacio entre los lectores aficionados al cine fantástico gracias al carácter divulgativo de su obra y su pasión cinéfila. Algunos de sus títulos anteriores son: Desenfunda, forastero! Clásicos perdidos y nuevas joyas del wéstern, dedicado al western; Sangre, sudor y puños. El boxeo en el cine, centrado en películas de boxeo; y Visto para sentencia. La justicia en el cine.

Desde la primera película (¡Mexicana!) en adaptar un relato del autor de Providence: La marca del muerto, que adaptaba El caso de Charles Dexter Ward (al menos en su primera media hora) hasta Love, Death and Robts (la famosa serie de animación de Netflix), esta obra es todo un viaje década a década por la filmografía y series que adaptan de una manera u otra la obra de Lovecraft. Un auténtico must tanto para los amantes del cine fantástico y de terror como para l@s fans del maestro del terror cósmico.

La edición de Diábolo es euclidiana, en tapa dura, con un tamaño de 27 x 14 cm y 316 páginas en papel satinado de alto gramaje con un precio de 27,95€.

No lo dudéis más y haceos con esta cartografía del horror lovecraftiano en el cine.

 ¡Iä! ¡Iä! ¡Cthulhu fhtagn!