Bob & Janis, reseña por Jose.

Hace ya dos años, Joan Mundet nos adelantaba el nuevo proyecto que tenía entre manos en la charla que mantuvimos con él durante el Festival de cómic europeo de Úbeda y este mes de abril, los amigos de Elephant Books nos lo hacían llegar a librerías: Bob & Janis. Con esta nueva obra, Joan Mundet se aleja de sus registros más aventureros para adentrarse en una obra íntima, donde la memoria personal y la colectiva se entrelazan con gran sensibilidad y una atmósfera lisérgica y evocadora que envuelve al lector durante gran parte de la obra.

Portada del cómic.

La historia se articula en torno a dos líneas temporales separadas por medio siglo. Por un lado, finales de los años sesenta: Bob, un joven que abandona su hogar en la España de la dictadura, del “Spain is different” y de las suecas para sumergirse en la contracultura. Emprende un viaje por Europa en plena efervescencia hippie y en un concierto de Janis Joplin en Ámsterdam en 1969 conoce a Hildur, quien, fascinada por la cantante, adopta el nombre de Janis y se convierte en su compañera.

 
Por otro lado, en el presente: décadas después, ese pasado irrumpe de nuevo a través de un diario que actúa como detonante: un objeto que no solo recupera recuerdos, sino que también reabre heridas y plantea preguntas incómodas sobre lo vivido, lo perdido y lo que nunca llegó a ser.

 
Bob & Janis funciona como una reconstrucción emocional de toda una época a partir del diario de Bob. La mayor parte de la historia transcurre en Formentera, en aquella isla casi mítica que, junto con Ibiza, se convirtió a finales de los sesenta en uno de los epicentros (o refugio) del movimiento hippie en Europa. Atraídos por la luz, el aislamiento y una relativa permisividad dentro del contexto del franquismo, jóvenes llegados de distintos países encontraron allí un espacio de libertad donde experimentar con nuevas formas de vida, arte y espiritualidad (sí, y drogas también). Esa “Formentera hippie”, convertida con el tiempo en símbolo y reclamo, no solo transformó la identidad cultural de las islas, sino que sentó las bases de su posterior desarrollo turístico. Mundet captura ese instante irrepetible con una mirada que mezcla fascinación y melancolía, consciente de que, como sus propios personajes, aquel paraíso también estaba condenado a cambiar, así que se agradece su huida de lo que podría haber sido la romantización facilona de aquella época.

 La Formentera del 69.

 

Si la historia ya funciona por sí sola, el apartado gráfico es impresionante. Se nota que Joan Mundet se ha empapado del Pop Art sesentero, porque algunas páginas son una auténtica explosión lisérgica: composiciones atrevidas, colores vibrantes y secuencias que rozan lo psicodélico (atención al “viaje” que se marcan los protagonistas)). No es solo un alarde estético, sino una forma de traducir visualmente el espíritu de la época y el estado emocional de los personajes.

Y, por supuesto, está la narrativa. En este cómic conviven páginas densas, cargadas de diálogo en hasta cuatro idiomas distintos, reforzando esa sensación de cruce cultural, con otras completamente mudas que funcionan con una precisión admirable. Mundet demuestra un dominio absoluto del ritmo, alternando momentos de intensidad verbal con silencios elocuentes que dicen tanto o más que las palabras. Paisaje humanos y paisajes literales. Esa capacidad para reinventarse en cada obra, para no acomodarse en una fórmula, es una de sus mayores virtudes, y aquí vuelve a confirmarse: arriesga, experimenta y, una vez más, le sale a pedir de boca. Gloria bendita, que decimos por aquí.

 

Janis dándolo todo en Amsterdam.

 

Bob & Janis, tebeazo. Un cómic de esos para disfrutarlos y recrearse en la parte gráfica mientras saboreas la historia, una historia que sabe a mar, a marihuana, a nostalgia y a cambio. Una historia que encaja a la perfección con la política de Elephant Books: cómic de autor, alejado de lo más comercial e historias que dejen poso y a las que quieras volver. Para mí (y ya llevo algunos, otro de los cómics nacionales del año y todavía estamos en abril).

 

La edición de Elephant me encanta: rústica con solapas, un tamaño de 19 x 26 cm y papel offset de calité para las 96 páginas del cómic que tiene dos prólogos: uno de Juan Puchades y otro del propio Joan Mundet en el que nos cuenta cómo nació la idea para este cómic además, el propio autor nos deja al final una lista que podría haber sido la banda sonora de esta obra. Como no estaba en Spotify, la hemos creado y aquí tenéis el enlace: Bob y Janis

Peace and love. 

El viaje de Shuna, reseña por Jose

El viaje de Shuna es una obra breve pero singular dentro de la trayectoria de Hayao Miyazaki. Publicado originalmente en 1983, este manga se aleja de la narrativa convencional para acercarse a la estructura de un cuento ilustrado, lo que en japonés se conoce como emonogatari, con un tono poético y alegórico más propio de una fábula que de una historia clásica de aventuras y alejado del formato manga.

Inspirado en un relato tradicional tibetano, Miyazaki construye una historia sobre el sacrificio, la esperanza y la lucha contra la adversidad, todo ello acompañado de una atmósfera melancólica y contemplativa que anticipa muchos de los temas recurrentes de su filmografía posterior.

Tras su primera publicación en formato cartoné, con una edición estándar y otra especial ublicada hace ya unos tres años, los amigos de Salamandra Graphic recuperan esta pequeña joya en una cuidada edición en rústica con sobrecubierta, más cercana al manga, más asequible y accesible, que permite redescubrir el delicado trazo y la sensibilidad narrativa del maestro tokiota. Una oportunidad ideal tanto para quienes no pudieron hacerse con ella en su momento como para aquellos que deseen completar su biblioteca con una de las obras más íntimas y menos conocidas de Miyazaki.

 

Portada de la nueva edición.

 

La historia sigue a Shuna, un joven príncipe de una tierra pobre que emprende un viaje en busca de unas semillas doradas capaces de salvar a su pueblo del hambre tras la visita de un anciano viajero moribundo que le habla de tal milagro. Pero el viaje no será fácil y es posible que nunca regrese. Deberá viajar hacia el lejano oeste, al lugar donde nace la luna.

Desde el inicio, el relato transmite una sensación de melancolía y contemplación: no hay grandes diálogos ni acción constante, sino una narración pausada que deja espacio a la reflexión.

La obra explora ideas muy características de Miyazaki: la relación entre el ser humano y la naturaleza, la explotación, el sufrimiento silencioso y la esperanza en medio de la dureza del mundo. No es una historia cómoda; tiene momentos oscuros y una sensación constante de sacrificio. Probablemente sea la obra donde más temas "adultos" trate Miyazaki.

Nuestro héroe y su Yakul.

 

Visualmente, el libro es impresionante. Miyazaki utiliza acuarelas con un nivel de detalle y sensibilidad increíbles. Cada paisaje: montañas, desiertos, aldeas parece cargado de historia y  es fácil ver aquí las semillas de obras posteriores como La princesa Mononoke o Nausicaä del Valle del Viento, tanto en la estética como en los temas. Una autética delicatessen.

Podemos percibir la fascinación de Miyazaki por culturas antiguas y arquitecturas inspiradas en Asia Central y Oriente Medio. Esto aporta una identidad visual única, alejada de los entornos más fantásticos y europeos típicos del género. Y debo decir que los diseños de personajes son bastante sobrios en general, lo que ayuda a concentrarte en la narrativa,

 

En resumen, El viaje de Shuna es una pequeña joya: sencilla en apariencia, pero cargada de significado, y esencial para entender el universo creativo del maestro Miyazaki.

Esta nueva edición de Salamandra Graphic nos llega en rústica con solapas y sobrecubierta, 176 páginas en papel offset de calidad (increíble cómo han quedado los colores), un tamaño de 15.6 x 21.7 cm y un precio de 15,95€

 

 

 

Gwalarn, reseña por Jose

Este mes de abril, los amigos de Nuevo Nueve nos traen Gwalarn, una obra de fantasía oscura  arraigada en las mitologías celtas y bretonas. No es casual que su título, Gwalarn, que significa “noroeste” en bretón, evoque esos vientos salvajes y tormentas ancestrales que desde hace siglos azotan la costa de la Bretaña francesa. Esa elección no solo aporta identidad, sino que actúa como una puerta de entrada (literalmente) a un universo cargado de simbolismo, donde la naturaleza indómita, los ecos de antiguas leyendas y una atmósfera densa y envolvente nos sumergen de lleno en paisajes tan místicos como inquietantes.

Portada del cómic.

Vanesa Figal y Carlos Mercé nos llevan a seguir los pasos de Erola y Sirta, guerrera y druida respectivamente que, a lomos de Zuri, un zorro gigante que parece salido directamente de los Estudios Ghibli, son sorprendidas por una tormenta de nieve y deben refugiarse en un pueblo subterráneo excavado en una montaña.

A partir de ahí, los acontecimientos se precipitan: descubrimos que algo oscuro y terrible tuvo lugar allí a la vez que, mediante el uso de flashbacks, descubriremos el pasado en cómún que comparten nuestras protagonistas y el secreto que asola sus corazones. Como veréis, los sucesos ocurridos en Bolenn, el pueblo subterráneo abandonado, acaban conectados al pasado de Erola y Sirta.

Magia oscura y mitología, todo bien.

Conforme avanza la obra iremos viendo que el envoltorio de fantasía y mitología es eso: un envoltorio para contar algo mucho mas profundo. Acabaremos leyendo un cómic que trata sobre la pérdida, la culpa y la aceptación, sobre dejar ir y sobreponernos, algo mucho más mundano que la brujería o los mitos.

Visualmente tiene una atmósfera muy conseguida, un apartado gráfico potente y evocador, coherente y con una identidad muy marcada, sobre todo a través del color.

Si os gustan las historias con tintes de terror y mitológicos pero profundamente humanas, este es vuestro cómic.

La edición de Nuevo Nueve es en cartoné para las 108 páginas del cómic y un tamaño de 19 x 27 cm con un precio de 22€. 

 

Conan el bárbaro #17, reseña por Jose.

Pocas veces un cómic logra condensar el peso de toda una leyenda en un solo número, pero Conan el Bárbaro #17 lo consigue con la contundencia de una espada y la inevitabilidad del destino. Este mes de abril, Panini nos trae una entrega muy especial que celebra los dos años de la etapa iniciada en Titan Comics (Conan the Barbarian #25), y que es, en mi humilde opinión, el mejor número de esta etapa. 

Jim Zub vuelve a demostrar que comprende al cimmerio como pocos autores firmando este número, "El nómada", que funciona como homenaje a su legado, tanto en el cómic como en la literatura. Todo ello en un especial de 48 páginas, elevado a los altares de Crom por el impresionante arte de Alex Horley. Nuff said! 

Un cómic que hará las delicias de los seguidores más acérrimos, pero que también sirve como puerta de entrada perfecta para nuevos lectores. La esencia de Conan destilada en una entrega que es, sencillamente, una auténtica delicatessen.

 

Portada de la edición de Panini.

 

Un viajero solitario se presenta ante las puertas de Tarantia, capital de Aquilonia, reclamando una audiencia con el rey Conan. Despreciado en un primer momento como un simple vagabundo por los guardias, el misterioso desconocido se limita a sentarse a las puertas de la ciudad hasta que la curiosidad del rey termina por abrirle las puertas del palacio.

Cuando por fin es recibido, revela un aspecto inquietante: su melena es blanca y su palidez casi cadavérica (reconozco que me vine muy arriba pensando que podría ser otro crossover con Elric de Melniboné, pero no). El extraño asegura traer un gran regalo para Conan, aunque impone una condición: solo se lo entregará tras disfrutar de tres días de la hospitalidad del monarca. Durante ese tiempo, la reina Zenobia y los consejeros más cercanos del rey le advierten del peligro, perturbados por la presencia y actitud del visitante. Sin embargo, Conan, fiel a su propio código, decide mantener su palabra y aceptar las reglas del enigmático huésped, pese a la creciente sensación de amenaza que lo rodea.  

 

Portada doble de Alex Horley para la edición americana.

 

Como no queremos desvelar demasiado, baste decir que, de forma muy apropiada para un número de aniversario, y a través de unos “flashbacks” muy particulares (ya descubriréis por qué), somos testigos de algunos de los momentos más icónicos de la vida de Conan: desde los gigantes de escarcha a Thak en Villanos en la casa, pasando por la tremenda crucifixión de Nacerá una bruja, por citar solo algunos. Y su desenlace es, sencillamente, maravilloso.

Pero si hay algo que eleva este número a la categoría de espectáculo es el arte de Alex Horley. El artista italiano ha dedicado nada menos que un año entero a pintar al óleo cada página, y el resultado es deslumbrante. Su trabajo me trae a la cabeza a maestros como John Bolton, Alex Niño o Earl Norem, porque, seamos claros, Frazetta juega en su propia liga. Una auténtica barbaridad (pun intended).

 

Conan está de enhorabuena. A pesar de algún altibajo en esta etapa en Titan, la línea no ha dejado de ofrecer material de gran calidad: desde novelas, todavía inéditas en nuestro país, hasta recopilatorios del material clásico, con la participación además de artistas patrios en distintos proyectos, lo cual siempre es una buena noticia.

En este sentido, os quiero recomendar especialmente las novelas Blood of the Serpent y Songs of the Slain, cuyo primer capítulo es de lo mejorcito que he leído de Conan en los últimos años. Además cuenta con las ilustraciones del onubense Juan Alberto Hernández, que aporta un trabajo espectacular y pone en valor el talento nacional (más aún si cabe) dentro del universo cimmerio. Ahí es na.

 

Fans de Conan, vais a disfrutar esta grapa lo más grande, y para quienes aún no os habéis adentrado en las páginas del cimmerio, corred a vuestra librería más cercana y haceos con esta maravilla, ¡por Crom! 

Esta entrega especial de la colección regular de Conan el bárbaro tiene 48 páginas y un precio de 5,50€.

 

La increíble historia del dinero, reseña por Jose

Benoist Simmat vuelve a la carga con una nueva entrega de su ya reconocible colección de divulgación en viñetas, las “Increíbles historias”. Tras el éxito de La increíble historia de la cerveza, una de mis lecturas favoritas de 2025, cuya reseña podéis leer aquí: La increíble historia del dinero, el autor francés amplía su mirada y se adentra en un tema tan cotidiano como complejo: el dinero. Para ello, une fuerzas con el también galo Tristan Garnier, dando forma a La increíble historia del dinero, un cómic que recorre de manera amena pero rigurosa y visualmente atractiva la evolución de uno de los grandes motores de la humanidad.

Desde los primeros intercambios basados en el trueque hasta la abstracción casi total del dinero digital y las criptomonedas, la obra propone un viaje accesible y muy bien documentado por los hitos económicos que han marcado nuestra historia. Con un tono didáctico, salpicado de humor y apoyado en un estupendo apartado gráfico, Simmat y Garnier consiguen transformar conceptos que a menudo resultan áridos en una lectura dinámica y entretenida. El resultado es un cómic divulgativo que no solo informa, sino que también invita a reflexionar sobre nuestra relación con el dinero y su impacto en la sociedad actual.

Portada del cómic.

Si el dinero no da la felicidad (afirmación que considero totalmente falsa), al menos da para un cómic de lo más entretenido. Y eso es exactamente lo que consiguen Benoist Simmat y Tristan Garnier con La increíble historia del dinero.

De las cabras a las bitcoins, el cómic plantea un recorrido cronológico (¡de más de 40,000 años!) por la historia del dinero, empezando por el trueque hasta llegar a conceptos mucho más etéreos y complejos como la especulación financiera o las criptomonedas. 

Por el camino, vamos a ver la invención de la moneda y del papel moneda, el nacimiento de los banco, las crisis económicas (que nadie vio venir, claro), el capitalismo moderno o el dinero digital y cómo un sistema tan frágil va a acabar pegándose un buen jardazo (como decimos en mi tierra.

Bitcoins.

 

El apartado gráfico de Garnier es clave. Con un estilo caricaturesco, dinámico y lleno de pequeños gags visuales ayuda a que conceptos que en otro formato podrían resultar soporíferos entren perfectamente. Aquí no hay gráficos aburridos ni párrafos interminables: hay personajes exagerados, situaciones absurdas y metáforas visuales que funcionan de lujo, la verdad. 

Y algo muy importante: a pesar del carácter divulgativo de este cómic, tiene unas dosis de humor altísimas y no se corta un pelo a la hora de lanzar pullas y criticar al sistema, lo cual, es muy de agradecer.

 

Norma Editorial nos trae este cómic en cartoné. 216 páginas con un tmaño de 19 x 26 cm y papel offset de calité ccon un precio de 35€. 

Parker, la presa; reseña por Jose.

Tras el fallecimiento del grandísimo Darwyn Cooke, muchos pensamos que nos quedaríamos sin nuevas adaptaciones de Parker en viñetas. Cooke había sabido trasladar el tono seco, elegante y criminal de las novelas originales, convirtiendo cada álbum en una obra de referencia dentro del cómic negro contemporáneo. Sin embargo, desde la editorial francesa Dupuis decidieron que el legado no debía detenerse y apostaron por continuar llevando al noveno arte las historias del icónico personaje creado por Donald Westlake bajo su seudónimo de Richard Stark.

Así, los amigos de Astiberri nos trajeron Parker. La presa, una nueva adaptación que mantiene intacta la crudeza del material original demostrando que el personaje sigue tan vivo y vigente como siempre y manteniendo bastante la estética visual de Cooke.

 

Parker, protagonista de estas novelas, es un criminal profesional frío, metódico y prácticamente amoral, cuya visión del mundo se rige por la eficiencia y la supervivencia. Y el dinero, claro. Alejado de romanticismos, se mueve en un universo de traiciones, golpes y códigos estrictos entre delincuentes, lo que lo convierte en una figura clave dentro del noir literario del siglo XX. Las novelas de Stark, publicadas desde los años 60, influyeron enormemente en la narrativa criminal moderna por su estilo directo y su protagonista implacable y además de ser trasladado a viñetas, ha tenido varias adaptaciones a la gran pantalla durante los últimos 60 años siendo encarnado por actores de la talla de Lee Marvin, Robert Duvall, Mel Gibson o Jason Statham.

 

Portada del nuevo volumen.

 

En este primer volumen de las nuevas aventuras de Parker en viñetas, Kieran y Headline adaptan The Sour Lemon Score y, a diferencia de otras entregas centradas casi exclusivamente en el protagonista, aquí el foco se amplía. El golpe deja de ser asunto de un solo hombre para convertirse en una operación compleja, en la que interviene toda una banda de profesionales. La obra nos sumerge de lleno en un plan milimétrico que, como es habitual en el universo de Parker, no tarda en torcerse hasta rozar la tragedia. Cuando un traidor emerge entre los suyos y Parker sobrevive por los pelos a un intento de asesinato, se desencadena una persecución implacable: una cacería fría y metódica para encontrar al culpable y hacer, en fin, lo que Parker siempre hace en estos casos per esta vez, un pasito más allá. 

Respeto/homenaje a la estética visual de Cooke.

 

Headline hace una adaptación bastante fiel al texto original, la historia es dura y seca como una piedra en el desierto; "los malos" son peores todavía y Parker a su lado parece un boy scout en esta entrega. Kieran hace un magnífico trabajo respetando la estética original de las primeras adaptaciones de Cooke: blanco y negro y un coloreado usando ese azul verdoso. Lo cierto es que se agradece esa "continuidad" con el trabajo de Darwyn Cooke.

 

La edición que nos trae Astiberri es en cartoné y un tamaño de  23 x 30,2 cm, tamaño casi europeo (aquí sí que se rompe un poco la estética de la serie original) y un papel offset de alto gramaje para las 112 páginas de esta aventura de Parker con un precio de 22€.

 

La verdad es que, si en Francia tienen pensado seguir adaptando las novelas de Westlake (Stark), podemos estar tranquilos porque, de momento, han hecho un trabajo fantástico con  esta primera. Noir de calité que hará las delicias de los amantes del género y de los neófitos también.

El gourmet solitario, reseña por Jose.

El gourmet solitario es una obra muy particular dentro del cómic: sencilla en apariencia, pero sorprendentemente profunda en lo que transmite. A través de sus páginas, propone una exploración de la poesía de lo cotidiano, de esos pequeños momentos que suelen pasar desapercibidos. Lo que, en principio, podría parecer algo simple, se revela como un ejercicio complejo en una sociedad dominada por la inmediatez y el consumo rápido. Quizá por eso, a pesar de haber sido publicado originalmente en 1997, este manga no solo ha resistido el paso del tiempo, sino que, en mi opinión, sigue plenamente vigente casi treinta años después, invitando al lector a detenerse, observar y saborear (literalmente) la vida con otra mirada.

Portada del manga.

A lo largo de 19 capítulos, seguiremos a Goro Inokashira, un trabajador autónomo que recorre los distintos barrios y distritos de Tokio visitando a sus clientes. En el transcurso de esos desplazamientos laborales, sus jornadas se articulan en torno a pausas aparentemente triviales: la elección de un bar o restaurante donde almorzar o cenar. Cada episodio se construye, en esencia, como una variación sobre ese mismo gesto: encontrar un lugar donde comer, lo que podría sugerir una premisa limitada, sin embargo, es precisamente en esa reiteración donde reside su singularidad y también su belleza. Minimalismo narrativo al extremo.

La comida deja de ser un fin en sí mismo para convertirse en un dispositivo de exploración de lo cotidiano. Cada ingesta adopta la forma de un ritual íntimo en el que el protagonista no solo degusta, sino que interpreta: el hambre, la saciedad, las texturas y combinaciones se integran en un flujo constante de pensamiento. Paralelamente, la obra compone un sutil mosaico de la sociedad tokiota, construido a partir de la observación minuciosa de los espacios y de la clientela que los habita y también de la gastronomía japonesa (acabas el cómic y lo único que quieres es bajar a un japonés y ponerte como el Quico).

Riquísimo todo.

Otro detalle que me ha encantado es cómo los autores se alejan deliberadamente del Tokio más aesthetic para adentrarnos en una versión mucho más íntima y auténtica de la ciudad. En lugar de recurrir a los escenarios habituales, nos invitan a recorrer pequeños locales, callejones escondidos y barrios periféricos llenos de vida cotidiana, alejados de los sobadísimos Shibuya o Ginza. Así, construyen un retrato más humano y cercano, donde cada rincón parece tener una historia propia.

Tanto el guion como el dibujo (en una perfecta simbiosis Taniguchi y Kusumi) invitan a disfrutar, a saborear cada página de la historia, de las historias, del señor Inokashira, alguien de quien apenas sabemos nada, un hombre que vive en el presente, que vive y disfruta cada comida. 

Tenemos a un Taniguchi perfectamente reconocible: su clásica línea clara pero a la vez, gran cantidad de detalles en cada local o callejón en los que entra nuestro protagonista.

No hay un principio ni un final definidos, no hay una trama convencional o un desarrollo del protagonista. La obra se limita a acompañarnos en un recorrido por distintos barrios de Tokio donde vamos a ir probando los platos más típicos o singulares de cada establecimiento a reflexionar sobre la percepción, el tiempo y nuestra relación con lo cotidiano. ¿Puede encontrarse la épica en comernos un plato de ramen tranquilamente? Yo digo sí.

Si te gusta el manga y sientes interés por la cultura y la gastronomía japonesa, El gourmet solitario es una lectura que vas a disfrutar sin ninguna duda.

Astiberri nos traía esta joya en en rustica con solapas con un tamaño de 17 x 24 cm. 200 páginas en papel offset, blanco y negro y un precio de 18€. Creo que va por la octava edición y además tiene una secuela: Paseos de un gourmet solitario.

Teruel. La lucha helada, reseña por Jose.

Los amigos de Cascaborra nos traían el mes pasado: Teruel, la lucha helada, un pedazo de cómic histórico que reconstruye uno de los episodios más duros y recordados de la Guerra Civil Española: la Batalla de Teruel (Diciembre de 1937- febrero de1938). A través de una narrativa visual potente, y un magnífico guion, el cómic logra trasladar al lector a un escenario marcado por el frío extremo, el desgaste físico y la brutalidad del conflicto. 

Tras haber perdido el Norte, las fuerzas republicanas necesitaban un golpe de efecto con el que cambiar las tornas, subir la moral y distraer a los sublevados de su objetivo principal: Madrid. Teruel, una ciudad sin valor estratégico a priori, fue la ciudad elegida para cambiar el curso de la guerra...

Portada del cómic.

Uno de los grandes aciertos del cómic es su ambientación. El invierno, el general invierno, se convierte en un personaje más: la nieve, el hielo y las temperaturas extremas no solo condicionan la acción, sino que intensifican la sensación de sufrimiento constante. La obra transmite muy bien la idea de que, en Teruel, no solo se luchaba contra el enemigo, sino también contra los elementos. En este sentido, el apartado gráfico es apabullante.

Otro acierto es que la obra pone el foco en soldados anónimos. Esto humaniza el relato y permite al lector conectar con el miedo, la fatiga y la desesperación de quienes vivieron el conflicto en primera línea. Eso sí, por las páginas del cómic desfilan todas las figuras importantes de la Guerra Civil: desde Franco a Líster, de Rojo a Varela y hasta el mismísimo Hemingway. 

Pero no hay glorificación de la guerra; al contrario, se presenta como una experiencia absurda y devastadora. Y como en tantas ocasiones, los civiles que quedaron atrapados en medio, pagaron un alto precio.

Se las prometían muy felices en el bando republicano.

 

El ritmo del cómic está cuidadosamente equilibrado: alterna secuencias de acción con pausas reflexivas que permiten al lector asimilar lo sucedido y tomar distancia. Lejos de buscar una épica heroica, la obra se centra en mostrar la crudeza de la guerra, adoptando un enfoque cercano al documental. A ello contribuye una narración apoyada en cuadros de texto que relatan de forma cronológica y detallada el desarrollo de la ofensiva: los movimientos militares, las duras condiciones: frío, hambre, caos, y las decisiones estratégicas. El resultado es una reconstrucción minuciosa de los hechos, presentada con un estilo sobrio, directo y despojado de cualquier retórica heroica.

 

El apartado gráfico también es sobrio y realista, Eneko usa una paleta de colores apagada que refuerza el tono dramático. Las viñetas están cuidadosamente compuestas para enfatizar tanto la crudeza del combate como los momentos de silencio y tensión. El uso del blanco (nieve) y los contrastes contribuye a crear una atmósfera opresiva a pesar de estar al aire libre y emocionalmente intensa. 

Un auténtico infierno.

 

Teruel, la lucha helada tiene, en mi opinión, un gran valor divulgativo. Ayuda a entender la importancia estratégica y sobre todo simbólica de Teruel dentro de la guerra, pero más que nada transmite el coste humano del conflicto. Es una obra que puede interesar tanto a aficionados al cómic como a quienes buscan aproximarse a la historia desde un punto de vista más humano pues es un cómic bélico que se aleja del mero entretenimiento para reflexionar sobre el coste de la guerra.

Este cómic destaca por su rigor (destacar la labor de asesoramiento del historiador BlasVicente Marco), su atmósfera inmersiva y su enfoque profundamente humano. Es un cómic duro, necesario y de los que dejan huella. 

 

Cascaborra lo ha vuelto a hacer, nos ha traído un tebeazo sobre la Guerra Civil demostrando, una vez más, que hay nicho para el cómic histórico español. Ojalá muchos más como este. 

 

La edición es en cartoné, 136 páginas con un tamaño de 21 x 24 cm y un precio de 22€. 

 

 

 

Hábitat, lo nuevo de Grafito Editorial.

 “Estimados amigos,

nos complace anunciaros que este mes traemos una obra de Simon Roy, un autor canadiense que nos gusta especialmente. Llevamos años siguiendo su trabajo y el año pasado nos decidimos a contactarle y le convencimos para que nos dejara traer a España una de sus primeras obras como autor completo: HABITAT.”

La Soleri es una enorme Nave Hábitat Generacional en la que todo ha salido mal. En vez de llegar a su destino, su tripulación lleva cuatro generaciones a la deriva. Los departamentos de seguridad e ingeniería viven enfrentados en una guerra tribal por la supervivencia; un ciclo de caos, canibalismo y barbarie sin fin.

 

Todo se acelera cuando un joven recluta consigue imprimir un arma prohibida por casualidad. Cambiando una guerra de arcos y flechas por otra mucho más letal.

 

El cómic incluye en su interior  la historia corta “EL EMISARIO Y EL GUERRERO” (THE ENVOY AND THE WARRIOR) con guion de Simon Roy y un dibujo precioso de Linnea Sterte.

112 páginas a todo color

Formato rústica con solapas

tamaño 16’9 x 25’8 cm (formato americano)

ISBN: 978-84-129924-8-9

Jugando a bolos con cadáveres y otras historias extrañas en tierras desconocidas, reseña por Jose

Jugando a bolos con cadáveres y otras historias extrañas en tierras desconocidas es la mejor noticia del panorama comiquero de 2026 hasta la fecha: marca el regreso de Mike Mignola, el legendario creador de Hellboy, como autor completo. No se trata de una historia más del Universo Hellboy, sino del primer volumen de un nuevo mundo narrativo bautizado como "Tierras desconocidas".

Este volumen, publicado el pasado marzo por Norma Editorial en nuestro país, es una antología de relatos fantásticos inspirados en el folclore y cuentos populares, escritos y dibujados íntegramente por Mignola, con color de Dave Stewart y rotulación de Clem Robins.

Portada del volumen recopilatorio.

Como siempre que hablamos de una obra de Mignola, lo que más destaca de este libro es su tono: cada historia se percibe como una fábula antigua o una leyenda, el tono mezcla lo siniestro con lo fantástico y lo folclórico, y todas ellas existen en el mismo universo de mitos y criaturas extrañas: las Tierras Desconocidas. 

El relato que da nombre al volumen, Jugando a bolos con cadáveres, comienza con un joven que, en su búsqueda de fortuna, se encuentra con, sí, cadáveres dispuestos a jugar a los bolos. Esta escena tan inusual es una muestra perfecta del Mignolismo: lo grotesco y lo caprichoso conviven con una lógica casi oral, como si cada viñeta hubiera sido narrada al calor de una fogata siglos atrás. Y por supuesto: el toque de humor negro, que no falte.

A lo largo de las historias hay reyes, fantasmas, pactos con el diablo, criaturas imposibles, dioses olvidados y seres que no mueren, todo ello presentado con la mezcla de misterio y encanto de los cuentos populares. No hay una trama lineal que ate todos los relatos (aunque algunos personajes repite) pero cada pieza funciona como un fragmento de ese mundo más grande que son las Tierras  Desconocidas. 

Jugando a los bolos con cadáveres. Literalmente.

Visualmente, el libro es un deleite para los seguidores del estilo de Mignola: sus líneas minimalistas y claroscuros (marca de la casa) junto con los colores de Stewart que realzan sombras y tonos terrosos, crean una atmósfera única y evocadora que complementa la narrativa con la misma fuerza que el guion; y es que, no sé vosotr@s pero en TDT estábamos deseando que Mignola volviera a coger los lápices para ilustrar sus historias después de casi 15 años sin hacerlo.

En resumen, Jugando a bolos con cadáveres y otras historias extrañas en tierras desconocidas es otra obra imprescindible para los fans de Mignola y de los relatos que combinan fantasía, horror y folclore, una lectura tan extraña como encantadora que abre las puertas a un nuevo universo narrativo rico y prometedor, de hecho, al terminar, el libro incluso tenemos un mapa de este nuevo mundo, parece que aún queda mucho por explorar y narrar y la buena noticia es que al escribir estas líneas ya hay un segundo volumen de este nuevo universo y otro en preparación.

La estupenda edición de Norma es en tapa dura para las 112 páginas del volumen que viene cargadito de extras: textos, bocetos e incluso una de las historias en blanco y negro a un precio de 22€.

Mignola is back, nuff said!

Lapa la nuit, reseña por Jose

El historietista carioca Nicolaï Pinheiro nos sumerge en la noche de Río de Janeiro en Lapa la nuit. Lapa es el barrio más bohemio y animado de la ciudad y, me atrevería a decir, que el auténtico protagonista de esta historia coral. 
Con una premisa tan sencilla como la de historias de personas que se entrecruzan en la noche de la "Cidade maravilhosa", Pinheiro nos introduce en el ambiente nocturno de su ciudad. Una noche desbordante de vida, caos y sexo. 

Portada del cómic.

Cacique, un chaval obsesionado con las piernas de una chica a la que conoció la noche anterior; Erika, una joven turista alemana; unos delincuentes que preparan un atraco; o un anciano coronel entregado a placeres, digamos, poco convencionales: todos ellos forman parte del mosaico humano que compone este cómic, un entramado de encuentros fugaces y conexiones inesperadas.

Uno de los mayores aciertos de la obra es convertir al propio barrio en eje narrativo. Lapa se presenta como un espacio fronterizo entre clases sociales, entre lo turístico y lo local, entre lo marginal y lo festivo, donde todo parece posible. La ciudad no es solo un escenario: es un organismo vivo que condiciona las decisiones y emociones de sus habitantes.

Uno de los locales del barrio de Lapa.

El ritmo del cómic es deliberadamente disperso, lo que puede resultar fascinante o frustrante según el lector. No hay grandes giros ni clímax evidentes; el interés reside en la acumulación de pequeñas historias y en cómo estas se reflejan y entrelazan entre sí, se acercan y se alejan; como las olas en la playa de Ipanema.

Este enfoque, que priorizan la atmósfera sobre la trama, convierte la lectura en una experiencia más sensorial que argumental, no hay un clímax al uso, el cómic funciona como un mosaico en el que acabas inmerso. Aún así, cada historia, cada personaje, encuentra su propio cierre.

Y debajo de todo esto, Lapa la nuit aborda temas bastante reconocibles: el deseo y las relaciones efímeras, la búsqueda de identidad, las tensiones de clase en una ciudad desigual o la noche como espacio de libertad (y también de peligro).

El apartado gráfico contribuye de manera definitiva a la inmersión de la que hablaba anteriormente. Con un trazo y una narrativa muy dinámicos, pasamos de una historia a otra casi sin darnos cuenta y el color hace que esa noche en Río sea vibrante, húmeda, calurosa y erótica. 

Lapa la nuit es un cómic con mucha personalidad, capaz de capturar la noche en toda su intensidad: viva, caótica y profundamente humana y con una narrativa fragmentaria, logra a la vez articular las historias de sus protagonistas en un puzle tan desordenado como fascinante.

La edición de Nuevo Nueve se presenta en tapa blanda con solapas, cuenta con 128 páginas con un tamaño de 27 x 19 cm y está impresa en papel offset de buena calidad, con un precio de 25 €.