lunes, 1 de junio de 2026
Ulises y Cyrano, reseña por Jose
martes, 26 de mayo de 2026
El disturbio eterno, reseña por Jose
El disturbio eterno es la última obra de periodismo gráfico del maltés Joe Sacco. Aborda los disturbios religiosos y sociales entre la casta hindú Jat y la comunidad musulmana ocurridos en 2013 en Muzaffarnagar, en el estado indio de Uttar Pradesh. Llegó a las librerías de nuestros país a finales del pasado 2025 de la mano de Reservoir Dogs y acaba de ser elegido cómic del año por las librerías de Madrid.
Portada del cómic.
El conflicto entre hindúes y musulmanes en la India es una de las tensiones sociopolíticas más complejas del mundo. Sus raíces se remontan a la época colonial y la partición del territorio de 1947 que corrió a cargo del gobierno del Reino Unido (que han estado jodiendo el mundo desde hace siglos y territorio al que han llegado, territorio que han dejado hecho unos zorros: India, Palestina, África...). Un proceso traumático que creó los estados independientes de India y Pakistán (de mayoría musulmana) provocando desplazamientos masivos (se calcula que entre 10 y 15 millones de desplazados), violencia masiva y represalias.
Desde entonces, las relaciones entre ambas comunidades han estado marcadas por: rivalidad política, tensiones identitarias, desigualdades sociales y conflictos territoriales, especialmente en la región de Cachemira, todo ello alentado por discursos políticos y racistas por parte de las autoridades. La violencia desatada en Muzaffarnagar fue otro episodio en la sangrienta cadena de sucesos que empezaron en 1.947 y que se cerró con un saldo de mas de una decena de mujeres musulmanas violadas, decenas de muertos (de ambas religiones) y unos 50.000 musulmanes desplazados. Actualmente, se siguen produciendo acontecimientos de este tipo en lo que, por desgracia y de manera muy acertada, Sacco considera un disturbio eterno.
Discursos de odio.
La historia está contada como una investigación periodística. Sacco habla con víctimas, líderes locales, funcionarios y periodistas de la zona, y combina distintos puntos de vista para mostrar la complejidad del conflicto y la fragilidad de la verdad. ¿Qué es la democracia, de dónde proviene el nacionalismo religioso, qué papel juegan las autoridades y políticos en todo esto, son ellos quienes inflaman los ánimos de las diferentes comunidades que, una vez llevadas al punto de ebullición actúan como una masa descerebrada? Multitud de preguntas que aparecen en la obra y que le hacen a uno pegarle una buena pensada a lo que está pasando en nuestro propio país.
El autor intenta desentrañar, formando parte de la historia, el origen de este penúltimo episodio de violencia pero es casi imposible: ambas comunidades están muy mediatizadas y las fake news y los relatos no oficiales (en ocasiones alentados por los propios lideres políticos y religiosos) se han convertido en la narrativa oficial y no hay vuelta atrás. La desinformación y el resentimiento han calado tan hondo que distinguir la realidad de la manipulación resulta cada vez más difícil.
Esta narrativa del miedo/odio al otro es muy reconocible a día de hoy en occidente y en nuestro propio país sin ir más lejos: líderes políticos de partidos que no mencionaré aquí utilizan diariamente la narrativa del odio para enfrentar a la clase obrera y sacar rédito político en una maniobra que, por desgracia, ya hemos visto anteriormente en Europa. Una auténtica vergüenza.
El característico estilo de Joe Sacco.
Joe Sacco es uno de los grandes historietistas de nuestro siglo. Su estilo, mezcla periodismo, rigor documental y un estilo gráfico deudor del underground, lo ha consolidado como el número uno (con permiso de Zerocalcare) del periodismo gráfico. Alcanzó el reconocimiento internacional con Palestina. Sus obras posteriores sobre lo que ocurre en la región le han valido numeroso premios.
Una vez más, Joe Sacco, con este El disturbio eterno, confirma su habilidad y su capacidad para utilizar el cómic como herramienta de análisis político y social. Esta obra no busca respuestas simples ni lecturas rápidas, es una reflexión sobre cómo el odio al otro se construye lentamente a través del miedo, la manipulación y las desigualdades. Un mensaje simple pero muy potente y aplicable a nuestra realidad diaria.
La edición que nos trajo Reservoir Books es en cartoné, 140 páginas en papel offset de calité con un precio de 22,90€.
lunes, 25 de mayo de 2026
El western de Carlos Roume, reseña por Jose
Este mes de mayo, los amigos de Laramie Ediciones nos traen el tercer volumen de su colección Gran Oeste, esta vez dedicado al maestro argentino Carlos Roume, en el que es el primer monográfico del autor en nuestro país. Desde Laramie continúan así la línea de rescate de material clásico de western, producido, en este caso, mayormente para el mercado argentino por autores argentinos y españoles.
El western de Carlos Roume reúne historietas dibujadas por el propio Roume, uno de esos autores menos mediáticos que Breccia o Arturo del Castillo, pero con una gran trayectoria y un grupo de guionistas de primer nivel: Alfredo Julio Grassi o Carlos Trillo por citar a un par. El volumen se centra en el material que realizó para la editorial argentina Record durante los años 80 del pasado siglo, a diferencia que los dos tomos anteriores de la colección que se centraba en la producción de los autores para el mercado británico.
Portada del volumen recopilatorio de Laramie.
Indios, vaqueros, tramperos, cazadores de cabelleras… todos los personajes que habitan el imaginario del Salvaje Oeste se dan cita en este volumen repleto de relatos fronterizos, historias de violencia, venganza y supervivencia ambientadas tanto en La Pampa argentina como en el Oeste norteamericano. Muchas de ellas, además, tienen al caballo como gran protagonista, algo nada casual si tenemos en cuenta que Carlos Roume fue conocido como “El señor de los caballos”, un reconocimiento a su maestría a la hora retratar la fuerza y el espíritu de estos animales (El oscuro, último relato incluido en el presente volumen es uno de mis preferidos).
Caballos.
Carlos Roume fue uno de los grandes dibujantes de aventuras de la historieta argentina clásica. Nació en Buenos Aires en 1923 y murió en Tandil en 2009. Además de historietista, fue ilustrador y escultor, y esa formación se nota en su trabajo gráfico.
Aunque su carrera empieza realmente en la publicidad, su salto al mundo del cómic llegó en revistas fundamentales del período dorado argentino como Editorial Abril y la revista Patoruzito. Muy pronto empezó a destacar en adaptaciones literarias y relatos de aventuras clásicos como Robinson Crusoe o Moby Dick. Pero el gran punto de inflexión fue su relación con Héctor Germán Oesterheld, probablemente el guionista más importante de la historieta latinoamericana (si no habéis leído El eternauta o Mort Cinder, ya estáis tardando). Con Oesterheld trabajó en la mítica Editorial Frontera y en revistas históricas como Hora Cero.
Con un estilo que apenas varió a lo largo de los más de cincuenta años que dedicó al cómic, Roume fue un narrador extraordinario. Plasmaba los paisajes como pocos y su tratamiento de la figura humana y animal resulta meticuloso y expresivo (lo que me recuerda a mi adorado Big John Buscema) El blanco y negro, además, le sienta de maravilla a su dibujo, potenciando aún más la atmósfera áspera, sucia y polvorienta de sus historias.
Carlos Roume.
La edidicón que nos trae Laramie es la habitual para esta colección: rústica con solapas, papel offset de alto gramaje y 240 páginas con un tamaño de 17 x 24 con un precio de 26,90€.
viernes, 22 de mayo de 2026
Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, reseña por Jose
Este pasado marzo, la gente de Diábolo ediciones volvía a traernos más material de nuestro profeta de Providence: Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, de Alfonso Bueno López es un tentacular ensayo que explora la influencia de H. P. Lovecraft en la historia del cine fantástico y de terror. El libro no se limita a enumerar adaptaciones directas de los relatos del autor de Providence, sino que analiza cómo su imaginario: dioses ancestrales, horror cósmico, la insignificancia humana y la locura frente a lo desconocido, ha influido en décadas de producciones cinematográficas. La obra funciona tanto como guía para aficionados (y eruditos) al cine de género como introducción al insondable universo lovecraftiano.
No es la primera obra ensayística sobre Lovecraft y su obra que nos traen desde Diábolo, ya reseñamos por aquí Siempre nos quedará Lovecraft. La influencia del horror cósmico en la cultura popular. Volumen 1 cuyo segundo volumen llegará a librerías este mismo mes de mayo.
Portada del libro.
No me canso de recordar que aquí en TDT Podcast somos muy de Lovecraft y sus horrores innombrables y que no perdemos la oportunidad de leer todo lo que salga publicado sobre él y su obra, así que este nuevo ensayo, no iba a ser menos.
Uno de los aspectos más interesantes del libro es su enfoque: en lugar de centrarse únicamente en películas basadas oficialmente en relatos de Lovecraft (algo que también explora) el autor examina cómo muchos cineastas han reinterpretado sus conceptos en obras que capturan el espíritu del escritor (para mí, En la boca del miedo del enormérrimo John Carpenter es la película que mejor capta el espíritu lovecraftiano sin adaptar ninguna de sus obras). Películas de terror psicológico como The Endless, ciencia ficción oscura al estilo Horizonte final y Body Horror (mítica Reanimator de Stuart Gordon) aparecen conectadas por la presencia de entidades incomprensibles, cultos secretos y realidades ocultas más allá de la percepción y la compresión humanas. Esa amplitud convierte el ensayo en un recorrido por la evolución del terror moderno.
La estructura del libro alterna análisis cinematográfico, referencias literarias y contexto histórico. Alfonso Bueno, divide el libro en décadas, se comentan directores, productoras y movimientos del cine fantástico que ayudaron a trasladar el horror cósmico a la pantalla; desde producciones clásicas de bajo presupuesto hasta obras contemporáneas.
Curiosamente, el capítulo inicial del libro comienza mostrándonos a Lovecraft como espectador, recordemos que HPL vivió el nacimiento de la cinematografía y vio en pantalla grande películas como El nacimiento de una nación, The clansman, El mundo perdido o El fantasma de la ópera. Ni que decir tiene que, por lo que sea, El nacimiento de una nación se convirtió de inmediato en uno de sus filmes favoritos.
Una de las más recientes adaptaciones de Lovecraft a la gran pantalla con un Nick Cage que se sale.
Otro punto fuerte (y muy de agradecer) es el tono divulgativo. El libro evita caer en el academicismo y ofrece una lectura ágil y accesible incluso para quienes no conocen profundamente la obra de Lovecraft. Aun así, ofrece suficientes detalles y referencias para satisfacer a lectores y espectadores veteranos del género. La pasión del autor por el cine fantástico y de terror rezuma en cada página, especialmente en las descripciones de criaturas, atmósferas y escenas icónicas inspiradas por los mitos de Cthulhu. Un detalle que me ha gustado especialmente es la cantidad de elementos gráficos en la obra: fotogramas, fotografías y posters de cine hacen que la lectura de la obra sea mucho más amena y completa.
El autor de Lovecraft en el cine. Monstruos, mitos y dioses arcanos, Alfonso Bueno López, es un ensayista especializado en cine de género y cultura popular. Sin ser un académico estrictamente universitario, ha conseguido ganarse un espacio entre los lectores aficionados al cine fantástico gracias al carácter divulgativo de su obra y su pasión cinéfila. Algunos de sus títulos anteriores son: Desenfunda, forastero! Clásicos perdidos y nuevas joyas del wéstern, dedicado al western; Sangre, sudor y puños. El boxeo en el cine, centrado en películas de boxeo; y Visto para sentencia. La justicia en el cine.
Desde la primera película (¡Mexicana!) en adaptar un relato del autor de Providence: La marca del muerto, que adaptaba El caso de Charles Dexter Ward (al menos en su primera media hora) hasta Love, Death and Robts (la famosa serie de animación de Netflix), esta obra es todo un viaje década a década por la filmografía y series que adaptan de una manera u otra la obra de Lovecraft. Un auténtico must tanto para los amantes del cine fantástico y de terror como para l@s fans del maestro del terror cósmico.
¡Iä! ¡Iä! ¡Cthulhu fhtagn!
jueves, 21 de mayo de 2026
Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas, reseña por Jose
Los amigos de Satori Ediciones siguen llenando nuestras baldas de buen manga. Anteriormente reseñé Los locos del gekiga y ahora es el turno de Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas, que llegó a librerías finales de verano de 2025 y es una antología de relatos de Bonten Taro, autor que se estrena en nuestro país con esta recopilación de ocho relatos que fueron publicados en Japón en diferentes revistas entre mediados de los años 60 y 70 del pasado siglo.
Portada del tomo recopilatorio de Satori.
Mujeres de armas tomar, violencia sexo y tatuajes, este podría ser el resumen de la presente antología que me ha parecido de lo más serie B y de lo más perturbadora por momentos, quizá por eso la he disfrutado de lo lindo. Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas es una obra incómoda, excesiva y fascinante a partes iguales. Puro gekiga y underground japonés de los años 60 y 70. Lejos del manga comercial que domina hoy el mercado, aquí encontramos historias ásperas, violentas y marcadas por el erotismo, la marginalidad y la cultura yakuza. Cada relato surge de los bajos fondos de un Japón nocturno donde el deseo, el vicio y la venganza conviven bajo la tinta de los tatuajes.
Mujeres de armas tomar. Literalmente.
El cuerpo de la mujer como lienzo para el tatuaje pero también para la violencia. Estética, cicatrices y rebelión social. Las protagonistas son criminales, otras buscan venganza y otras han sido deshonradas pero el nexo común es la tinta y la violencia: Ruri la tatuadora, historia que da nombre al volumen, o El tatuaje de Okei son buena muestra de ello. Pero Bonten Taro también explora el terror con relatos como Kappa o Escamas. Una recopilación, en definitiva, que nos muestra las facetas más destacadas del autor Tokiota.
Y es que es importante entender esta antología dentro del contexto del gekiga pero con las particularidades de Taro, un autor más salvaje y excesivo, particularidades muy bien recogidas en este compilación que es bastante homogénea.
Toca el turno de hablar del autor: Bonten Taro tuvo una vida de película. Nacido Kiyomi Ishii en 1928, fue, piloto Kamikaze, tatuador, cantante y mangaka, se casó varias veces... Vamos, que su vida parece sacada de uno de sus propios mangas, un tipo excéntrico y muy particular, al igual que su obra. De verdad os digo que investiguéis sobre su figura porque tuvo una vida apasionante y digna de ser contada hasta su muerte en 2008.
El horror y el Japón nocturno.
La publicación de Ruri la tatuadora y otras historias de chicas malas por parte de Satori Ediciones siguela línea editorial que la editorial asturiana lleva años consolidando en España. Alejada de títulos comerciales o autores superventas, Satori ha construido un catálogo muy reconocible recuperando clásicos japoneses, literatura de culto y obras digamos, marginales que rara vez habían llegado traducidas al castellano o que nunca lo habían hecho, como es el caso de este volumen. Su propuesta combina narrativa, ensayo, folklore y manga rescatando autores olvidados, contextualizando movimientos culturales y ofreciendo al lector español una visión más amplia y compleja de la historia artística y cultural japonesa.
En lo que al manga se refiere, esa labor ha sido especialmente importante para la difusión del gekiga y del manga alternativo. En ese sentido, publicar a Bonten Taro no solo tiene valor como curiosidad editorial, sino también como recuperación histórica de un autor muy ligado a la contracultura japonesa, a la exploitation cinematográfica (Roman porno, Yakuza o la Venganza femenina: ahí está Lady Snowboold, un clásico del manga y del cine) y al imaginario yakuza de la época.
La edición, cuidadísima. Muy buena reproducción, papel de alto gramaje y el interior de la sobrecubierta ilustrado nos dan una idea del mimo que ponen en Satori a sus publicaciones. Un trabajo editorial fantástico. Gracias a editoriales como Satori, obras tan raras y difíciles de clasificar aunque la enmarquemos dentro del gekiga, pueden encontrar nuevos lectores fuera de Japón reivindicando un sector del manga desaparecido de nuestras librerías pero que merece un lugar de honor en las estanterías.
288, tamaño kanzenban, y 288 páginas en rústica con solapas a un precio de 21€.
lunes, 18 de mayo de 2026
Biblioteca Marvel Dr. Extraño #7, reseña por Jose
Biblioteca Marvel: Doctor Extraño 7 supone una nueva entrega de la recuperación cronológica del Doctor Extraño clásico y el fin del primer volumen del personaje. Publicado por Panini este pasado mes de abril, el tomo recopila los números Doctor Strange #178 y #180-183, además de Avengers #61, recordemos que el buen doctor protagonizó una aventura con los Héroes más poderosos de La Tierra, crossover que pudimos ver en Biblioteca MArvel Los vengadores 12 y cuya reseña podéis encontrar aquí: Biblioteca Marvel Los vengadores #12, ofreciendo una mezcla de aventuras místicas, terror psicodélico y pijameo clasicote que define perfectamente la esencia del Hechicero Supremo (al menos en esta primera etapa etapa del personaje).
Portada de esta séptima entrega.
Este es el segundo volumen de la Biblioteca Marvel dedicado a recopilar la mítica etapa del Doctor Extraño firmada por Roy Thomas y Gene Colan (delantera de lujo que ya pudimos ver en acción hace poquito y brevemente en la BM Los vengadores) pero que puso fin al volumen uno del personaje como ya he comentado anteriormente. Ya deseando que Panini empiece a publicar el segundo volumen de nuestro Hechicero Supremo favorito con el etapón de Englehart y Brunner.
En la entrega que tenemos entre manos, tendrá lugar el desenlace de la saga con Satannish y el crossover con Los vengadores, además, desfilarán por sus páginas varios de los clásicos de la época: Pesadilla, Juggernaut (¡con quien queda atrapado en el OJO de Agamotto!) y la mismísima Eternidad. Con todo, y a pesar del sensacional tándem creativo, las ventas dieron carpetazo a la colección del Doctor, carpetazo que se daría definitivamente en la serie de Hulk, en un cruce entre colecciones que no se recoge en este tomo. Por otro lado, el cierre de la colección significaría la inclusión de Strange en Los defensores.
Con Los vengadores.
Un punto muy importante es sin duda el apartado artístico. Probablemente uno de los elementos más destacados de este volumen y del anterior. Gene Colan ofrece páginas llenas de sombras, figuras etéreas y composiciones casi oníricas y psicodélicas que convierten cada hechizo en algo hipnótico. Su estilo encaja perfectamente con el componente digamos, surrealista del personaje. Roy Thomas supo leer el potencial de Colan y le dio vía libre, cosa que es muy de agradecer. A veces el "Método Marvel" era lo que mejor funcionaba.
Por último y como suele ser habitual, otro punto importante de esta edición de Biblioteca Marvel es el cuidado editorial. Como suele ocurrir en la colección, el tomo incluye material contextual, cronologías y recuperación de correos de lectores originales, algo que ayuda mucho a entender cómo se recibían estas historias en su época.
La edición de Panini, como siempre, en rústica con solapas, papel offset de buena calidad y un precio de 16€.
viernes, 15 de mayo de 2026
Dead Romans, reseña por Jose
Este mes de mayo nos llega de la mano de Tengu Ediciones una de las novedades a las que más ganas tenía de hincarle el diente: Dead Romans, que cuenta con un tridente de auténtico lujo: Ted Kennedy, Nick Marinkovich y el gran Jose Villarrubia, para recrear con todo su salvajismo y brutalidad uno de los episodios más traumáticos de la historia del Imperio romano: la devastadora Batalla del bosque de Teutoburgo, la emboscada que cambió para siempre el destino de Roma en Germania.
jueves, 14 de mayo de 2026
Arca, reseña por Jose
Arca es un magnífico cómic de ciencia ficción distópica publicado originalmente en 2023 por la editorial IDW y que este mes de mayo llega a las librerías españolas gracias a los amigos de Nuevo Nueve.
De entrada, parte de una premisa conocida: la humanidad debe huir de un Planeta Tierra moribundo en una gigantesca nave espacial (Arca) pero lo interesante es utilizar esa idea inicial para hablar de desigualdad, manipulación y control social. Y es que ya sabemos que la mejor ciencia ficción tiene un trasfondo social potente y en el caso de este Arca, tiene eso y mucho más. Van Jensen y mi adorado Jessie Lonergan se marcan un auténtico tebeazo que combina crítica social, thriller espacial y relato de iniciación.
Portada del cómic.
La historia sigue a Effie, cuyo nombre completo es Perséfone (muy adecuado), una adolescente que vive en la nave Arca. Allí la sociedad está dividida en castas: los “Ciudadanos”, descendientes de los multimillonarios que financiaron el éxodo; los “Ayudantes”, fuerzas de seguridad armadas; y los “Colonos”, jóvenes destinados a servir a las clases privilegiadas hasta cumplir los dieciocho años, momento en el cual pasan a convertirse en ciudadanos. Desde pequeña, Effie ha crecido creyendo que, al llegar a esa edad, accedería a una vida mejor, pero a través de sus ojos y de una serie de flashbacks que nos retrotraen al punto de partida, descubriremos que todo el sistema se sostiene sobre un engaño cuidadosamente elaborado. Un oscura mentira fundacional que sostiene esa nueva sociedad.
Lo bueno de la trama es que no depende únicamente del misterio central: la sensación de opresión y claustrofobia es constante, sabemos que algo no va bien pero no exactamente qué, además, hay diferentes tramas secundarias que afectan a varios de los protagonistas. Jensen construye una sociedad donde la propaganda está integrada en la rutina diaria: mensajes por megafonía, vigilancia constante y educación restringida (¿os suena?). Effie destaca porque ha aprendido a leer en secreto (sorry, spoiler) algo prohibido para los colonos. Ese pequeño acto de rebeldía intelectual se convierte en parte muy importante del motor de la historia: el conocimiento es peligroso para el poder establecido si no puede controlarlo.
Así, Effie se convierte en el eje moral de esta historia: no es ni mucho menos la heroína clásica ni una líder carismática, más bien representa la curiosidad y la necesidad de comprender el sistema que la oprime, pasa de tragarse la propaganda de Arca a cuestionar los pilares sobre los que se sostiene esa sociedad y lo hace acompañada de personajes secundarios que representan distintas formas de adaptación al poder: quienes obedecen por miedo, quienes colaboran para sobrevivir y quienes prefieren ignorar la inhumanidad del sistema mientras conserven sus privilegios. El cómic no profundiza excesivamente ellos pero son necesarios para el relato iniciático de nuestra protagonista y además, encajan a la perfección dentro del discurso político de la obra.
Nuestra protagonista.
En cuanto a comparaciones, Arca recuerda mucho a otras historias de “nave generacional” como Sentient o La nave estelar, de Brian Aldiss e incluso a obras como Snowpiercer, por la división de clases y la idea de una sociedad encerrada en un vehículo que es el último refugio humano. También comparte semejanzas con Elysium, por su representación de una élite tecnológica aislada del sufrimiento colectivo o Un mundo feliz, por lo distópico.
Arca es una obra que aunque usa elementos muy clásicos de la ciencia ficción, consigue en todo momento que sea actual usando elementos que nos atañen en pleno 2026: la concentración de la riqueza y los privilegios en una élite reducida, el colapso climático y esa sensación de que solo habrá futuro para quien pueda pagarlo, hacen que este cómic funcione como un tiro y que Arca sea, ni más ni menos, que una metáfora de la sociedad y del sistema actuales.
Uniformidad, propaganda y pensar poco.
Van Jensen al guion demuestra mucha habilidad para manejar el ritmo. Jensen venía de trabajar en títulos superheroicos como The Flash y Green Lantern Corps y de un novelón de ciencia ficción, Godfall, que os recomiendo muy fuerte pero aquí se mueve hacia una ciencia ficción más contenida y reflexiva. Su mayor acierto es que sin recurrir a largas explicaciones deja que el lector descubra poco a poco las reglas del mundo. Además, introduce giros narrativos que reformulan constantemente lo que creemos entender sobre la nave y sus habitantes y unas últimas tres páginas de cómic, sencillamente increíbles.
Por terminar: cómic absolutamente imprescindible de este mes de mayo (en mi opinión, claro) y sin duda para los amantes de la ciencia ficción de calidad. Una lectura absorbente, entretenida y que te hace reflexionar sobre un futuro cada vez mñas oscuro y cada vez más próximo.
La edición de Nuevo Nueve se agradece que sea en tapa blanda en estos tiempos de tapadurismo ilustrado, 176 páginas en papel offset de alto gramaje y un tamaño de 19 x 27 cm por 25€.
"¿Has construido ya tu barco de la muerte? ¿lo has hecho?
Oh, construye tu barco de la muerte, pues lo necesitarás."
D. H. Lawrence.
martes, 12 de mayo de 2026
Manual zoomórfico H. P. Lovecraft, reseña por Jose
jueves, 7 de mayo de 2026
Tex. Patagonia, reseña por Jose
Los amigos de Laramie Ediciones nos traen este mes de mayo el segundo volumen de Tex: Patagonia, una nueva oportunidad para adentrarse en el universo de uno de los grandes mitos del cómic europeo. Para quienes aún no conozcan a Tex, se trata del legendario personaje creado en 1948 por Gian Luigi Bonelli (auténtica figura de culto de la historieta italiana) y Aurelio Galleppini para la editorial Bonelli.
Las historias de Tex Willer, ambientadas en el Salvaje Oeste de la segunda mitad del siglo XIX, combinan aventura, acción y sentido de la justicia. Tex es ranger de Texas, agente indio y jefe blanco de los navajos, un héroe incorruptible que recorre fronteras enfrentándose a todo tipo de amenazas. En sus peripecias suele estar acompañado por un variopinto grupo de aliados: Kit Carson, viejo pistolero y veterano ranger; Tiger Jack, fiel amigo y guerrero navajo; y Kit Willer, su hijo.
Convertido con el paso de las décadas en uno de los cómics europeos más longevos y populares, Tex sigue siendo un auténtico clásico del western, admirado por generaciones de lectores gracias a su mezcla de épica fronteriza, personajes carismáticos y su respeto por la mitología del Oeste.
En este segundo volumen de las aventuras de nuestro ranger favorito, la historia traslada a Tex desde el clásico Oeste Americano hasta los paisajes salvajes y desolados de la Patagonia argentina, un escenario poco habitual dentro de la serie que aporta frescura, exotismo y una atmósfera casi épica.
Del mismo modo que ocurría en el ejército estadounidense durante las guerras indias, el ejército argentino también cuenta con indígenas que actúan como rastreadores, intérpretes y guías al servicio del poder colonizador, enfrentándose en muchos casos a su propio pueblo. Es precisamente en este contexto donde sale a relucir la herencia indígena del hijo de Tex, en unas páginas especialmente inspiradas que no solo enriquecen al personaje, sino que también invitan a reflexionar sobre la identidad, la lealtad y las contradicciones morales que atraviesan toda la obra.
Y artísticamente Pasquale Frisenda, también milanés, es extraordinario y probablemente una de las principales razones por las que Patagonia se considera una obra maestra del western moderno en viñetas. Su dibujo en blanco y negro combina un nivel de detalle impresionante con una puesta en escena, me repito, cinematográfica. La pampas argentina, las montañas nevadas, los campamentos indígenas y las batallas poseen una fuerza visual enorme. Frisenda utiliza sombras, texturas y composiciones muy dinámicas para transmitir tanto la inmensidad del paisaje como la violencia física de los enfrentamientos. Un apartado gráfico sobresaliente.
Allí donde vas, reseña por Jose.
Este pasado mes de abril, los amigos de La cúpula nos traían la nueva obra del francés Étienne Davodeau: Allí donde vas. Viaje al país de la memoria que flaquea. Publicada en Francia en 2025, este cómic se inscribe dentro de la línea más documental y humanista de Davodeau, conocido por explorar temas sociales desde la experiencia directa. En este caso, el punto de partida es profundamente íntimo: el autor decide narrar el trabajo de su pareja, Françoise Roy, enfermera especializada en el acompañamiento de personas con enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer. Inmediatamente se nos puede venir a la cabeza el Arrugas de Paco Roca o la magnífica película del argentino Juan José Campanella El hijo de la novia, pero el enfoque aquí es diferente: más directo, más didáctico y también profesional. Además, es también una historia de pareja, donde la confianza, la cercanía y la convivencia permiten acceder a una realidad difícil de representar desde fuera.
Portada del cómic.
El cómic no sigue una línea argumental tradicional, sino que se articula como una sucesión de escenas y encuentros. Historias cortas. A través del día a día de Françoise, entramos en contacto con distintos pacientes: el señor Saunier, la señora Marchand o Cédric y sus familias, cada uno enfrentando de forma distinta el deterioro de la memoria y la identidad. No hay un conflicto central ni una narrativa clásica: lo que predomina es la acumulación de instantes cotidianos, gestos, silencios e interacciones que revelan la complejidad emocional de la enfermedad tanto de la persona afectada como de sus allegados. El foco no está en explicar el Alzheimer desde un punto de vista médico, sino en mostrar cómo se vive y se acompaña en lo cotidiano.
Y ese precisamente es el tema central de la obra: la pérdida de la memoria como proceso que afecta tanto al enfermo como a su entorno. Al mismo tiempo, el cómic pone en valor el papel de los cuidadores y acompañantes, destacando la importancia de la empatía, la paciencia y la capacidad de crear vínculos en el presente. Algo muy importante también es la reflexión sobre la dignidad, a pesar de todo, esas personas siguen siendo seres humanos y deben ser tratados como tales.
Una reflexión muy acertada.
El autor huye del porno emocional, lo cual es muy de agradecer. La narración es sobria, directa, no cae en sentimentalismos y eso hace que la obra fluya de manera muy natural: hay momentos para la tristeza, la reflexión, la sorpresa e incluso alguna carcajada, ofreciendo así una narración muy humana, respetuosa. Emociona sin caer en el sentimentalismo, educa pero no desde un discurso didáctico y creo que es tremendamente útil para entender a las personas con Alzheimer, a sus allegados y a sus cuidadores.
Étienne y Françoise.
En el apartado gráfico, Davodeau mantiene su estilo característico: blanco y negro, trazo sencillo y semi-realista. La puesta en página es clara y funcional, sin artificios, lo que refuerza la dimensión documental del relato. El uso de espacios en blanco, repeticiones y silencios gráficos contribuye a transmitir la desorientación y la pérdida de referencias propias de la enfermedad. Coherente con el tono íntimo y contenido de la obra.
Allí donde vas es un cómic profundamente humano que se adentra en un tema complejo con una sensibilidad poco común. Sin caer en respuestas fáciles ni en dramatismos innecesarios, la obra propone una mirada honesta sobre la fragilidad de la memoria, el peso del cuidado y la importancia de los vínculos en momentos de vulnerabilidad extrema. Davodeau construye un relato íntimo y contenido, donde los silencios y los gestos adquieren tanto valor como las palabras. Es una lectura pausada, de esas que invitan a detenerse y acompañar a sus personajes con empatía, uno de esos cómics que te sigue acompañando tiempo después de acabar de leerlo.
La edición de La cúpula es en rústica con solapas, 164 páginas en papel offset de calité y un tamaño de 17 x 24 cm. Además, los extras: un epílogo a cargo de Françoise y una bibliografía sobre las enfermedades neurodegenerativas que contiene sitios web, libros, cómics y películas. Precio: 19,90€
Ulises y Cyrano, reseña por Jose
Este pasado mes de abril, nos llegaba desde Norma Editorial uno de los cómics más premiados en Francia de 2024: Ulises y Cyrano , uno de eso...
-
Como prometí hacer en la reseña de Maltempo , me he puesto a leer la "trilogía italiana" de Alfred al completo y por supuesto he ...
-
Qué me gusta un Elseworld y si lo escribe Tom Taylor (Injustice, DCsos), más todavía. En esta nueva versión alternativa de los héroes de DC,...




























.jpg)

