Lapa la nuit, reseña por Jose

El historietista carioca Nicolaï Pinheiro nos sumerge en la noche de Río de Janeiro en Lapa la nuit. Lapa es el barrio más bohemio y animado de la ciudad y, me atrevería a decir, que el auténtico protagonista de esta historia coral. 
Con una premisa tan sencilla como la de historias de personas que se entrecruzan en la noche de la "Cidade maravilhosa", Pinheiro nos introduce en el ambiente nocturno de su ciudad. Una noche desbordante de vida, caos y sexo. 

Portada del cómic.

Cacique, un chaval obsesionado con las piernas de una chica a la que conoció la noche anterior; Erika, una joven turista alemana; unos delincuentes que preparan un atraco; o un anciano coronel entregado a placeres, digamos, poco convencionales: todos ellos forman parte del mosaico humano que compone este cómic, un entramado de encuentros fugaces y conexiones inesperadas.

Uno de los mayores aciertos de la obra es convertir al propio barrio en eje narrativo. Lapa se presenta como un espacio fronterizo entre clases sociales, entre lo turístico y lo local, entre lo marginal y lo festivo, donde todo parece posible. La ciudad no es solo un escenario: es un organismo vivo que condiciona las decisiones y emociones de sus habitantes.

Uno de los locales del barrio de Lapa.

El ritmo del cómic es deliberadamente disperso, lo que puede resultar fascinante o frustrante según el lector. No hay grandes giros ni clímax evidentes; el interés reside en la acumulación de pequeñas historias y en cómo estas se reflejan y entrelazan entre sí, se acercan y se alejan; como las olas en la playa de Ipanema.

Este enfoque, que priorizan la atmósfera sobre la trama, convierte la lectura en una experiencia más sensorial que argumental, no hay un clímax al uso, el cómic funciona como un mosaico en el que acabas inmerso. Aún así, cada historia, cada personaje, encuentra su propio cierre.

Y debajo de todo esto, Lapa la nuit aborda temas bastante reconocibles: el deseo y las relaciones efímeras, la búsqueda de identidad, las tensiones de clase en una ciudad desigual o la noche como espacio de libertad (y también de peligro).

El apartado gráfico contribuye de manera definitiva a la inmersión de la que hablaba anteriormente. Con un trazo y una narrativa muy dinámicos, pasamos de una historia a otra casi sin darnos cuenta y el color hace que esa noche en Río sea vibrante, húmeda, calurosa y erótica. 

Lapa la nuit es un cómic con mucha personalidad, capaz de capturar la noche en toda su intensidad: viva, caótica y profundamente humana y con una narrativa fragmentaria, logra a la vez articular las historias de sus protagonistas en un puzle tan desordenado como fascinante.

La edición de Nuevo Nueve se presenta en tapa blanda con solapas, cuenta con 128 páginas con un tamaño de 27 x 19 cm y está impresa en papel offset de buena calidad, con un precio de 25 €.

No sleep till Shengal, reseña por Jose.

No Sleep Till Shengal puede considerarse la continuación espiritual de Kobane Calling. En esta obra, el italiano Zerocalcare responde de nuevo a la llamada kurda, algo con lo que él mismo bromea al inicio del cómic, para documentar, en esta ocasión, la tragedia del pueblo yazidí en la región de Shengal (Sinyar), en Irak. 

El cómic narra el viaje del italiano hasta la región de Shengal. Protegido por las milicias kurdas, nos cuenta de primera mano lo que allí acontece y recaba información sobre el terreno y testimonios tanto de algunas de las víctimas de lo que ocurrió como de quienes intentan crear una unidad territorial autónoma e independiente de Turquía y de Irak.

Portada del cómic.

"Las amenazas del gobierno iraquí y de los peshmergas, el ISIS que trata de reorganizarse, los drones turcos que bombardean. Contra eso se lucha en Shengal" y es que lo que acontece en la región es una auténtica catástrofe y una realidad demasiado compleja como para explicarlo en una reseña, por lo que os recomiendo que os leáis el cómic (comicazo) y os informéis a través de los medios. Aun así, os dejo unos números para que os hagáis una idea de la magnitud de lo que había ocurrido allí hasta el año 2021, año en el que Calcare viajó a la zona para la realización de este cómic:

- 5000 asesinados

- Centenares de muertos de hambre y sed

- Más de 6000 mujeres y niñas violadas.

 

Quienes me conocéis ya sabéis que el periodismo gráfico es un género que disfruto especialmente, y que autores como Joe Sacco o Guy Delisle están entre mis favoritos, tanto por su compromiso como por su estilo: Sacco, más imparcial; Delisle, más personal e irónico. Ambos, referentes en lo suyo.

Zerocalcare, en cambio, tiene más mala leche y cero pretensión de imparcialidad. Viaja a Shengal a título personal y, aun así, logra un equilibrio sorprendente entre la crónica política, la dimensión emocional y su inconfundible ironía. Un trabajo, en mi opinión, de matrícula de honor.

No sleep till Shengal literalmente.

 

Firmar un cómic como este y que el título sea un chiste homenaje a un grupo como los Beastie Boys está al alcance de muy pocos (cuando leáis el cómic vais a entender el porqué de este título). Ya llevo varias reseñas del italiano y cada vez estoy más convencido de que es, sin duda, la voz (europea) de su generación. Este No sleep no solo lo confirma sino que, además, lo eleva a los altares del periodismo en viñetas, un altar reservado a muy poc@s y que me hace dudar de si prefiero su vena personal o su faceta periodística.

 

No sleep es un cómic honesto, comprometido y complejo, denso por momentos y con una tremenda carga emocional pero accesible, hilarante por momentos (sí, parece mentira) y capaz de engancharte desde la primera página. Un testimonio valiente que demuestra el poder que tienen las viñetas para informar y narrar a este nivel.

Por otra parte, vamos a encontrar al Calcare de siempre: gamberro, irónico, personal y neurótico. Todo bien. 

 

Crónicas de Jerusalén, Persépolis, Notas al pie de Gaza... y No sleep Till Shengal. He tardado en leerlo pero ya sabéis: " nunca es tarde..."

 

La edición de Reservoir Books, que publica las obras del autor en España, mantiene el buen nivel habitual: rústica con solapas, papel offset de buen gramaje y un precio de 20,90 € para algo más de 200 páginas. Un libro muy cuidado para una obra imprescindible.

Ciencia oscura, reseña por Jose.

Flash Gordon + Buck Rogers + viajes interdimensionales + Los 4F + portadas a lo Frazzetta + estética pulp… el resultado es Black Science, Ciencia Oscura en nuestro país. Otra maravilla de Rick Remender.

Grant McKay, un científico anarquista convencido de que la ciencia no debería tener límites, construye El Pilar, un dispositivo capaz de permitir a la Liga de Científicos Anarquistas viajar por el multiverso (o “la cebolla”, como ellos lo llaman). Pero cuando el primer salto de prueba es saboteado, él, su familia y su equipo quedan atrapados en una espiral de saltos interdimensionales, buscando desesperadamente el camino de vuelta a casa… si es que existe.

Norma Editorial ha terminado recientemente de publicar (ya en su tercer formato), esta epopeya de ciencia ficción firmada por Remender, así que es buen momento para volver sobre una serie a la que ya le dedicamos un minipost cuando hablamos de Image Comics y el neopulp hace ya la tira de tiempo.

El primer número arranca con una escena claramente deudora de En busca del arca perdida, pero con un giro delicioso: en lugar de aborígenes, hay hombres pez; y en vez de un templo subterráneo, uno construido sobre el caparazón de una tortuga gigante. ¿Os suena?

A mí, desde luego, ya me tenían ganado.

                                                            Todo muy Pratchett.

Si hubiera que definir Ciencia Oscura con una sola idea, sería esta: una montaña rusa de ciencia ficción desatada que mezcla aventura pulp, drama familiar y reflexión existencial. Rick Remender y  Matteo Scalera firman uno de sus trabajos más ambiciosos y personales dentro del catálogo de Image Comics.

La premisa puede parecer familiar: Grant, su familia y su equipo quedan atrapados en una sucesión caótica de realidades alternativas y partir de ahí, la serie se convierte en una huida constante. Cada nuevo mundo es más extraño, hostil o impredecible que el anterior. No hay control, no hay descanso y, lo más importante, no hay garantías de volver a casa. Seguro que os suena de algo.

Pero Ciencia Oscura también destaca es en su dimensión emocional. Grant McKay no es un héroe al uso: es egocéntrico, impulsivo e imperfecto y su obsesión por la ciencia y el progreso tiene consecuencias devastadoras para quienes le rodean.

Por ello, la serie gira, en gran medida, en torno a la culpa. Cada salto no solo los aleja físicamente de casa, sino también emocionalmente entre ellos. Las relaciones se tensan, los errores se acumulan y el desgaste psicológico es constante.

 

Extrañas dimensiones.

El apartado gráfico de Matteo Scalera es, sencillamente, espectacular. Su estilo encaja a la perfección con el tono frenético de la historia: composiciones dinámicas, mundos visualmente desbordantes y un uso del color (a cargo de Dean White) que convierte cada dimensión en una experiencia única. Literalmente.
Cada universo tiene su propia lógica estética: paisajes alienígenas imposibles, reinterpretaciones grotescas de lo humano... Scalera no se limita a ilustrar la historia; la amplifica.
Vértigo, caos y maravilla al mismo tiempo. Nada, nada fácil.

 

 

Un magnífico ejemplo de lo comentado en el párrafo anterior.      

Ahora bien, no todo es perfecto. El ritmo de la serie puede resultar agotador. La sucesión constante de mundos y conflictos apenas deja espacio para respirar, lo que puede dificultar la conexión con algunos personajes secundarios y se agradecen ciertos respiros en momentos determinados.

Además, en algunos momentos, la historia cae en cierta repetición estructural: salto, peligro, huida, nuevo salto. Aunque los temas evolucionan, la mecánica puede ser reiterativa.

Quienes conozcan otros trabajos de Remender reconocerán aquí muchas de sus obsesiones: protagonistas rotos, relaciones familiares complicadas y una visión bastante pesimista (aunque no exenta de esperanza) del ser humano.
En ese sentido, Ciencia Oscura es una obra muy coherente dentro de su trayectoria, pero también una de las más desatadas en lo visual y conceptual.

A modo de conclusión: Ciencia Oscura es una serie intensa, caótica y tremendamente imaginativa. No es una lectura ligera ni especialmente accesible, pero recompensa al lector que se deja llevar por su propuesta. Yo, desde luego, la he disfrutado como un enano.

Es, al mismo tiempo, una aventura multiversal llena de criaturas imposibles y una historia íntima sobre el fracaso, la redención y la familia.

Si te gusta la cifi de calité, sin frenos, con estética pulp y carga emocional, aquí tienes una serie que te vas a gozar de principio a fin.
 
Norma editorial ha publicado este serie en tres formatos diferentes: rustica en 8 tomos, edición de lujo en 3 tomos de gran tamaño, cartoné con sobrecubiertas y esta última edición (la que recomiendo por ser la que más me gusta): edición integral en cartoné, con un tamaño muy manejable de 17x26 cm y un precio de 39,50€.

Hypericon, reseña por Jose.

Hypericon, de Manuele Fior, entrelaza con elegancia dos historias separadas por casi un siglo: la expedición liderada por Howard Carter que descubre la tumba de Tutankamón a principios del siglo XX, y, en paralelo, la de Teresa, una joven estudiante italiana que llega a Berlín gracias a una beca Erasmus para trabajar en una exposición sobre ese mismo hallazgo. Allí conoce a Rubén, su reverso "tenebroso": frente a su carácter metódico, responsable e insomne (literalmente), él encarna el caos bohemio de quien vive al margen de cualquier estructura, instalado en una despreocupación que roza lo temerario aunque eso sí, viviendo a costa de sus padres.
Entre ambos surge una relación tan intensa como inestable, atravesada por sus diferencias, sus inseguridades y una constante sensación de desajuste emocional. En ese vaivén aparece también la flor de hypericón, un elemento simbólico que recorre la obra: asociada a la luz y a la renovación, funciona como reflejo de ese vínculo frágil, luminoso por momentos y, a la vez, inevitablemente vulnerable.

 

Y es que Hypericon es, ante todo, una historia de amor… aunque no una al uso. Fior apuesta aquí por un enfoque íntimo y realista para construir un relato precioso y delicado donde pesan más las emociones que los acontecimientos. Esa mirada sutil y contenida es, precisamente, la que le da personalidad propia a esta obra y la aleja de los romances convencionales. 

Portada del cómic.

Hypericon ha sido mi primer acercamiento a la obra de Manuele Fior y la experiencia no podría haber sido más satisfactoria. No solo por la historia de Teresa y Rubén, que funciona como núcleo (emocional) del relato, sino también por todo lo que la envuelve: el sutil trasfondo egipcio, el constante simbolismo con la flor de hypericón como motivo recurrente y la atmósfera de ese Berlín noventero que el autor recrea con una sensibilidad casi palpable y que a los señores mayores de mi generación nos resulta tan familiar.

Uno de los mayores logros de Fior es el equilibrio que consigue entre sus dos líneas narrativas: por un lado, el descubrimiento de la tumba de Tutankamón; por otro, la relación entre Teresa y Rubén. Lejos de competir, ambas tramas se enriquecen mutuamente, dialogando a través del tiempo y el significado. A esto se suma una caracterización muy cuidada de los personajes: los dos polos opuestos del espectro, sí, pero tan bien construidos que resulta fácil empatizar con ambos, reconocerse en sus dudas y entender sus contradicciones.
Aunque si hay algo que realmente eleva el cómic es su forma de retratar las relaciones. Aquí no hay épica romántica ni grandes declaraciones, sino una atención minuciosa a los gestos cotidianos, a los silencios incómodos y a las pequeñas fisuras que acaban definiendo a una pareja. Fior pone el foco en esos detalles que construyen (y también desgastan) el vínculo, mostrando el amor como algo frágil, cambiante y, por momentos, incómodo, pero profundamente humano. 

El frío Berlín noventero.

En el apartado gráfico, Fior vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes nombres del cómic europeo contemporáneo. Su uso del color, cálido en Egipto, más frío y gris en Berlín, no solo diferencia épocas, sino que transmite estados de ánimo y refuerza el tono melancólico de la obra. Esas acuarelas son oro puro. Un trabajo espectacular.

Hypericon no busca una trama potente ni giros sorprendentes y ahí reside su encanto: es un cómic contemplativo, más interesado en las emociones que en la acción, en capturar una etapa vital que en contar una historia cerrada. Cómic de mantita y sofá que he disfrutado enormemente.

La edición de Salamandra Graphic nos llega en rústica con solapas, 144 páginas y papel offset de calidad con un ligero tono hueso por 23,95€.

La barca de los cinco colores, reseña por Jose

En 2014, La barca de los cinco colores fue galardonada con el Gran Premio del Japan Media Arts Festival y, al año siguiente, obtuvo una nominación al prestigioso Premio Osamu Tezuka. Este mes de marzo, la editorial Gallo Nero nos trae esta magnífica adaptación al manga, en la que la mangaka Yoko Kondō traslada a viñetas el relato original de Yasumi Tsuhara con gran sensibilidad y alguna que otra aportación personal que, en palabras del propio Tsuhara: "me dejó boquiabierto".

Portada del manga.

Al terminar de leer este seinen, lo primero que me pregunté fue si Yasumi, autor del relato original y natural de Hiroshima, sería admirador de Philip K. Dick. Tras indagar un poco más en su biografía y su obra, ya no me queda ninguna duda. Fallecido en 2022, fue un escritor versátil que tocó múltiples géneros aunque destacó especialmente por sus relatos de ciencia ficción, horror y misterio. Entre sus obras más reconocidas se encuentra esta La barca de los cinco colores (Goshiki no fune), que obtuvo el gran premio en la categoría de relatos en los All-time Best Science Fiction de 2014.

La historia sigue a cinco marginados, personas con deformidades físicas, que sobreviven formando una troupe ambulante de “fenómenos”. Viven juntos en una barca, como una familia improvisada y disfuncional, recorriendo un Japón inmerso en la Segunda Guerra Mundial y sacando lo justo para sobrevivir mientras buscan al kudan, una criatura mítica capaz de profetizar el futuro.

Debo decir que  aunque parte de una premisa dura, personas autoexplotadas como espectáculo, la obra evita caer en el morbo y pone el foco en la dignidad, la ternura y la conexión emocional entre los protagonistas a pesar de la dureza en algunas de sus páginas. Cada uno carga con una historia trágica, pero la narrativa los muestra como individuos complejos y autónomos, no como víctimas.

Kazuo, el chico sin brazos.

La obra entrelaza realismo histórico con ecos del folclore japonés, como el enigmático kudán, y destellos de un mundo onírico que, curiosamente, y en mi opinión, queda más cercano al realismo mágico sudamericano o a la inquietante ficción de Philip K. Dick que a lo estrictamente "onírico". A través de sus páginas, aborda temas profundos: la exclusión social en Japón, el eterno dilema entre la familia biológica y la elegida, y preguntas universales sobre la inevitabilidad y el sentido de la vida (decididamente, esta reseña se está volviendo más filosófica de lo esperado).

No es un manga pensado para el consumo fácil ni para la ligereza, pero brilla por un desarrollo excepcional, personajes de enorme complejidad y un final que deja huella, de los que se quedan contigo después de cerrar sus páginas.

Otro mundo, otra barca.

Yōko Kondō, responsable de llevar el relato original a viñetas, es una mangaka japonesa nacida en 1957. Comenzó su carrera profesional en 1979 y se hizo conocida por obras inspiradas en la historia y el folclore japonés, así como por sus adaptaciones de clásicos de la literatura nipona. A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos galardones, incluido el reconocimiento por La barca de los cinco colores.

Aunque podría intentar definir su estilo, sería en vano: como ella misma explica, cambió por completo su manera de dibujar para adaptar esta historia, simplificando su trazo y capturando la sensación de fugacidad que atraviesa la obra. Fue la propia Kondō quien propuso al autor llevar su relato al manga, y el resultado dejó impresionados tanto a Tsuhara como a la crítica y al público (entre el que me incluyo). Quiero aprovechar para agradecer a la gente de Gallo Nero por hacer posible que esta obra llegara a las librerías de nuestro país. 

En mi opinión, una de las compras comiqueras obligadas de este mes de marzo.

 

La edición de Gallo Nero es en rústica con solapas, 208 páginas con papel offset de calidad ligeramente amarillento, un tamaño de 15 x 21 cm y un precio de 26€. 

Los 36 de La Madeleine, reseña por Jose.

Los 36 de La Madeleine fueron un grupo de guerrilleros españoles exiliados tras la Guerra Civil española que, el 25 de agosto de 1944, protagonizaron una sorprendente victoria frente a una columna nazi de la Wehrmacht, muy superior tanto en número como en equipamiento  en la encrucijada de La Madeleine, en Francia, cerca de Anduze. Bajo el mando de Cristino García, lograron bloquear el avance de las tropas alemanas, diezmar sus efectivos y capturar a los supervivientes con la ayuda de voluntarios locales.

Esta misma semana, los amigos de Cartem Cómics publican Los 36 de La Madeleine, un cómic guionizado por Rafael Jiménez, uno de los autores más prolíficos del cómic nacional actual, con el joven y talentoso Alejandro Lozano al frente de la parte gráfica.

Portada del cómic.

Los 36 de La Madeleine recupera un episodio real y poco conocido de la resistencia española en Francia. Conviene recordar que, a diferencia de lo que ocurre en nuestro propio país, los republicanos españoles que combatieron a los nazis reciben allí homenajes anuales y cuentan con numerosos monumentos que recuerdan su arrojo y su valor en el campo de batalla. No hay que olvidar, por ejemplo, que “La Nueve”, una compañía de la 2.ª División Blindada francesa formada por republicanos españoles exiliados, muchos de ellos extremeños, fue la primera unidad aliada en entrar en París el 24 de agosto de 1944 durante la liberación de la ciudad. 

Rafa Jiménez se lanza aquí a reconstruir una hazaña bélica que va mucho más allá del simple entretenimiento de guerra. Su guion convierte la batalla en un relato sobre la memoria: sobre cómo hay heridas que nunca terminan de cerrarse y sobre cómo, con demasiada frecuencia, el relato oficial acaba silenciando la historia real, como ocurrió con este puñado de guerrilleros.

El autor reconstruye el combate, la estrategia y las acciones que tuvieron lugar gracias a un minucioso trabajo de investigación. Al mismo tiempo, mediante flashbacks y las conversaciones entre los propios combatientes, vamos descubriendo sus historias personales, sus motivaciones y el camino que los llevó hasta allí. El resultado es un cómic que equilibra con acierto y elegancia la acción y la memoria histórica.

 

Componentes de Los 36. Fuentes señalan que también hubo dos mujeres entre ellos. Una aparece en la fotografía.

 

El trabajo de Alejandro Lozano es sencillamente maravilloso. Debuta en el mundo del cómic junto a Rafa Jiménez y su estilo me ha recordado bastante al de Paco Asenjo o Paco Roca en el trazo, aunque todavía con margen para pulirse. También me ha traído a la mente a Andrés G. Leiva (echadle un ojo a 15, publicado por Astiberri, y lo veréis). Incluso me atrevería a decir que, al ver en los extras algunas páginas en blanco y negro, me ha venido a la cabeza aquel Víctor Santos de los inicios en Los Reyes Elfos.

Alejandro se mueve como pez en el agua tanto en las escenas de acción como en los momentos más reposados de la narración. Además, realiza un uso del color tan inteligente como efectivo: rojo y negro para los flashbacks de la Guerra Civil, o blanco y negro para las escenas ambientadas en el campo de concentración.

Quiero destacar también algunas páginas que me han parecido especialmente sobresalientes: las dedicadas a la batalla del Ebro, los flashbacks de los campos de concentración o esa potente transición en la que la carga de la Wehrmacht se transforma en la de las tropas marroquíes que apoyaron a los sublevados durante La guerra civil. Una auténtica maravilla.

Una vez más, quiero destacar el sólido trabajo de documentación de Rafa Jiménez pero si tuviera que ponerle un único pero al cómic, sería que me habría gustado ver representada al menos a una de las dos mujeres que, según algunas fuentes, formaron parte del contingente de los 36. A diferencia de sus compañeros, ellas no fueron condecoradas con la Estrella de Plata y, con el paso del tiempo, sus nombres han quedado olvidados.

Para terminar, la edición de Cartem está a la altura de lo que cabía esperar de la editorial: tapa dura para las 88 páginas, más extras, que componen el volumen, papel offset de alto gramaje y un formato de 17 × 24 cm. Una edición estupenda para un comicazo que os recomiendo sin ninguna duda.

Los amigatos Hachi y Maruru, reseña por Jose

Los amigatos Hachi y Maruru (Tsureneko Maruru to Hachi) es un manga seinen (o shonen, no lo sé, mis hijos se lo leen también) de Yuri Sonoda que narra de forma divertida pero también realista la vida de dos gatos callejeros. Un slice of life gatuno en toda regla. Los protagonistas de esta historia son Maruru, un gato doméstico que se ha perdido y vive asustado en un mundo que no conoce y Hachi es un curtido gato callejero que ha aprendido a sobrevivir en la universidad de la calle. El líder del Distrito 3. Juntos deberán enfrentarse a los peligros de la vida callejera. 

La editorial encargada de traerlo a nuestro país ha sido Pika Ediciones.

Portada del volumen 1.

Lo cierto es que dentro del abundante catálogo de mangas de animales, en TDT nos hemos hecho muy fans de este Amigatos. No negaré que siempre he sido más de perros pero desde que mi madre tiene gatos pues también me gustan (Conansito, nombre que elegí yo, es mi favorito). Por otra parte, Juanjo siempre ha sido un fan gatuno y entró de cabeza en este día a día felino que nos han traído los amigos de Pika.

Uno de los grandes aciertos del manga es cómo evita caer en la idealización. La vida en la calle no es fácil: hay hambre, peleas entre gatos, abandono y una constante sensación de vulnerabilidad y peligro. Pero al mismo tiempo, Sonoda introduce pequeños momentos de ternura (la señora que da de comer a los gatos en el parque es un buen ejemplo) y mucho humor (¿por qué los humanos nos quitan las bolas, y qué hacen con ellas?) que equilibran el tono. El resultado es que acaba siendo para todos los públicos y vas de la sonrisa a la carcajada en cada entrega.

La relación entre los protagonistas funciona especialmente bien gracias al contraste entre ambos. Hachi representa la dureza y la experiencia; Maruru, en cambio, aporta inocencia y torpeza. A través de su convivencia, el manga habla de adaptación, confianza y apoyo mutuo sin necesidad de discursos explícitos. Todo se transmite a través de pequeños gestos, silencios y situaciones cotidianas. Y esto es solo el principio, conforme va avanzando la historia entran en juego numerosos secundarios tanto humanos como felinos que añaden complejidad a la trama.

Yasuo, el robagatos.

A partir del tercer volumen, los humanos y el refugio de gatos entran en escena. Lo que en un principio parecía una amenaza, ya que los gatos empiezan a desaparecer de las calles,  acaba revelándose como un lugar seguro para Hachi, Maruru y el resto de sus compañeros del Distrito 3. Cada uno de estos gatos arrastra una historia propia que iremos descubriendo poco a poco a través de flashbacks, episodios que ayudan a entender su carácter y las cicatrices emocionales (y físicas) que la vida en la calle les ha dejado.

Otro de los grandes aciertos del manga es su pequeño componente pedagógico. En cada volumen el lector puede aprender algo sobre el comportamiento de los gatos: cómo se relacionan entre ellos, las distintas personalidades que pueden tener, por qué reaccionan de ciertas maneras o incluso aspectos relacionados con su alimentación. Todo ello se presenta de forma ligera, mediante anécdotas y breves historias que funcionan como epílogo y sirven como extra al final de cada tomo.

En definitiva, estamos ante una obra modesta pero con mucho corazón, capaz de abordar temas duros sin perder nunca su calidez ni su sentido del humor. Una historia encantadora y divertida que atrapa tanto a los amantes de los gatos como a quienes, en principio, no lo son.

En Japón la serie cuenta actualmente con seis volúmenes publicados. En nuestro país, Pika Ediciones acaba de lanzar el quinto tomo y, si todo va según lo previsto, el sexto llegará en mayo. La edición se publica en formato tankōbon y a un precio de 8,50 €.

¡Distrito 3 for life!

El hombre invisible, reseña por Jose.

El Hombre Invisible, escrito por James Tynion IV y dibujado por DaNi, es un cómic de terror que reimagina a uno de los monstruos clásicos del cine de Universal Pictures. La historia explora la obsesión por obtener la fórmula de la invisibilidad y el progresivo descenso a la locura de Jack Griffin, el científico que acaba convirtiéndose en víctima (voluntaria) de su propio descubrimiento.

El personaje proviene de la célebre película The Invisible Man, una mezcla de ciencia ficción y comedia de terror estrenada en 1933 y basada en la novela homónima escrita por H. G. Wells. Con esta obra, Skybound Entertainment e Image Comics continúan ampliando su línea de cómics dedicada a reinterpretar a los monstruos más legendarios del cine clásico. En España, la editorial encargada de publicar estas nuevas adaptaciones es Moztros.

 

Portada del tomo recopilatorio de Moztros.

 

Esta adaptación, recién llegada a librerías, pone el foco en el proceso de investigación de la fórmula por parte del protagonista y en su progresivo deterioro mental. La historia se centra especialmente en el momento en que Griffin empieza a cruzar la frontera hacia el lado más oscuro de la ciencia: cuando decide probar su descubrimiento en seres vivos y comienza a traspasar todos los límites éticos y morales. De este modo, el cómic presta más atención a ese inquietante camino hacia la deshumanización que a los hechos posteriores, cuando ya ha probado la fórmula en sí mismo y da rienda suelta a sus atrocidades (aunque el proceso de investigación no está exento de ellas).

 

Nuestro distinguido protagonista.

 

«Siempre quise escribir esta historia», comentaba en una entrevista el propio James Tynion IV. Para hacerlo realidad se rodea aquí de la artista griega DaNi, una elección que, en mi opinión, resulta todo un acierto. Su estilo gráfico, muy expresionista, me recuerda por momentos la fuerza y el gusto por el claroscuro de autores como Eduardo Risso o mi adorado Mike Mignola, reforzando la atmósfera perturbadora y malsana de la historia. A ello se suma el magnífico trabajo al color de Brad Simpson, que completa una auténtica delantera de lujo para esta adaptación.

 

Claude Rains ¿caracterizado? para el filme de 1933.

 

Junto a Dracula, y a falta de leer la adaptación de La momia, esta es, sin duda, la entrega que más me ha gustado de la línea. Se nota que Tynion IV llevaba tiempo queriendo contar esta historia. El cómic mantiene un tempo narrativo muy bien medido, mientras que la atmósfera malsana y el horror rezuman en prácticamente cada viñeta. El trabajo de DaNi al dibujo y de Brad Simpson al color aportan además el grado justo de oscuridad y expresionismo que esta reinterpretación necesitaba.

Un auténtico must entre las novedades del pasado febrero, y que deja con ganas de más a la espera de que Moztros nos traiga la siguiente entrega de la línea: nada menos que El fantasma de la ópera.
En cuanto a la edición, Moztros mantiene su formato habitual: tapa blanda, 128 páginas en tamaño 17 × 26 cm y una cuidada galería de portadas como material extra. Todo ello por un precio de 18,90 €.

La espera, reseña por Jose

Con La espera, recientemente publicado por los amigos de Garbuix Books, Mario Trigo debuta como autor de cómics. No llega, sin embargo, desde fuera del ámbito cultural: durante siete años fue jefe de redacción de Altaïr Magazine, revista dedicada a la cultura viajera y la crónica periodística, y su trayectoria profesional también se ha desarrollado entre la ilustración y el diseño vinculados al mundo editorial y periodístico.

Portada del cómic.

La espera es un cómic de corte periodístico y ensayístico. La idea surgió hace más de diez años, durante un viaje a Riaño (Castilla y León) con la revista Altaïr para observar las nuevas camadas de lobos. El libro reconstruye aquel viaje y aquellos días de observación, pero Mario Trigo lo entrelaza con una reflexión más amplia sobre la figura del lobo como elemento cultural y protagonista de mitos, relatos y tradiciones populares, así como sobre la compleja convivencia entre el ser humano y este animal desde tiempos ancestrales y su conflictiva relación con la ganadería.

A lo largo del cómic, el autor también aborda la particular historia de Riaño y suma una dimensión más íntima al relato: su propia espera personal, ya que en ese momento estaba a punto de convertirse en padre.

El lobo en la cinematografía.

Algo que me encanta de este cómic, y que consiguió engancharme desde la primera página, es que se abre con la figura de Félix Rodríguez de la Fuente. El naturalista y divulgador español, fallecido trágicamente en 1980, fue uno de los grandes valedores (y posiblemente también el salvador) del lobo en nuestro país, al conseguir que se impulsaran una serie de medidas que contribuyeron a frenar su caza indiscriminada. En mi caso, además, sus programas y vídeos fueron decisivos para despertar mi interés por los animales y la naturaleza, creo que todos los niños de mi generación recuerdan El hombre y la tierra, su sintonía y esa sucesión de imágenes que abrían el programa.

Pero es que el lobo, como dice el autor, siempre ha sido el malo de la película, ¿quizá porque se parece mucho a nosotros? Ya decía Thomas Hobbes que "el hombre es un lobo para el hombre" pero quizá no había observado nunca el comportamiento de la manada como lo ha hecho el autor de este cómic: son solidarios, adaptables, incansables, cuidan de los suyos y, citando al autor: "son unos padrazos".

¿Es realmente el lobo el malo de la película?

¿Es realmente el lobo el malo de la película? La espera no ofrece respuestas cerradas, pero sí invita a replantearse muchas de las ideas que rodean a este superviviente: los intereses políticos, la biodiversidad, la crisis ecológica que tenemos encima —y que, debido al cortoplacismo y la falta de visión de muchos dirigentes, parece difícil de abordar—, la memoria de los territorios o la persistente construcción del lobo como villano. Todo ello contado, además, desde una mirada muy íntima por parte del autor.

El apartado gráfico es, por su parte, un auténtico despliegue de experimentación y variedad. Prácticamente cada página presenta una composición distinta, adaptándose a lo que Mario Trigo quiere transmitir en cada uno de los once capítulos que conforman el cómic.

Como colofón, el libro incluye un epílogo firmado por Marta Tafalla, doctora en Filosofía y profesora en la Universitat Autònoma de Barcelona que, bueno, casi es mejor descubrir por uno mismo.

 

La espera es uno de esos cómics que se leen con calma y que, una vez terminados, siguen viviendo rent free en tu cabeza, al estilo Taniguchi. Mario Trigo construye un relato que combina periodismo, ensayo y experiencia personal para acercarse a la figura del lobo desde múltiples ángulos, sin simplificaciones ni respuestas fáciles. Un debut muy sólido que demuestra hasta qué punto el cómic puede ser también una herramienta poderosa para pensar nuestro entorno, nuestra memoria y nuestra relación con la naturaleza. 

 

Garbuix nos trae las 176 páginas de este cómic en papel offset de calité, tapa blanda con solapas, 19×26 cm y un precio de 24,95€.

La profecía del armadillo, reseña por Jose

«Se denomina "profecía del armadillo" a cualquier previsión optimista basada en elementos subjetivos e irracionales, disfrazados de lógica y objetividad, y destinada a alimentar penas, decepciones y frustraciones por los siglos de los siglos. Amén.»

La profecía del armadillo es la obra debut del historietista italiano Zerocalcare (Michele Rech), que fue publicada originalmente en 2011. El cómic, de carácter autobiográfico como toda su obra, se convirtió rápidamente en un fenómeno cultural (y de ventas) en Europa gracias a la increíble capacidad de Calcare de combinar humor ácido, referencias generacionales y de la cultura popular con reflexiones existenciales sobre las incertidumbres y contradicciones de la vida adulta. 

Básicamente, los adultos somos como niños pequeños que hacemos como que sabemos lo que estamos haciendo pero en realidad, ni puta idea. Zerocalcare nos lo enseña a través de toda su obra.

Una cosa importante: el armadillo representa la conciencia del autor. 

 

Portada del cómic.

 

La historia comienza tras la noticia de la muerte de Camille, el primer amor (platónico) del autor. A partir de ahí, Zerocalcare reflexiona sobre la pérdida, los remordimientos y las oportunidades perdidas, acompañado por su conciencia: el armadillo. Este recurso, tan absurdo como brillante, funciona como catalizador humorístico y filosófico: el armadillo no solo comenta las decisiones del protagonista, sino que encarna sus miedos, contradicciones y mecanismos de evasión. 

Más allá de su tono desenfadado y su ritmo ágil, la obra destaca por su capacidad para mezclar cultura pop, ironía generacional y una sensibilidad sorprendentemente íntima. Zerocalcare retrata con precisión la ansiedad ante el futuro, el peso de las amistades que cambian con el tiempo y la culpa que emerge cuando el pasado irrumpe de forma inesperada. Bajo la capa de chistes y referencias frikis late una reflexión amarga sobre el duelo, la responsabilidad y el paso a la madurez. Es quizá por esta mezcla tan equilibrada y realista que ha conseguido conectar con el sentir de toda una generación y convertirse en su voz.

A solas con la conciencia.

 

Gráficamente ya sabemos como funciona Calcare: un estilo es expresivo y dinámico, con una narrativa visual clara que privilegia el ritmo y la fuerza del diálogo. Muy cinematográfica tanto en su ritmo como en los encuadres. No busca el virtuosismo técnico, sino la eficacia comunicativa, y ahí radica gran parte de su encanto: cada viñeta parece impulsada por la urgencia de contar algo personal y auténtico. 

Tal ha sido el éxito posterior cosechado por el italiano que ya se han producido una película de imagen real y dos series animadas: 

 

- La profecía del armadillo, (2018): Dirigida por Emanuele Scaringi, es una versión de imagen real que sigue a Zero, un joven de 27 años en el barrio periférico de Rebibbia (su barrio), em Roma.

- Series de Netflix: Aunque no llevan el mismo nombre, las exitosas series de animación "Cortar por la línea de puntos" (2021) y "Este mundo no me hará mala persona" (2023) están basadas en el universo y los personajes presentados en este cómic. 

 

La profecía del armadillo no es solo el debut de un autor que 15 años después se ha consolidado como uno de los mejores historietistas de nuestro continente, sino también el espejo de una generación que creció entre promesas incumplidas y trabajos precarios (tema que toca de lleno en Más allá de los escombros, 2018). 

Una lectura tan divertida como incómoda, capaz de hacer reír en una página y dejar un nudo en la garganta en la siguiente. Yo no puedo más que recomendarlo muy fuerte (a pesar de que he descubierto a Calcare como quien dice, hace dos días). Cuando entréis en su universo, no vais a querer salir.

 

Reservoir Books es la editorial que nos trae las obras de Calcare, este volumen, al igual que los demas, en tapa blanda con solapas, 142 páginas en papel offset de calité y un precio de 17,90€ 

Okinawa, el viento habla; reseña por Jose.

Okinawa fue la última gran batalla de la Segunda Guerra Mundial y una de las más sangrientas.

En el verano de 1945, con el conflicto a punto de llegar a su fin, el ejército estadounidense emprendió la toma de esta pequeña isla del archipiélago japonés en una campaña tan estratégica como brutal. Durante casi tres meses, Okinawa se convirtió en un infierno de fuego cruzado, bombardeos constantes y resistencia desesperada. El balance fue estremecedor: alrededor de 250.000 muertos entre civiles y militares, en su mayoría japoneses. Una cifra que revela no solo la magnitud del enfrentamiento, sino el sufrimiento de una población atrapada entre dos ejércitos.

Ahora, Reservoir Books recupera esa memoria en Okinawa, el viento habla, del mangaka Susumu Higa. A través de una serie de historias cortas basadas en testimonios y hechos reales, Higa pone el foco no en la estrategia militar sino en las cicatrices, visibles e invisibles que la batalla dejó en la población local.

Lejos de la épica bélica, la obra se adentra en el dolor cotidiano, en las decisiones imposibles y en el silencio posterior. Porque si algo demuestra este cómic es que, incluso cuando termina la guerra, el viento sigue hablando y recordando.

Portada del manga.

A lo largo de seis relatos devastadores, Higa nos sumerge en el horror de la Segunda Guerra Mundial en el frente del Pacífico, un escenario donde la épica bélica se diluye para dejar paso a la tragedia humana. Aquí no hay bandos heroicos ni discursos grandilocuentes: la guerra es una vasta escala de grises en la que, inevitablemente, la población civil siempre paga el precio más alto.

El maestro Higa no deja títere con cabeza en este compendio (ojo, no confundir con el volumen que publicó Norma el verano pasado). Desfilan ante nosotros soldados norteamericanos que violan y asesinan a mujeres y niñas locales, militares imperiales capaces de ejecutar a sus propios compatriotas o el azote implacable de la malaria, que siega vidas con la misma indiferencia que las balas. La violencia y la muerte no distinguen uniforme ni bandera.
Y, sin embargo, en medio de la barbarie, cada historia guarda un resquicio de humanidad. Un gesto, una mirada, un acto de compasión que resiste al odio. Porque incluso en el infierno, Higa encuentra un rayo de esperanza.

 

 Los horrores de la guerra. 

 

Susumu Higa nació en 1953 en Okinawa y ha dedicado buena parte de su trayectoria a explorar la memoria herida de su tierra natal. Su obra destaca por un enfoque humanista y crítico al abordar la historia reciente de Japón, en especial los episodios vinculados a la Segunda Guerra Mundial y la devastadora Batalla de Okinawa.

Lejos de los relatos épicos o patrióticos, Higa sitúa el foco en la vida cotidiana de la población civil durante el conflicto del Pacífico. Mujeres, niños y ancianos ocupan el centro de unas historias que retratan las consecuencias del militarismo japonés y la posterior ocupación estadounidense desde una perspectiva íntima, dolorosa y honesta. Con un estilo sobrio y depurado, evita el sensacionalismo y apuesta por una narrativa contenida que combina rigor histórico con una mirada compasiva hacia sus personajes.

Debutó profesionalmente a comienzos de los años setenta, vinculado al circuito de revistas alternativas y al manga de autor. Aunque en ocasiones se le ha relacionado con el gekiga por su tono adulto y realista, lo cierto es que su obra posee una identidad propia muy marcada, tanto por su temática como por su sensibilidad.

Higa convierte el cómic en una herramienta de memoria histórica: sus páginas están más cerca del testimonio y del compromiso ético que del entretenimiento bélico al uso. En ese sentido, resulta difícil no establecer un paralelismo con Paco Roca, otro autor que ha sabido utilizar la viñeta como vehículo para preservar la memoria colectiva.

En 2003 recibió el Gran Premio del Festival de Artes Mediáticas de Japón por Kajimunugatai, y su obra ha sido nominada a galardones internacionales de gran prestigio como los Premios Eisner y el Fauve d’Or de Angoulême.

La edición de Reservoir se presenta en tapa blanda con sobrecubierta, 320 páginas con un tamaño de 23,2 x 16,3 cm y un precio de 23,90 €.

Estamos a primeros de marzo, pero mucho tendría que torcerse la cosa el año para que este no termine siendo uno de los cómics imprescindibles de este 2026.