Látigo, reseña por Jose

Este mes de julio, los amigos de Laramie Ediciones rescatan las tiras de prensa de uno de los  personajes emblemáticos de Stan Lynde: Látigo. Látigo, recuperado por Laramie Ediciones por primera vez en España, reivindica la  capacidad narrativa de las tiras de prensa estadounidenses, cuando la aventura diaria debía condensarse en viñetas contadas sin perder ritmo ni emoción. (Maravilla las tiras de prensa de Conan, never forget).

Además, Látigo nos transporta lejos de ese western crepuscular de Peckinpah o Eastwood (sigo con los símiles cinematográficos) para devolvernos al western de Ford o Mann: un western brillante, con héroe impoluto, repeinado y una escala de valores intachable. 

 

Este volumen recopila dos historias del personaje incluida la que narra su origen: La senda de la venganza y es una estupenda puerta de entrada a la obra de Stan Lynde, uno de los grandes autores del western norteamericano.

Portada del volumen de Laramie.

Lo primero que sorprende al leer Látigo es comprobar lo moderna que sigue resultando la narración (recordemos que es un cómic de finales de los 70/principios de los 80): tiene una fluidez que hace olvidar rápidamente que fue concebida para una publicación diaria. Cada tira funciona como una unidad, pero la continuidad está tan bien construida que la lectura del conjunto resulta muy natural. 

La primera aventura, la de su origen, funciona casi como una novela de aprendizaje (a través de la tragedia personal, ni que decir tiene) El protagonista no nace convertido en leyenda, debe ganarse ese lugar. Comete errores, aprende, madura y descubre que en el Oeste, la justicia no suele coincidir con la ley, algo que resulta  atractivo porque evita convertirlo en un héroe invulnerable a pesar de su papel de héroe. Más que un pistolero extraordinario, Látigo es un hombre obligado constantemente a elegir entre distintas formas de hacer lo correcto en un entorno y una situación hostiles. Es esa humanidad la que mantiene vigente la obra décadas después de su publicación. 

La segunda aventura es un claro ejemplo de lo que comentaba más arriba: nuestro héroe dará con sus huesos en el calabozo para después ser elevado a los altares de la ley en un pueblo repleto de las clásicas referencias al oeste más clásico. Una gozada para quienes nos gusta el western clásico. 

Clasicismo gráfico.

Stan Lynde vivió el oeste. Nació en Montana en 1931, no mucho después de que el territorio recibiese la denominación de estado. Por aquella época las tribus de nativos americanos ya había sido "pacificadas" pero el salvaje territorio de Montana todavía se regía por las leyes del Oeste y Lynde creció entre ranchos, cowboys y reservas indias. Esa experiencia impregnó toda su obra y quizá explica por qué sus historias (novelas y cómics) tienen una naturalidad muy distinta a la de otros autores.

Con Látigo desarrolló un personaje diferente, más aventurero y algo más cercano al héroe clásico, aunque manteniendo siempre ese respeto por la realidad histórica del Oeste americano.
Quizá su mayor virtud como narrador es la economía narrativa. No desperdicia una sola viñeta: cada diálogo aporta información, cada plano hace avanzar la historia y, sobre todo, nunca pierde de vista que el verdadero protagonista del western no es el revólver, sino el conflicto moral. 

Gráficamente, Lynde es más elegante y austero que espectacular. El dibujo está al servicio de la historia con un trazo limpio y claro, además, el primer relato incluido en esta edición cuenta con el entintado del legendario Russ Heath, que aporta todavía más solidez y riqueza visual a unas páginas ya excelentes.

Stan Lynde.

Por último, y como he comentado en reseñas anteriores, hay que reconocer el mérito de Laramie Ediciones. Su catálogo se ha convertido en una auténtica reivindicación del western como patrimonio del noveno arte. Frente a la dictadura las novedades, la editorial está recuperando autores y series prácticamente inéditos en España o descatalogados desde hace décadas con ediciones cuidadas y respetuosas con el material original. La publicación de Látigo es un claro ejemplo de ello.

En definitiva, Látigo sigue siendo un magnífico cómic de aventuras. Su publicación en España no solo recupera a un gran autor, sino también una forma de entender el western: claridad narrativa, la elegancia gráfica y el saber que las mejores historias nunca envejecen.

Sin el barroquismo gráfico de Blueberry, el tono áspero de Comanche, o el revisionismo de Undertaker la pauesta de Lynde en Látigo  consiste precisamente en reivindicar el western clásico en estado puro 

La edición de Laramie nos llega en tapa dura con un tamaño de 17 x 24 cm en formato tiras de prensa. 104 páginas en papel offset de calité, blanco y negro y un precio de 19,80€.

Guerras y dragones vol. 1, reseña por Jose

"Cuando una guerra azota el mundo, los dragones despiertan y se unen a los héroes alterando el curso de la historia." Con una premisa así, ya me habían conquistado. Guerras y dragones era uno de los lanzamientos de Yermo Ediciones a los que más ganas les tenía este año. La propuesta es una auténtica gozadera: una ucronía bélica que combina la aviación militar, algunos de los conflictos bélicos más impoertantes del siglo XX y la fantasía épica con una facilidad sorprendente. Un cóctel explosivo en el que aviones de combate y dragones comparten el mismo cielo y que nos lleva inevitablemente a pensar en Arrowsmith. Las comparaciones son casi automáticas, aunque Guerras y Dragones pronto demuestra que tiene personalidad suficiente para volar por sí sola (pun intended).

En Francia, la serie corre a cargo de Soleil Productions, la editorial responsable de éxitos como Las Tierras de Arran y Ogon. La edición que publica Yermo reúne los dos primeros álbumes originales: La batalla de Inglaterra y La escuadrilla Lafayette. Ambos cuentan con guion de Nicolas Jarry, uno de los nombres más reconocidos del cómic fantástico francobelga, mientras que el apartado gráfico se reparte entre VAX (Vincent Cara), encargado del primer álbum, y la dupla formada por Lucio Leoni y Emanuela Negrin en el segundo. El resultado es un primer volumen que sienta las bases de un universo de lo más atractivo en el que la historia alternativa y la fantasía conviven con total normalidad.

 

Portada del primer volumen publicado por Yermo.

 

El primer álbum, La batalla de Inglaterra, es el más impactante de los dos. Ambientado durante uno de los episodios decisivos de la Segunda Guerra Mundial, nos propone una reinterpretación del enfrentamiento aéreo entre la RAF británica y la Luftwaffe alemana sustituyendo parte de la aviación por escuadrones de dragones. La historia avanza con un ritmo altísimo encadenando persecuciones, maniobras tácticas y combates aéreos espectaculares con un ritmo muy cinematográfico. Es una historia de acción que no pretende reinventar el género, pero sí ofrecer una versión distinta de uno de los episodios más conocidos de la Segunda Guerra Mundial con una trama familiar de fondo de lo más interesante ligada al despertar de los dragones que le da más empaque a la historia.

Aquí el interés no reside tanto en la sorpresa argumental (que también) como en el desarrollo del conflicto y el destino de los personajes principales. Nicolas Jarry demuestra conocer bien los códigos del relato bélico clásico y los adapta al componente fantástico. Las batallas mantienen la tensión: respetan principios militares como la superioridad aérea, la coordinación entre unidades o la importancia del terreno, añádele dragones y ya, miel sobre hojuelas.

 

El segundo álbum, La escuadrilla Lafayette, ambientado durante la Primera Guerra Mundial, resulta algo más clásico. Aquí pesa más el crecimiento del protagonista, la camaradería entre pilotos y el deseo de venganza que la pura espectacularidad. La épica deja espacio al drama personal y al sacrificio,  aporta un tono más emotivo al conjunto y deja claro que este universo admite registros muy diferentes al igual que ocurre en Historias de la guerra, de Garth Ennis. 

 

El dibujo de VAX en el primer álbum es espectacular.

 

Quiero dejar claro que la serie apenas se detiene a explorar las enormes implicaciones económicas, sociales o geopolíticas que tendría la existencia de dragones desde hace siglos. ¿Cómo habrían cambiado los imperios? ¿Qué efecto tendrían sobre la revolución industrial? ¿Cómo evolucionaría la tecnología? Son preguntas que el cómic apenas plantea.

Y para mí, lejos de ser un defecto grave, esto define claramente cuál es su objetivo: ofrecer entretenimiento palomitero de primer nivel antes que una reconstrucción histórica exhaustiva.  Acción, épica y espectacularidad visual. 

 

Y vaya si lo han conseguido, en La batalla de Inglaterra, el dibujo es puro espectáculo. Las escenas aéreas están magníficamente planificadas, las composiciones son dinámicas,  transmiten velocidad, altura y sensación de peligro constante. Los diseños de los dragones son fantásticos y cada tipo (no solo hay dragones voladores o escupefuego) está muy diferenciado del resto al igual que los de cada bando. Preparaos para algunas splash pages espectaculares.

En La escuadrilla Lafayette, el estilo es más más contenido y diferente favoreciendo la narrativa de personajes sin perder calidad en las secuencias de combate aunque exista una diferencia apreciable entre ambos equipos creativos en la parte gráfica.

 

Emanuela Negrin y Lucio Leoni tampoco son mancos.

 

Yo creo que la principal virtud de Guerras y dragones es su  capacidad para divertir (además de un apartado gráfico increíble). Es un cómic que entra por los ojos desde la primera página y que mantiene un ritmo muy alto y muy sólido durante toda la lectura.

La mezcla entre aviación militar y dragones funciona bien porque nunca parece arbitraria. Todo responde a una lógica interna muy consistente que hace que estés dentro desde el minuto uno.

En definitiva Guerras y dragones es un estupendo ejemplo de cómo una buena idea puede sostener una serie muy entretenida cuando está ejecutada con cierto oficio. Quizás no alcanza la sofisticación narrativa de Arrowsmith, ni la profundidad histórica de El piloto del Edelweiss, pero tampoco pretende competir en ese terreno: su objetivo es ofrecer una gran aventura bélica con dragones, y en eso acierta plenamente. 

La combinación de una premisa irresistible, un gran sintido del espectáculo y un apartado gráfico de gran nivel convierte este primer volumen en una de las propuestas más originales y entretenidas del catálogo reciente de Yermo.

 

Lo interesante de la colección es que no sigue una continuidad. Cada álbum funciona como una historia prácticamente autoconclusiva con protagonistas diferentes y ambientada en una guerra distinta. El verdadero hilo conductor es el universo compartido: en todos los grandes conflictos de la historia moderna despiertan dragones que se vinculan a determinados hombres y mujeres alterando el curso de los acontecimientos.

En Francia ya hay publicados tres álbumes más de este universo Guerras y dragones, esperemos que los amigos de Yermo nos los traigan pronto.

 

La edición, tan cuidada como siempre: 32 x 22.8 cm, para que luzca el dibujo, tapa dura y  papel de buen gramaje para las 127 páginas del álbum y un precio de 30€.

Habana Split 1, reseña por Jose

Abril de 1958. La Revolución Cubana entra en su fase decisiva con la convocatoria de la huelga general. Aunque la movilización fue brutalmente reprimida por la dictadura de Batista, su impacto político resultó determinante: el mando revolucionario quedó unificado bajo el liderazgo de Fidel Castro en la Sierra Maestra. Apenas un año después, Batista huía de la isla. La Revolución había triunfado.

Es en este contexto donde se desarrolla Habana Split 1. Bienvenidos a Cuba, publicado originalmente por Dupuis en 2025 y recién llegado a nuestro país de la mano de Nuevo Nueve este mismo mes de junio. Este primer volumen de la serie combina el género negro, la aventura y la comedia con un trasfondo histórico perfectamente reconocible.

Portada del cómic.

La premisa de Habana Split es tan sencilla y clásica como efectiva: en plena efervescencia revolucionaria, Lily Valdés regresa a Cuba tras varios años estudiando en Estados Unidos para reencontrarse con su padre, Arnaldo, un detective privado en horas bajas, adicto al juego y endeudado con Don Alfonso, un mafioso local. Para saldar la deuda y recuperar a Arnaldo, retenido como rehén, Lily deberá unir fuerzas con John, un exagente de la CIA, y José, el hombre para todo de la agencia de detectives. Su misión no será sencilla: secuestrar a la amante de un gánster rival de Don Alfonso. Un thriller tropical en toda regla. 

Lily.

A partir de ese planteamiento, la trama se convierte en un divertido rompecabezas donde intervienen la mafia habanera, antiguos agentes de la CIA, revolucionarios y toda clase de personajes ambiguos. El ritmo es muy dinámico, con constantes giros de guion y un equilibrio muy conseguido entre la acción, el humor y el suspense. 

El contexto histórico es mucho más que un simple decorado. La Habana aparece retratada como una ciudad vibrante, llena de casinos, corrupción, intereses estadounidenses y organizaciones criminales justo antes del triunfo de la Revolución Cubana. Mientras los protagonistas intentan resolver sus "problemas personales", somos testigos de cómo el país se encuentra al borde de una transformación radical. La presencia de la CIA, las tensiones políticas y los rumores sobre el avance de los rebeldes convierten la Revolución en un elemento  de fondo constante aunque sin eclipsar nunca el tono propio del relato. 

En conjunto, diría que Habana Split tiene la atmósfera de la Habana de El Padrino 2, el humor de Nuestro hombre en La Habana, y el tono aventurero de una mis películas favoritas de los 80: Tras el corazón verde, sin perder ni un ápice del sabor del cómic franco-belga clásico. Esa mezcla de géneros funciona como un tiro y me ha resultado tremendamente entretenida.

¿Os suena el señor de la barba?

El guion corre a cargo de Frédéric Brémaud (también conocido como Brrémaud), un prolífico autor francés con bastante experiencia en géneros tan diversos como la aventura, el humor y el cómic histórico. En Habana Split demuestra una gran habilidad para construir diálogos ágiles, personajes carismáticos y una trama que nunca (de verdad, ¿eh?) pierde el ritmo. Su narrativa bebe claramente del cine negro, del pulp y de las películas de aventuras clásicas, pero incorpora un humor desenfadado que evita que la obra tenga un tono excesivamente serio.

En el apartado gráfico destaca (y mucho) el trabajo de Vittoria Macioci, historietista italiana que compagina su trabajo como ilustradora y docente. Su dibujo resulta expresivo, elegante y muy cinematográfico. Los personajes tienen una gran personalidad visual (su estilo caricaturesco pero sin pasarse les sienta como anillo al dedo) y las escenas de acción se leen con enorme fluidez. El color, cálido y luminoso, transmite perfectamente la atmósfera tropical de la Cuba de finales de los años cincuenta, al tiempo que contrasta con la violencia y la corrupción que dominan la historia en cuyos pasajes predominan los tonos más oscuros. La ambientación urbana, los automóviles, los edificios coloniales y los locales nocturnos (ojo al mítico Copacabana) contribuyen a crear una recreación muy atractiva de aquella Habana previa a la revolución.

Habana Split 1. Bienvenidos a Cuba me ha parecido una de las lecturas más refrescantes y entretenidas del año. Su mezcla de cine negro, aventura, humor y contexto histórico funciona de maravilla, mientras que el espectacular trabajo gráfico de Vittoria Macioci termina de redondear un primer volumen que deja con muchas ganas de continuar la serie.

La edición española de Nuevo Nueve está muy en la línea habitual de la editorial: una edición cuidada, pensada para poner en valor el aspecto gráfico de la obra: tapa dura, un tamaño de 22 x 30 cm para que luzca el trabajo de Macioci y papel offset de alto gramaje para las 96 páginas del cómic con un precio de 25€.

Trojan, reseña por Jose

Año 2097, tras una guerra por el control del helio-3, la humanidad acaba al borde del colapso y, voluntariamente, las naciones de La Tierra ceden el control a una poderosa IA para que controle y gestiones los recursos del planeta. La humanidad vive un periodo de paz y prosperidad nunca antes conocido, viven en megaciudades y quienes se niegan a quedar bajo el control de la IA, se refugian en los bosques, son conocidos como los outsiders.

A pesar de que la criminalidad es prácticamente inexistente, hay una división que investiga los pocos delitos que se comenten más allá de las fronteras de las ciudades: Asuntos Externos. Nuestro protagonista, Fei, es uno de sus agentes. 

Con Trojan, el guionista David Pamies y el dibujante Orhan Gökçek construyen un atractivo thriller psicológico de ciencia ficción donde el misterio se entrelaza con la reflexión existencial y una cierta atmósfera noir. Recién publicado en nuestro país por Tengu Ediciones, el cómic arranca con el hallazgo de los cuerpos sin vida de dos hermanos gemelos a las afueras de una de estas megaciudades. Lo que comienza como una investigación policial rutinaria pronto trasciende los límites del género para adentrarse en un relato mucho más complejo, en el que recuerdos fragmentados, verdades ocultas y una realidad cuidadosamente construida revelan un mundo marcado por la manipulación, la violencia y el engaño. 

Portada del cómic.

Lejos de apoyarse en el espectáculo, Trojan construye su tensión a partir de la atmósfera y de la incertidumbre psicológica. La investigación sirve como vehículo para explorar cuestiones relacionadas con la identidad, la memoria, el trauma y la fragilidad de la percepción. La narración invita constantemente a preguntarse qué es real y qué ha sido manipulado, generando una sensación de desconcierto que recuerda a las mejores obras de la ciencia ficción especulativa. El resultado es una historia que recompensa una lectura atenta, un rompecabezas que presenta sus piezas de manera desordenada y que te enfrenta a cuestiones filosóficas sobre la verdad, la identidad y el sacrificio de la libertad en aras de la seguridad (un debate candente a día de hoy), además de la gran pregunta: ¿es buena idea dejar el control de la humanidad y sus recursos a una IA?.

 

Trojan se cuela dentro larga tradición de obras de ciencia ficción que utilizan escenarios especulativos para investigar la conciencia humana antes que para deslumbrar con el desarrollo tecnológico (aunque siempre está presente). Se me vienen a la cabeza Tokyo Ghost, The Private Eye o Upgrade Soul, todos ellos centrados en la relación entre identidad, sociedad y tecnología a través de historias personales. Si hablamos de literatura, recuerda inevitablemente a ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, de Philip K. Dick, por su fascinación por las realidades poco fiables y las verdades fabricadas.

 

En el terreno cinematográfico, Trojan comparte temática con películas como Blade Runner, Gattaca, Dark City o Ex Machina. Al igual que estas obras, utiliza la ciencia ficción no como un simple escenario, sino como un marco filosófico desde el que reflexiona sobre la identidad, el libre albedrío y la responsabilidad moral. La progresiva revelación de realidades ocultas y la atmósfera opresiva me han traído a la cabeza el Blade Runner 2049, de mi adorado Denis Villeneuve. 

Nuestro prota y la escena del crimen.

 

El ilicitano David Pamies demuestra un sólido dominio del ritmo narrativo y de la estructura. El guion equilibra el suspense, introspección, flashbacks y revelaciones evitando la tentación de ofrecer respuestas demasiado pronto. En lugar de ello, la historia va mostrándonos sus capas poco a poco; la profundidad emocional y temática emergen de manera natural junto al misterio principal (que acaba convirtiéndose en secundario). Su escritura resulta especialmente eficaz a la hora de construir un mundo lo bastante coherente como para parecer creíble y, al mismo tiempo, inquietantemente extraño bajo su superficie impecable. Desde la primera página tienes esa sensación "aquí pasa algo", lo que, al menos en mi caso, me ha hecho sumergirme totalmente en la lectura del cómic y estar atento a cada detalle. Aun así, he de admitir que las revelaciones finales me cogieron bastante desprevenido y me hicieron disfrutar (más si cabe) del final de la obra.

 

El trabajo gráfico de Orhan Gökçek es fundamental en la obra. Sus páginas transmiten una constante sensación de inquietud gracias, en parte, a la expresividad de los personajes, a una composición de página muy cinematográfica y unos escenarios que van de la perfección aséptica a la decadencia que reina fuera de las ciudades. Más que limitarse a ilustrar el guion, el dibujo participa activamente en la narración, utilizando el ritmo visual, el encuadre y la atmósfera para reforzar la tensión. 

 

Me encanta el estilo de Gökcek, más enfocado en la expresividad y la atmósfera que en el virtuosismo "académico". Me recuerda a mis admirados Sean Phillips y Matteo Scalera, además, hace un uso del color extraordinario según convenga a la historia.

Me encanta esta primera página del cómic.

 

Creo que Trojan es una muy buena incorporación al cómic de ciencia ficción europeo y también al noir, por qué no, mezcla ambas temáticas. Es un thriller absorbente, accesible, con reflexiones filosóficas actuales más que interesantes y un apartado gráfico de sobresaliente.

 

La edición de Tengu nos llega en tapa dura para las 148 páginas (con extras) de papel satinado, un tamaño de 19 x 27cm y un precio de 26€.

Además, el circuito impreso que aparece en la portada brilla en la oscuridad :) 

 

Agujero negro, reseña por Jose

Hablar de Agujero negro (Black Hole) es hablar de uno de los cómics más importantes de las últimas décadas. Publicada originalmente en doce entregas entre 1995 y 2004 y recopilada posteriormente en un único volumen, la obra de Charles Burns se ha convertido en un referente del cómic contemporáneo gracias a su capacidad para combinar el body horror, el drama psicológico y el relato de iniciación. Bajo la apariencia de una historia de horror, Burns construye una reflexión sobre la adolescencia, el despertar sexual, las drogas, la identidad y el miedo a convertirse en alguien distinto de quien uno creía ser. 

Este pasado mayo, nos llegaba desde La cúpula una nueva edición en tapa dura, mayor tamaño y extras. Una auténtica delicatessen para esta joya del underground.

 

Portada.

 

La historia transcurre en Seattle durante la década de los 70, donde comienza a propagarse una extraña enfermedad de transmisión sexual conocida simplemente como «la plaga». A diferencia de cualquier epidemia convencional, esta enfermedad no mata ni incapacita a quienes la contraen, sino que provoca mutaciones físicas diferentes en cada persona. Algunos desarrollan pequeñas deformidades que pueden ocultar con facilidad, mientras que otros sufren transformaciones grotescas que los convierten en auténticos marginados, obligándolos a abandonar sus hogares y a refugiarse en los bosques que rodean la ciudad creando una sociedad en la sombra. 

La comunidad de adolescentes deformados que habita los bosques recuerda sin duda a los Morlocks de H. G. Wells: un grupo de seres apartados del mundo "civilizado" y obligados a desarrollar su existencia al margen de la sociedad. Sin embargo, mientras Wells utilizaba a los Morlocks como una alegoría de la lucha de clases y de la deshumanización provocada por la Revolución Industrial, Burns convierte a sus marginados en una metáfora del rechazo social, la diferencia y las heridas que deja el paso a la edad adulta. En Agujero negro, los monstruos no son quienes viven en el bosque, sino la sociedad que los ha expulsado de ella.

 

Burns nunca intenta explicar científicamente el origen de la enfermedad ni convertir la historia en un misterio médico. La plaga (de transmisión sexual) funciona desde el principio (como ya he dicho) como una metáfora del paso a la edad adulta y de todos los cambios físicos y emocionales que acompañan a ese proceso a la vez sirve para contarnos las historias de cuatro adolescentes: Rob, Chris, Keith y Eliza cuyas vidas se entrecruzan en la obra.

 

 Anuario de deformidades.

 

Toda la historia se desarrolla en una atmósfera parcialmente onírica. Los sueños, las alucinaciones (provocadas por el consumo de drogas y por qué no decirlo: por la calentura de los adolescentes protagonistas de la historia) y las imágenes simbólicas aparecen constantemente sin que Burns establezca una frontera clara entre realidad e imaginación. Esta ambigüedad narrativa le da un toque surrealista a la obra y obliga al lector a interpretar muchas de sus escenas desde un punto de vista emocional más que racional. Burns no ofrece respuestas definitivas y claras, transmite sensaciones abiertas, en parte, a la interpretación del lector, lo cual le da al cómic un puntito más de exigencia hacia el lector, algo que siempre me ha gustado.

 

Lisergia.

 

En el apartado gráfico, Agujero negro constituye una auténtica lección de narrativa visual. Charles Burns tiene, sin duda, uno de los estilos más reconocibles del cómic estadounidense. Su dibujo, íntegramente en un blanco y negro de enorme contraste, combina una línea limpia con una precisión casi quirúrgica. Imágenes elegantes y aparentemente sencillas generan una sensación de inquietud muy intensa. Precisamente el contraste entre la limpieza del trazo y la violencia de las imágnes convierte la lectura de cada página en una experiencia perturbadora por momentos.. El uso de las sombras, los silencios y la composición transmite tanto como los diálogos, demostrando que Burns tiene un dominio absoluto del ritmo narrativo.

 

Evidentemente, Charles Burns entra dentro del ámbito de autores como Daniel Clowes, Chris Ware, Craig Thompson o los hermanos Hernández, lo mejorcito del underground americano, y fuera del medio a mí personalmente me recuerda al mejor Lynch o a Cronenberg por momentos.

 

En conjunto, Agujero negro es una obra que trasciende las etiquetas del género de terror. Su verdadero interés no reside en las mutaciones ni en el misterio de la enfermedad, sino en la manera en que utiliza esos elementos para hablar de la experiencia universal del crecimiento y el paso a la madurez. Burns consigue convertir la adolescencia en una auténtica pesadilla física sin perder nunca de vista la humanidad de sus personajes. El resultado es un relato inquietante, bello y por momentos, melancólico con muchas relecturas y cuya fuerza simbólica permanece intacta años después de su publicación. 

 

Esta nueva edición de  La cúpula llega en tapa dura, formato grande (18.2 x 26 cm), 412 páginas de papel offset de alto gramaje, cantos tintados de negro y extras al final del tomo con un precio de 39,90€.

 

 

Mundial 82, reseña por Jose

Mientras el Mundial de Fútbol de 2026 acapara titulares, redes sociales y millones de pantallas por todo el planeta, resulta inevitable echar la vista atrás y recordar aquel verano del 82 en el que España vivió su primera Copa del Mundo. En ese viaje al pasado nos acompaña Mundial 82. Naranjito, recuerdos y coleccionables, de Vicente Pizarro, recién publicado por Diábolo Ediciones; un auténtico homenaje a una época en la que el fútbol era mucho más que noventa minutos: era ilusión, cromos, juguetes, anuncios, camisetas (sin los nombres de los jugadores) y una mascota que terminó convirtiéndose en un icono de varias generaciones (yo creo que todos los niños de aquella generación tuvimos aquel minijuego de bolas de Naranjito, el álbum de cromos del mundial o el puzzle de Sport Billy). El libro recopila con detalle la historia, el impacto y el inmenso universo de merchandising que surgió alrededor del Mundial de España 82. Una obra imprescindible para cualquier amante del coleccionismo, la cultura popular o simplemente para aquellos niños que vivimos un mundial, que se jugaba en parte en nuestra ciudad, como solo puede vivirlo un niño en un hogar futbolero.

Portada del libro.

Hace un par de días, jugaba en Boston Escocia contra Brasil y los bostonianos flipaban con la hinchada escocesa desfilando hacia Fenway Park en kilts y templando gaitas. Yo recuerdo (no con demasiada nitidez) aquel caluroso junio del 82 en el que Escocia y brasil se enfrentaban en el Benito Villamarín y cientos de escoceses tomaban el Paseo de la palmera y el Parque de Maria Luisa también con sus kilts y también con sus gaitas, un auténtico espectáculo. 

y es que leer este libro mientras se disputa el Mundial de 2026 tiene un encanto especial. Hoy disfrutamos de estadios futuristas, retransmisiones en 4K, estadísticas en tiempo real, inteligencia artificial analizando partidos y futbolistas superestrellas convertidos en marcas andantes con cientos de millones de seguidores en redes sociales. En 1982, en cambio, bastaba un álbum de cromos, una pelota de plástico y unas porterías improvisadas con dos mochilas para sentirse parte del Mundial. La diferencia tecnológica es abismal, pero la emoción que despierta el fútbol sigue siendo exactamente la misma y Vicente Pizarro ha sabido recogerla en las 272 páginas de esta obra.

El espíritu del fútbol ochentero en una sola imagen.

Otro de los grandes aciertos del libro es mostrar cómo el merchandising ha evolucionado hasta convertirse en una industria gigantesca. Si hoy encontramos zapas exclusivas, ediciones limitadas, NFT, colaboraciones de lujo y todo tipo de productos oficiales, en 1982 Naranjito conquistó absolutamente todo: álbumes de cromos, muñecos, llaveros, puzzles, pegatinas, juegos de mesa, camisetas, relojes y caramelos. Era imposible entrar en una tienda sin encontrarse con aquella naranja sonriente, que terminó siendo mucho más recordada que la propia actuación de la selección española: eliminados en segunda ronda...

Hoy día, comprarse una camiseta de la selección (la versión fan) te cuesta cerca de 150 euros de vellón si la quieres con nombre, número y parches. No cabe duda de que le fútbol ha pasado de ser simplemente un deporte a, por desgracia, convertirse en un negocio que mueve miles de millones de euros. El fútbol ha crecido como espectáculo, pero quizá ha perdido parte de aquella inocencia que desprendían los mundiales de antaño.

Los personajes de "Fútbol en acción".

El libro de Vicente Pizarro no se limita a enseñar objetos antiguos; consigue despertar recuerdos. Cada fotografía, cada anuncio y cada pieza de coleccionismo funciona como una pequeña máquina del tiempo (copyright al CM de Panini) que transporta al lector a un verano que muchos vivieron y otros descubrirán con curiosidad. Es uno de esos libros que se hojean lentamente porque cada página invita a detenerse unos minutos para sonreír y pensar: "¡Yo tenía eso!". 

Se nota el gran trabajo de documentación y el cariño con el que está hecho este libro. Incluso quienes no vivieron el Mundial del 82 seguro que van a disfrutar de este retrato de una España que empezaba a abrirse al mundo después de 40 años de dictadura y que convirtió un campeonato de fútbol en un fenómeno social y cultural difícil de repetir. 

El zaragozano Vicente Pizarro, una vez más, nos trae un estupendo libro que se une a sus anteriores sobre cultura pop publicados por Diábolo con una edición ya clásica en la editorial: tapa dura, 272 páginazas, un tamaño de 17 x 24 cm y una impresión de calidad para disfrutara tope de la gran cantidad de fotografías que ilustran la obra. Un auténtico libro de consulta y coleccionismo para disfrutar con amigos con un precio de 27,95€.

Arconada, Gordillo, Zico, Sócrates, Rummenige, Platini y mi favorito: Paolo Rossi son algunos de los mejores jugadores de aquel inovidable (al menos para mí) Mundial del 82 y por supuesto: Naranjito, una mascota que sigue ganando por goleada a la mayoría de las mascotas actuales décadas después de colgar las botas.

No me da la vida, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo, nos llegaba de la mano de Salamandra Graphic el debut en el cómic para adultos de Danicollaterale, pseudónimo del autor italiano Daniel Pasin. Arquitecto de formación (y profesión) decidió dar el salto al mundo de la historieta como han hecho autor@s como Marta Kayser, Agustín Ferrer Casas o Manuele Fior (Hypericon). No me da la vida. Crónica de un arquitecto en prácticas es una obra inspirada en la experiencia del propio autor como arquitecto en prestigiosos estudios internacionales que pone el foco en la hiperproductividad, la cultura del trabajo y en cómo el vivir para trabajar puede acabar dejándote sin vida pero también es, sin duda, un retrato apasionado de la profesión, enmarcado por la arquitectura parisina. 

Portada del cómic.

La historia sigue a Enzo, un joven arquitecto italiano que consigue una beca en un estudio de arquitectura de renombre internacional. Lo que inicialmente parece el primer paso hacia una carrera brillante pronto se convierte en una carrera de fondo contra los plazos imposibles, las jornadas interminables y una cultura empresarial donde dormir, como diría Gordon Gekko, es para los débiles (porque comer, comen como si no hubiera un mañana). Mientras el estudio prepara un ambicioso proyecto para un concurso internacional, Enzo y sus compañeros van sacrificando progresivamente su tiempo, sus relaciones personales y, en algunos casos, su salud mental. Todo ello por la promesa de un futuro profesional que nunca termina de concretarse. 

"¿Te sabes la de vivir para trabajar"? Esta frase podría resumir este cómic. Danicollaterale nos muestra un sistema donde el trabajo deja de ser una parte de la vida para convertirse en su totalidad. La obra cuestiona esa idea tan extendida de que, si amas tu profesión, cualquier sacrificio está justificado. En sus páginas aparece una generación que ha interiorizado que trabajar doce horas al día es ambición, responder mensajes durante las vacaciones es compromiso y encadenar estrés con ansiedad es, aparentemente, una forma avanzada de desarrollo profesional. El resultado es una sátira amarga sobre una sociedad que confunde la explotación con la vocación aunque nuestro protagonista parece disfrutar de su situación a pesar de todo. Afortunadamente, las nuevas generaciones están abandonando esa idea de la romantización de la explotaciçon aunque el lobby hostelero y el presidente de la CEOE quieran vendernos lo contrario.

El ecosistema de trabajo.

El estudio de arquitectura está habitado por personajes tipo: el jefe cabrón, los compañeros de trabajo buena gente, el pelota, el enchufado...todos son piezas del enorme engranaje laboral en el que Enzo es el recién llegado, lleno de ilusión y ganas. Todos personajes absolutamente reconocibles dentro de nuestro entorno laboral cotidiano. El hecho de que el cómic esté basado en las vivencias del autor le da más credibilidad si cabe: anécdotas reales y personajes tipo como el propio Danicollaterale se encarga de aclararnos al inicio de la obra.

El despiadado mundo de la búsqueda de empleo.

En el apartado gráfico, Danicollaterale desarrolla un estilo muy personal influido por el lenguaje de la arquitectura. Las páginas están llenas de líneas precisas, composiciones cuidadosamente construidas y diseños que transmiten orden y control. La mismísima primera página del cómic es ya una declaración de intenciones con esa página completa que es la salida del metro de París en el distrito 11: las curvas del diseño modernista de la estación de metro frente a la rigidez de las líneas neoclásicas de los edificios de París. Enzo frente al mundo.

Además, las composiciones de páginas y las soluciones narrativas (además de la rapidez) nos consiguen transmitir esa idea de estrés, de velocidad y de tener que terminar el trabajo a tiempo en un entorno laboral que acaba siendo un protagonista más de la historia. 

 

No me da la vida es una obra inteligente y actual, no solo es una crítica a la explotación laboral y su romantización sino que también es una crítica a la precariedad laboral, el precio de la vivienda y el enchufismo. Un muy buen cómic en un momento muy apropiado.

 

La edición de Salamandra Graphic está muy cuidada: tapa dura para las 208 páginas en papel offset de calidad, un tamaño de 25,6 x 20,1 cm y un precio de 27,95€

La cita, reseña por Jose

Esta pasado mes de mayo, Andana Gráfica nos traía el debut comiquero (en castellano) del autor valenciano Pau Valls: La cita, previamente publicado en catalán por Finestres. La ópera prima de Valls es una comedia negra en apariencia sencilla y cotidiana que acaba convirtiéndose en una reflexión sobre el azar, las decisiones vitales y la imposibilidad de controlar el rumbo de nuestras vidas y nuestro destino Una obra que me recuerda al underground americano, el universo de los hermanos Coen y a Tarantino. Un debut sorprendente y que tengo que decir que he disfrutado muchísimo.

Portada de la edición en castellano de Andana gráfica.

La historia arranca con una premisa de lo más habitual y mundana: Héctor, un conserje de colegio solitario, que ronda los 40 y que aún vive con su madre, se dirige a una cita a con una mujer que acaba de conocer a través de una aplicación de citas. Al mismo tiempo, Víctor, en deuda con un mafioso local, transporta un cadáver que debe hacer desaparecer. Un accidente de coche entre ambos desencadena una cadena de acontecimientos tan absurdos como grotescos que les obliga a compartir un viaje (a pie y transportando el cadáver) tan incómodo y rocambolesco como revelador. A través de flashbacks, Valls reconstruye las vidas de los dos protagonistas y muestra cómo una sucesión de pequeñas decisiones y casualidades los ha conducido hasta ese encuentro imposible. 

Por tono y temática, lo primero que se me vino a la cabeza fueron los Fargo y Quemar después de leer de los Coen: personas normales y corrientes envueltas en situaciones delictivas (y muy locas) que escapan a su control y un final, bueno, mejor descrubridlo vosotr@s mism@s.

Partners in crime.

Gráficamente, Valls apuesta por la línea clara y los colores planos. Una economía totalmente al servicio de la narrativa que también se evidencia en la ausencia de diálogos supérfluos priorizando los silencios y esa extraña expresividad con la que Valls dota a los personajes con su particular estilo heredero de los Clowes y Ware, referentes modernos del underground americano.

Y es que Pau Valls, a pesar de estrenarse en el mundo del noveno arte con este cómic, tiene una amplia trayectoria como ilustrador, autor de fanzines y literatura infantil. Este debut promete y ya estamos deseando saber cuál será su próximo trabajo en el mundo del cómic. 

Pocos primeros encuentros como este.

La edición de La cita que publica Andana Gràfica está bastante cuidada y encaja bien con la línea editorial de comiquera que el sello valenciano viene desarrollando en los últimos años: rústica con solapas, 152 páginas en papel offset de calité a color, un tamaño de 17 x 24 cm y un precio de 24€.

 

La cita tiene humor negro, suspense, personajes memorables y una construcción narrativa con un balance perfecto entre la historia principal, los flashbacks y algunos secundarios que podrían haber dado (en mi opinión) un poquito más de juego. 
Pau Valls entra de lleno en el mundo del cómic nacional con esta magnífica carta de presentación. 

Penélope, reseña por Jose

"Una de cada cuatro personas acabará teniendo un problema de salud mental. Los trastornos mentales se han erigido como una realidad incómoda que afecta a más de mil millones de personas en el mundo. El estigma que rodea a las personas con estos trastornos aún es palpable en la sociedad. De ahí la necesidad de tener mayor información acerca de estos trastornos".

A finales del pasado 2025 y Verkami mediante, llegaba a nuestras librerías Penélope, proyecto en solitario del historietista catalán Abel Carrasco que publicaron los amigos de Maldragón.

Penélope es un cómic muy personal y con tintes autobiográficos en el que Abel Carrasco aborda el tema de la salud mental desde una perspectiva íntima y fantástica. La obra sigue a Penélope, una cantante de rock que es ingresada en un hospital tras sufrir un brote psicótico propiciado por el abuso del alcohol, las drogas y la falta de sueño después de pasar por una experiencia traumática. A partir de ese momento, el relato se convierte en una ordalía por los límites de la conciencia y el inconsciente donde la protagonista se enfrentará tanto a su realidad cotidiana como a un complejo y fragmentado universo interior poblado por símbolos, miedos y representaciones de su propia psique. 

 

 

Portada del cómic.

 

La temática central del cómic gira en torno a los trastornos mentales, el sufrimiento psicológico y la búsqueda de la identidad y el equilibrio mental. Sin embargo, Carrasco no plantea la enfermedad desde un enfoque puramente clínico sino que, en lugar de ello, construye una alegoría de fantasía oscura en la que los conflictos emocionales adquieren forma física y narrativa. La fantasía heroica, los personajes simbólicos y los mundos paralelos funcionan como metáforas del diálogo y la lucha internos que mantienen quienes atraviesan episodios de fragilidad mental. La obra también reflexiona sobre la vulnerabilidad, la percepción de la realidad y la dificultad de distinguir entre lo real y lo imaginario.

 

Al dejar clara desde un principio la intención de este cómic, resulta mucho más accesible para el público general, las metáforas están ahí, visibles y claras: fobia, deseo o los paladines ilustran de manera clara y sencilla esta enfermedad y cómo enfrentarla. Pero la historia no transcurre exclusivamente en este mundo fantástico (que es la mente de nuestra protagonista), también somos partícipes de cómo se ve desde fuera la lucha interior de Penélope y esas armas (extra) que son su familia, amigos y profesionales médicos que la tratan y sin quienes sería muy difícil, por no decir imposible, salir de ese agujero.

 

Cuando los monstruos están en el interior.

 

En el apartado gráfico, Penélope destaca por su gran fuerza visual. Carrasco combina una estética cercana a la fantasía épica con una puesta en escena oscura y muy emocional. Sus personajes son expresivos y está muy bien definidos. El dibujo favorece la inmersión en el estado psicológico de la protagonista, alternando momentos de acción increíbles: las secuencias de combate en el mundo onírico son puro espectáculo y traducen visualmente los conflictos internos de la protagonista, con escenas más introspectivas cargadas de atmósfera y serenidad. La influencia de la ilustración fantástica está ahí y se percibe tanto en la composición de las páginas como en la construcción de criaturas y escenarios que representan emociones y conflictos internos. Ya pudimos ver una buena muestra de ello en, por ejemplo, Ojos de tormenta, también publicada por Maldragón como un Spin off de Monstruos Ibéricos.

 

Abel Carrasco es un experimentado ilustrador e historietista:  formado en escuela La Joso de Sabadell, ha trabajado para el mercado español y francobelga fue el ilustrador oficial del Festival de Cine de Terror de Sabadell durante años y recientemente ha publicado Eonn, Ojos de tormenta y este mismo Penélope con la editorial Maldragón.

 

Penélope es una obra honesta, didáctica y tremendamente disfrutable. Abel Carrasco nos hace partícipes de su propia experiencia personal al haber sufrido un brote psicótico años atrás. La mezcla de fantasía y salud mental me resulta realmente efectiva: evita caer en el didactismo puro y apuesta por transmitir sus propias sensaciones y vivencias.

 

La edición de Maldragón es en cartoné con un tamaño de 29,5 x 22,5 cm (un tamaño que hace que el apartado gráfico luzca increíble), papel semisatinado y 168 páginas con extras con un precio de 26€.

Outline, reseña por Jose

Outline, de Michèle Fischels y recién publicado por los amigos de Reservoir Books, es un  cómic de iniciación que retrata con gran sensibilidad (y acierto) el último año de instituto de tres amigos Ben, Clara y Andreas, en el periodo previo al examen de acceso universitario en Alemania. A través de sus relaciones afectivas, sus amistades y sus incertidumbres sobre el futuro, la obra aborda ese momento en el que la adolescencia empieza a quedar atrás mientras la vida adulta aún no ha tomado forma y llega, por primera vez en la vida, la pregunta: ¿y ahora qué?

Portada de la edición de Reservoir Books.

La autora centra su atención en los sentimientos de incertidumbre que acompañan el final de una etapa vital pero más que contar grandes acontecimientos, Outline se interesa por las pequeños roces que surgen entre amigos y parejas: la relación entre la relación de amistad entre Ben y Andreas y el deterioro que sufre al empezar a salir juntos Ben y Clara, los deseos que permanecen sin expresar (no hago spoilers) y por el miedo a un futuro lleno de posibilidades, de responsabilidades y también, de inevitables despedidas. El resultado es un retrato generacional que logra ser muy específico y, al mismo tiempo, totalmente universal. 

Uno de los grandes aciertos del cómic es su enfoque narrativo: Fischels evita explicaciones directas y prescinde casi por completo de una voz narradora. La historia se construye a través conversaciones cotidianas, silencios, gestos y miradas (me encanta esa escena casi al final entre Ben y Andreas). Esta estrategia permite que los conflictos emocionales aparezcan de forma natural y creíble, alejándose del melodrama habituale en muchas historias juveniles sobre el paso a la madurez. 

Ben y Andreas.

En el apartado gráfico, Fischels apuesta por un dibujo aparentemente sencillo pero elegante y suelto, muy fluido y con una composición muy cuidada de las páginas y una gran capacidad para transmitir atmósferas. Los espacios abiertos, los juegos de luz y una paleta cromática contenida (que cambia según la estación del año) contribuyen a reforzar la sensación de transición e indefinición que experimentan los protagonistas. El estilo visual evita el exceso de detalle para centrarse en las emociones ( es un dibujo muy expresivo) y en el ritmo de las escenas.

A mí personalmente, el estilo de Fischels me ha recordado a Tillie Walden pero con un trazo un poqiuto más suelto en la línea de Sebastian Vivès. Muy contemporáneo y muy indie.

 

Por terminar: Outline es un estupendo cómic de iniciación que abraza las dudas (y el aprender a vivir con ellas) más que las certezas; un debut comiquero por parte de la autora (ganadora del Luchs-Jahres-Preis2024) lleno de emotividad, con una gran narrativa y que trata con honestidad, delicadeza y mucho savoir faire esta etapa tan compleja en la vida y tan llena de inseguridades como es el tránsito a la madurez.

¡Wasabi: picante hasta el final! 

La edición española de Outline publicada por Reservoir Books sigue la línea habitual de la colección Reservoir Gráfica: rústica con solapas, 208 páginas a color con un tamaño de 21,9 x 16,8 cm y un precio de 21,90 €. La traducción corre a cargo de Esther Cruz Santaella.  

El batir de sus alas, reseña por Jose

El batir de sus alas, cuyo título original es Habataki -Ein Märchen- es un manga autoconclusivo recién publicado por los amigos de Moztros, de la autora japonesa Ikuko Hatoyama que combina fantasía, surrealismo y drama juvenil en esta adaptación del relato original del conocido novelista nipón Tatsuo Hori. La historia sigue a Gigi, un joven fascinado por Zigomar, un famoso ladrón de ficción, que decide transformarse en un palomo ladrón para alterar la tranquilidad de un pequeño pueblo. Lo que comienza como un juego de identidad y travesura acaba derivando en una narración bastante más compleja, donde la frontera entre la representación teatral (en la que se verá atrapado nuestro protagonista), la fantasía y la realidad se vuelve cada vez más difícil de discernir.

Portada de la edición de Moztros.

Uno de los mayores atractivos de la obra es la forma en que aborda temas como la construcción de la identidad, la búsqueda de la libertad y la tensión entre el individuo y el papel que la sociedad espera que desempeñe. Gigi actúa como un personaje que intenta reinventarse a sí mismo, pero su transformación también lo enfrenta a las consecuencias de sus actos y a la imposibilidad de escapar de su propia naturaleza. La obra explora también la nostalgia, el deseo de evasión y la fragilidad de los sueños, todo ello envuelto en un tono de fábula melancólica y simbolismo donde los silencios dicen tanto o más que los propios diálogos de los personajes.

La búsqueda de la identidad y la libertad, los dos grandes temas de la obra.

Como decía al principio, este manga adapta un relato del escritor japonés Tatsuo Hori, autor destacado de la literatura japonesa contemporánea. Hori es conocido por su sensibilidad poética y por su interés en la belleza, la memoria y la melancolía. 

Hatoyama no se limita a trasladar la historia al formato manga, la reinterpreta mediante un lenguaje visual muy personal, respetando el espíritu literario original mientras introduce elementos simbólicos y una atmósfera aún más onírica. 

 

En el apartado artístico, El batir de sus alas destaca por un dibujo delicado y expresivo. Hatoyama emplea trazos finos, composiciones cuidadas y una puesta en escena que recuerda (a veces) a una representación teatral. Sus características palomas acaban siendo una herramienta para reforzar el tono alegórico de la narración (John Woo aprueba este manga). Los espacios abiertos, los silencios y el ritmo pausado contribuyen a crear una atmósfera contemplativa que invita a la reflexión y la introspección más que a la acción, aunque haya acción de sobra también. Cada página parece construida para transmitir emociones y sugerir, no para explicar.

 

En definitiva una obra cuyo atractivo reside en la ambigüedad, el simbolismo y la capacidad de generar interpretaciones. Es un manga que exige implicación por parte del lector, algo que siempre es de agradecer, y que recompensa esa atención con belleza visual y una sensación de extrañeza poética que se queda contigo tiempo después de terminar la lectura. Una obra muy evocadora.

 

La edición de Moztros es sencilla pero muy cuidada: encuadernación rústica y sobrecubierta manteniendo el sentido de lectura oriental. La edición incluye 212 páginas en blanco y negro más 2 páginas a color con un tamaño de 13 x 18 cm y un precio, ojo, de 10,95€.