Manual zoomórfico H. P. Lovecraft, reseña por Jose

Los amigos de Maldragón publicaban hace ya casi dos años H. P. Lovecraft: Manual Zoomórfico, creado por Luis Camacho Campoy. Y no hace falta recordar que en TDT Podcast somos muy de Lovecraft.

El libro es un bestiario lovecraftiano, una enciclopedia visual de su imaginario y también un recorrido artístico por sus horrores cósmicos, sus criaturas innombrables y sus dioses tentaculares. Pero, sobre todo, es un homenaje sincero al profeta de Providence. Y sí: me ha parecido una auténtica maravilla, para sorpresa de nadie.

Portada del libro.

Los tentáculos venden, el terror cósmico vende, Lovecraft vende y seguramente nuestro querido H. P. Lovecraft alucinaría si levantara la cabeza y viera en qué se ha convertido su legado (esto no es una crítica sino todo lo contrario). Basta echar un vistazo a la campaña de Verkami para comprobarlo: exitazo. Y no es para menos. Visualmente, la obra es brutal. Las ilustraciones desprenden un tono sombrío, y perturbador que por momentos me han recordado a mis adorados Beksiński y Giger que, por cierto, también aparecen mencionados en el libro. Hay páginas realmente hipnóticas e imágenes que parecen sacadas de una pesadilla de Sutter Cane.

Y no era precisamente fácil. Traducir visualmente criaturas descritas como entidades imposibles, masas informes o aberraciones más allá de la comprensión humana tiene bastante mérito. Ahí está Azathoth, por ejemplo: "un dios idiota y ciego, una amalgama caótica de tentáculos, fauces y ojos incontables, girando eternamente en el centro del universo". Avíatelas ahí.

El afán casi científico de Luis Camacho Campoy por el detalle convierte el libro, por momentos, en una especie de tratado de biología demencial. No se limita a ilustrar monstruos: intenta imaginar cómo funcionarían anatómica y biológicamente esas criaturas, cómo se relacionan entre sí y de qué manera encajan dentro del horror cósmico lovecraftiano. Además, el recorrido está planteado en orden cronológico, respetando la aparición de los seres en los relatos y las fechas de publicación, lo que permite apreciar también la evolución del imaginario de Lovecraft a lo largo de su obra. El resultado es mucho más que un bestiario: es casi arqueología visual de los mitos de Cthulhu.

Ïa ïa cthulhu fhtagn!

Hay que dejar claro, eso sí, que quienes busquen en este libro relatos de Lovecraft o historias escritas por otros autores basadas en los Mitos no los van a encontrar. H.P. Lovecraft: Manual Zoomórfico tiene un enfoque muy concreto y deliberadamente distinto. Funciona especialmente bien para coleccionistas de Lovecraft, aficionados a los bestiarios fantásticos, ilustradores, o lectore@s interesad@s en la iconografía del horror cósmico.

La obra incluye una breve biografía de Lovecraft, además de ensayos, comentarios y otros textos, aunque el propio proyecto de Verkami advertía que “no pretende ser una guía de la obra de Lovecraft, ni una biografía extensa y documentada”.

Traducido: aquí no vas a encontrar una biografía académica al estilo de Yo soy Providence, ni un estudio universitario sobre el racismo, la filosofía o el contexto histórico del autor. Sin embargo, el libro funciona precisamente porque entiende muy bien cuál es su objetivo. 

Cada criatura recibe un tratamiento casi enciclopédico: se explora su origen literario, su interpretación visual, su dimensión conceptual, su relación con otras entidades y su lugar dentro del imaginario lovecraftiano. Luis Camacho aborda a estos seres como si realmente formasen parte de un ecosistema imposible más allá de la comprensión humana.

 

Mi adorado H. P. Lovecraft.

 

El autor, Luis Camacho Campoy, es paisano nuestro y licenciado en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla, combina su trabajo docente con una trayectoria artística que abarca la pintura, el dibujo y la ilustración literaria. Es conocido por su estilo sombrío y simbólico, con influencias del arte fantástico y del universo lovecraftiano (por supuesto). Su trabajo en esta obra (ya lo veréis) es increíble.

 

La edición de Maldragón es impresionante y para sorpresa de todos, euclidiana: tapa dura, un tamaño de 22,5 x 29,5 cm, en papel de alto gramaje y una extensión de 260 páginas con un precio de 35€ que, al precio que se cotizan los cómics a 2026, es una auténtica ganga. 

Si alguna vez habéis querido asomaros al horror lovecraftiano como si hojeaseis el cuaderno de campo de un naturalista demente de otra dimensión, este libro es exactamente eso.

 

Iä! Iä! Cthulhu fhtagn!

Tex. Patagonia, reseña por Jose

Los amigos de Laramie Ediciones nos traen este mes de mayo el segundo volumen de Tex: Patagonia, una nueva oportunidad para adentrarse en el universo de uno de los grandes mitos del cómic europeo. Para quienes aún no conozcan a Tex, se trata del legendario personaje creado en 1948 por Gian Luigi Bonelli (auténtica figura de culto de la historieta italiana) y Aurelio Galleppini para la editorial Bonelli.

Las historias de Tex Willer, ambientadas en el Salvaje Oeste de la segunda mitad del siglo XIX, combinan aventura, acción y sentido de la justicia. Tex es ranger de Texas, agente indio y jefe blanco de los navajos, un héroe incorruptible que recorre fronteras enfrentándose a todo tipo de amenazas. En sus peripecias suele estar acompañado por un variopinto grupo de aliados: Kit Carson, viejo pistolero y veterano ranger; Tiger Jack, fiel amigo y guerrero navajo; y Kit Willer, su hijo.

Convertido con el paso de las décadas en uno de los cómics europeos más longevos y populares, Tex sigue siendo un auténtico clásico del western, admirado por generaciones de lectores gracias a su mezcla de épica fronteriza, personajes carismáticos y su respeto por la mitología del Oeste.

En este segundo volumen de las aventuras de nuestro ranger favorito, la historia traslada a Tex desde el clásico Oeste Americano hasta los paisajes salvajes y desolados de la Patagonia argentina, un escenario poco habitual dentro de la serie que aporta frescura, exotismo y una atmósfera casi épica.

Portada de la edición de Laramie.

Y es que uno de los mayores aciertos del cómic reside precisamente en su ambientación. La Patagonia aparece retratada como un territorio inmenso y salvaje marcado por la dureza del paisaje y por una constante tensión política y humana. En este escenario, Tex Willer viaja junto a su hijo Kit Willer hasta Argentina para ayudar a un viejo amigo, Ricardo Mendoza, oficial del ejército argentino, a resolver un conflicto con las tribus indígenas de la región y la siempre delicada línea geográfica que marca "la frontera"  que las tribus indígenas no están dispuestas a respetar. Todo un clásico. La misión parece sencilla: mediar en un conflicto con tribus indígenas, sin embargo, la historia pronto revela una realidad mucho más compleja y brutal. Lo que inicialmente parece una operación de pacificación se transforma en una dura reflexión sobre el colonialismo, la expansión territorial y el exterminio de los pueblos indígenas.

Desde las primeras páginas, la historia te atrapa: el brutal ataque de un grupo de indígenas a una aldea de colonos, quince páginas iniciales realmente impactantes, sirve al guionista para introducirnos de lleno en el conflicto y mostrarnos, sin rodeos, la complejidad y la violencia que dominan la frontera patagónica. A partir de ahí, el relato despliega una aventura intensa y cinematográfica, en la que el paisaje y el trasfondo histórico adquieren tanta importancia como los propios personajes. 

Narrativamente, la obra mantiene un ritmo muy sólido. Hay acción, duelos y momentos de tensión, pero también espacio para desarrollar personajes complejos y moralmente ambiguos. Tex continúa siendo el héroe carismático de siempre, aunque aquí se muestra más reflexivo y humano frente a un entorno especialmente brutal. Hay momentos para el recuerdo: el inicio del cómic con el ataque indígena es tremendo, la llegada al puerto, los espacios abiertos en La pampa y el entrenamiento con las boleadoras o el duelo a cuchillo de Tex con uno de los indígenas locales a la luz de la hoguera, que es una gozada.

A pesar de que la edición de Laramie es en blanco y negro, no he podido resistirme a añadir esta página a color.

Otro de los grandes aciertos del cómic es la manera en que aborda la ambigüedad moral dentro del propio ejército argentino. Igual que sucede en los wésterns más clásicos, entre los militares conviven posturas enfrentadas: algunos apuestan por una solución negociada con los pueblos indígenas, mientras que otros defienden abiertamente el exterminio como única vía posible. Esa división interna aporta matices y evita caer en una visión simplista del conflicto.
Del mismo modo que ocurría en el ejército estadounidense durante las guerras indias, el ejército argentino también cuenta con indígenas que actúan como rastreadores, intérpretes y guías al servicio del poder colonizador, enfrentándose en muchos casos a su propio pueblo. Es precisamente en este contexto donde sale a relucir la herencia indígena del hijo de Tex, en unas páginas especialmente inspiradas que no solo enriquecen al personaje, sino que también invitan a reflexionar sobre la identidad, la lealtad y las contradicciones morales que atraviesan toda la obra. 

 

Pasquale Frisenda, tan bueno en blanco y negro como en color.

 

Históricamente, la obra también da en la diana, el milanés Boselli, la sitúa durante La llamada "Conquista del Desierto", campaña militar llevada a cabo por el Estado argentino entre las décadas de 1870 y 1880, cuyo objetivo oficial era expandir el control del gobierno sobre los territorios de la Patagonia y La pampa, zonas habitadas por pueblos indígenas como los tehuelches, protagonistas en la obra.

Desde la perspectiva del gobierno argentino de la época, la campaña buscaba “civilizar” el territorio, detener incursiones armadas indígenas y abrir nuevas tierras para la ganadería, la agricultura y el crecimiento económico del país. Sin embargo, históricamente la campaña implicó masacres, desplazamientos forzados, pérdida de territorios ancestrales y la muerte de miles de indígenas. Desde una perspectiva actual, se considera un proceso de limpieza étnica o incluso genocidio. Un reflejo de lo que sucedía en la misma época en Norteamérica.

Boselli consigue construir una historia fantástica, cargada de matices y contexto histórico, con gran carga política, alejada del western clásico norteamericano pero a la vez cercana y tocando temas como la relación padre/hijo, la multiculturalidad o la herencia familiar.
Y artísticamente Pasquale Frisenda, también milanés, es extraordinario y probablemente una de las principales razones por las que Patagonia se considera una obra maestra del western moderno en viñetas. Su dibujo en blanco y negro combina un nivel de detalle impresionante con una puesta en escena, me repito, cinematográfica. La pampas argentina, las montañas nevadas, los campamentos indígenas y las batallas poseen una fuerza visual enorme. Frisenda utiliza sombras, texturas y composiciones muy dinámicas para transmitir tanto la inmensidad del paisaje como la violencia física de los enfrentamientos. Un apartado gráfico sobresaliente.

En definitiva, y por si no os había quedado claro, este Tex. Patagonia es un must de este mes de mayo. Laramie nos lo trae en rústica con solapas, un tamaño de 21 × 29,7 cm, 232 páginazas en papel offset de alto gramaje y blanco y negro por un precio de 29€.

Allí donde vas, reseña por Jose.

Este pasado mes de abril, los amigos de La cúpula nos traían la nueva obra del francés Étienne Davodeau: Allí donde vas. Viaje al país de la memoria que flaquea. Publicada en Francia en 2025, este cómic se inscribe dentro de la línea más documental y humanista de Davodeau, conocido por explorar temas sociales desde la experiencia directa. En este caso, el punto de partida es profundamente íntimo: el autor decide narrar el trabajo de su pareja, Françoise Roy, enfermera especializada en el acompañamiento de personas con enfermedades neurodegenerativas como el Alzheimer. Inmediatamente se nos puede venir a la cabeza el Arrugas de Paco Roca o la magnífica película del argentino Juan José Campanella El hijo de la novia, pero el enfoque aquí es diferente: más directo, más didáctico y también profesional. Además, es también una historia de pareja, donde la confianza, la cercanía y la convivencia permiten acceder a una realidad difícil de representar desde fuera.

Portada del cómic.

El cómic no sigue una línea argumental tradicional, sino que se articula como una sucesión de escenas y encuentros. Historias cortas. A través del día a día de Françoise, entramos en contacto con distintos pacientes: el señor Saunier, la señora Marchand o Cédric y sus familias, cada uno enfrentando de forma distinta el deterioro de la memoria y la identidad. No hay un conflicto central ni una narrativa clásica: lo que predomina es la acumulación de instantes cotidianos, gestos, silencios e interacciones que revelan la complejidad emocional de la enfermedad tanto de la persona afectada como de sus allegados. El foco no está en explicar el Alzheimer desde un punto de vista médico, sino en mostrar cómo se vive y se acompaña en lo cotidiano.

Y ese precisamente es el tema central de la obra: la pérdida de la memoria como proceso que afecta tanto al enfermo como a su entorno. Al mismo tiempo, el cómic pone en valor el papel de los cuidadores y acompañantes, destacando la importancia de la empatía, la paciencia y la capacidad de crear vínculos en el presente. Algo muy importante también es la reflexión sobre la dignidad, a pesar de todo, esas personas siguen siendo seres humanos y deben ser tratados como tales.

Una reflexión muy acertada.

El autor huye del porno emocional, lo cual es muy de agradecer. La narración es sobria, directa, no cae en sentimentalismos y eso hace que la obra fluya de manera muy natural: hay momentos para la tristeza, la reflexión, la sorpresa e incluso alguna carcajada, ofreciendo así una narración muy humana, respetuosa. Emociona sin caer en el sentimentalismo, educa pero no desde un discurso didáctico y creo que es tremendamente útil para entender a las personas con Alzheimer, a sus allegados y a sus cuidadores.

Étienne y Françoise.

En el apartado gráfico, Davodeau mantiene su estilo característico: blanco y negro, trazo sencillo y semi-realista. La puesta en página es clara y funcional, sin artificios, lo que refuerza la dimensión documental del relato. El uso de espacios en blanco, repeticiones y silencios gráficos contribuye a transmitir la desorientación y la pérdida de referencias propias de la enfermedad. Coherente con el tono íntimo y contenido de la obra.

Allí donde vas es un cómic profundamente humano que se adentra en un tema complejo con una sensibilidad poco común. Sin caer en respuestas fáciles ni en dramatismos innecesarios, la obra propone una mirada honesta sobre la fragilidad de la memoria, el peso del cuidado y la importancia de los vínculos en momentos de vulnerabilidad extrema. Davodeau construye un relato íntimo y contenido, donde los silencios y los gestos adquieren tanto valor como las palabras. Es una lectura pausada, de esas que invitan a detenerse y acompañar a sus personajes con empatía, uno de esos cómics que te sigue acompañando tiempo después de acabar de leerlo.

La edición de La cúpula es en rústica con solapas, 164 páginas en papel offset de calité y un tamaño de 17 x 24 cm. Además, los extras: un epílogo a cargo de Françoise y una bibliografía sobre las enfermedades neurodegenerativas que contiene sitios web, libros, cómics y películas. Precio: 19,90€

 

 

1629, reseña por Jose

1629... o la horrible historia de los náufragos del Yakarta, recién publicado por Norma Editorial, es un impresionante thriller histórico y psicológico con guion de Xavier Dorison (Long John Silver, Undertaker, El castillo de los animales) y dibujo de Thimothée Montaigne (El tercer testamento). La obra relata magistralmente y con un nivel de detalle brutal (tanto en en el guion como en el apartado gráfico) el motín, naufragio y los macabros asesinatos reales ocurridos en el barco Batavia, nombre real del navío en el que se basa esta historia. Un imprescindible del pasado mes de abril. 

Portada del primer volumen.

Publicado originalmente en Francia en dos volúmenes por la editorial Glénat, este díptico propone una inmersión absorbente en una de las historias más perturbadoras y salvajes de la navegación moderna.

La obra nos traslada a 1629, en pleno auge de la expansión de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales (VOC), una de las corporaciones más poderosas de su tiempo, solo comparable a su homóloga británica. A bordo del navío Yakarta, nombre adoptado en la obra para el histórico Batavia, denominación neerlandesa de la ciudad fundada por los holandeses en 1619 en la actual Indonesia, viajan oro, diamantes y una tripulación reclutada en gran parte de los bajos fondos de Ámsterdam junto a unas 250 personas más en busca de fortuna al otro lado del mundo. Un caldo de cultivo perfecto para el desastre.

Desde sus primeras páginas, Dorison plantea el viaje como un auténtico “barril de pólvora”, donde las tensiones de clase, la ambición desmedida y la violencia contenida laten bajo cubierta. El cómic se inspira en un episodio histórico bien documentado: el naufragio del Batavia en 1629. Este suceso ha pasado a la historia por la brutal combinación de desastre marítimo, motín y la posterior masacre entre los supervivientes, convirtiéndose en uno de los capítulos más oscuros y estremecedores de la historia naval. 

 

Impresionante doble página de Montaigne.

 

El desarrollo de personajes por parte de Dorison es magnífico. Huye de maniqueísmos y los protagonistas se mueven en una gran escala de grises. En la obra, construye la tensión página a página imprimiéndole una atmósfera claustrofóbica aprovechando que esta primera parte de la historia transcurrre enteramente a bordo del Yakarta. 

Y como no quiero hacer spoilers (a pesar de ser un suceso que ocurrió hace 400 años) voy a comentar el apartado gráfico: el arte de Montaigne es, como cabía esperar, excepcional. Desde la inmensidad azul del mar a la caracterización de personajes, la parte artística no baja del sobresaliente. Una auténtica gozada visual.

 

Y si la historia es tremenda y el dibujo espectacular, la edición de Norma es una preciosidad: cartoné con detalles dorados en la cubierta, un tamaño de 24,5 x 33,2 cm, papel satinado de alto gramaje, una cinta roja marcapáginas y una impresión en la que el detallado dibujo de Montaigne y los colores lucen increíbles. Además, extras: mapas de las rutas marítimas de la época, un texto de Dorison y un corte transversal del Batavia para situarnos a un precio de 35€. 

Deseando que Norma saque ya el segundo volumen. 

Godzilla Grandes Batallas Volumen 2: vs Gigan, reseña por Jose.

Llega a librerías el segundo volumen de Godzilla Grandes Batallas, bajo el título Grandes Batallas Godzilla vs Gigan, los amigos de Moztros siguen ampliando el catálogo de El rey de los kaijus y nos traen esta segunda antología de historias cortas en las que el foco está puesto exclusivamente en los enfrentamientos entre estas icónicas criaturas.

A diferencia del primer volumen (reseña aquí) en el que nuestro querido Godzilla era el protagonista, en esta antología solo lo es en la primera historia, contra Gigan. El resto de enfrentamientos están protagonizados por diferentes kaijus de la franquicia: Destoroyah, Mothra o Ebirah.

Portada del tomo recopilatorio de Moztros.

En este segundo volumen encontraréis, básicamente, las mismas señas de identidad que definían al primero: una buena dosis de violencia, altos niveles de destrucción y un desarrollo de personajes más bien limitado. Es, en ese sentido, una lectura ideal si lo que buscáis es algo directo y entretenido para echar la tarde sin demasiadas complicaciones.

Al igual que ocurría en la entrega anterior, destaca la amplia variedad de equipos creativos, lo que aporta dinamismo y evita que la lectura se vuelva monótona. Además, en esta ocasión y de manera general, se percibe un enfoque estilístico más cercano al manga, tanto en el ritmo narrativo como en ciertos recursos visuales, algo que le da un aire fresco y diferenciador dentro del conjunto. 

En mi caso, debo admitir que disfruté más del primer volumen, donde Godzilla era el claro protagonista de todas las historias. Al final, yo estoy aquí por mi lagarto gigante, y no tengo problema en decirlo abiertamente. Además, tampoco he terminado de conectar con el estilo manga que los autores han imprimido al apartado gráfico en esta entrega. En ese sentido, me inclino más por propuestas como Aquí hay dragones o el especial del 70 aniversario, que encajan mejor con mis preferencias visuales pero como se suele decir: para gustos, colores.

Maravilloso póster promocional de la película Godzilla vs Gigan de 1972

En resumen: el enfrentamiento contra Gigan recoge bien la esencia del personaje, presentado como un enemigo especialmente agresivo y peligroso. El combate es directo, y visualmente potente, funcionando como uno de los principales atractivos del volumen; volumen imprescindible para los fans de los kaijus y por supuesto para los completistas de Godzilla. 

Desde aquí queremos agradecer a Moztros la labor que está haciendo con nuestro lagarto favorito al traernos todo el material que se va publicando allende los mares. Segundo volumen de Grandes batallas, ¡quedan otros dos!

 

Al igual que lo volúmenes anteriores, Moztros nos trae este recopilatorio en tapa blanda, con un tamaño de 17 x 26 cm y papel satinado para las 184 páginas de mamporros de esta segunda entrega a un precio de 20,90€. 

La mujer como lo humano. Al principio de la historia, reseña por Jose

La mujer como lo humano. Al principio de la historia, de Ulli Lust, es un ensayo gráfico que cuestiona muchas de las ideas que hemos dado por sentadas sobre la prehistoria y el papel de la mujer en los orígenes de la humanidad. Este cómic desmonta gran parte de lo que creíamos saber sobre las primeras comunidades humanas: desde las representaciones artísticas hasta los ritos funerarios. Todo ello en un viaje de más de 40.000 años que, hasta hace relativamente poco, había sido narrado casi exclusivamente por hombres.

Hay que agradecer a los amigos de Garbuix que esta obra haya llegado a las librerías de nuestro país, porque no estamos ante un cómic cualquiera, sino ante una propuesta ambiciosa que combina divulgación, pensamiento crítico y un enfoque claramente feminista.

Portada del cómic.

El pilar fundamental de esta obra es su largo proceso de investigación, que se prolongó durante años. Ulli Lust se apoya en estudios de arqueología, antropología y arte prehistórico para cuestionar una idea profundamente arraigada: que la historia de la humanidad ha sido protagonizada principalmente por hombres. Spoiler: no lo estaba.

A partir de ahí, la autora introduce uno de los aspectos más interesantes del libro: muchas de las primeras representaciones humanas eran mujeres. Este hecho, aparentemente sencillo, abre la puerta a una reinterpretación completa del papel femenino en la prehistoria. ¿Quién creó esas estatuillas? ¿Fueron mujeres las artistas? ¿Cómo cambiaría su significado si lo fueron?

Partiendo también de su propia experiencia personal, Lust rememora su infancia y su adolescencia, etapas en las que interiorizó normas sociales sobre el cuerpo de la mujer y lo femenino en general: vergüenza, silencio e invisibilización. Este enfoque conecta pasado y presente, mostrando que la invisibilización de la mujer no es algo puntual, sino estructural, cotidiano y profundamente normalizado desde hace milenios.

Una vez asimilado ese primer golpe, llega la caída de otros mitos: el famoso “hombre cazador” no era el centro de la comunidad y las mujeres no se limitaban a parir y criar. Las primeras sociedades eran mucho más complejas, colaborativas y solidarias de lo que se había creído hasta ahora. En este sentido, la obra insiste en que gran parte de lo que creemos saber responde más a construcciones culturales y patriarcales que a evidencias reales.(para sorpresa de nadie a estas alturas).

Una reflexión muy interesante: ¿fueron mujeres quienes tallaron esas estatuillas? ¿Si lo hubieran hecho hombres estarían en posturas diferentes?

 

El arte prehistórico y su autoría, los roles igualitarios en las primeras comunidades, o la empatía frente a la fuerza bruta son algunos de los temas que Ulli Lust toca en este ensayo gráfico. No es una lectura ligera, ni mucho menos (ni creo que pretenda serlo, la verdad), es una obra ambiciosa que mezcla divulgación, pensamiento crítico, feminismo y un gran apartado gráfico, por supuesto. 

No es casualidad que esta obra haya sido elegida como el mejor cómic de no ficción de 2025 en Alemania, donde ha superado las 50.000 copias vendidas. Y lo mejor: es solo la primera parte de un proyecto más amplio que aquí en TDT ya estamos deseando leer. No lo dudes y sumérgete en este comicazo que nos ha traído Garbuix. 

Además: sale Alan Moore.

 

Ulli Lust, autora de la obra, es una historietista austríaca afincada en Berlín. Ha recibido numerosos galardones a lo largo de su carrera e incluso ha sido nominada a los premios Eisner. Actualmente compagina su trabajo como autora con la docencia en la Universidad de Hannover, además de impartir conferencias y talleres por todo el mundo. 

En definitiva, La mujer como lo humano es un ensayo gráfico ambicioso, exigente y muy necesario. Una obra que no solo revisa el pasado, sino que también invita a replantearse cómo se ha construido el relato de la historia de la humanidad. Si te interesa el cómic de no ficción, el feminismo o la divulgación desde una perspectiva crítica, es una lectura muy recomendable.

La edición de Garbuix de La mujer como lo humano. Al principio de la historia, es en tapa blanda con solapas y un tamaño de 19 x 26 cm para las 256 páginas de este cómic y tiene un precio de 28,95€. 

El Último Ronin II: ReEvolución, reseña por Jose

Y ya está aquí la esperada secuela de El último ronin: los años perdidos. Volvemos a la sombría y postapocalíptica Nueva York que ya conocimos en El último ronin. Han pasado quince años desde que Michelangelo, el Último Ronin, puso fin al reinado del Clan del Pie, pero la paz que siguió a aquella victoria no era más que una ilusión: la ciudad ha vuelto a fragmentarse y el orden se ha hecho añicos.

Distintas bandas se disputan el control y nadie está realmente a salvo. Entre ellas destaca la de Yorkville, un grupo de macarras sorprendentemente bien equipado y organizado, decidido a adueñarse de Nueva York a toda costa. Mientras tanto, Casey y la policía hacen lo que pueden, claramente desbordados por una situación que se les escapa entre los dedos. En este caos creciente, los jóvenes pupilos del legado de las Tortugas tendrán que dar un paso al frente, ready or not o se convierten en algo más que aprendices o la ciudad está perdida.

Pero seamos francos: si las Tortugas originales eran leyendas y el Ronin Michelangelo era Clint Eastwood en Sin perdón, esta nueva generación son los chavales de Salvados por la campana pero con katanas y demasiados problemas. ¿O quizá hay algo más bajo esa fachada de adolescentes perdidos...?

 

 Portada del recopilatorio de Moztros.

 

Eastman y Waltz vuelven a ponerse el mono de escribir para contarnos el nacimiento de una leyenda. Esta nueva miniserie no busca un final, es más bien un principio y no todo van a ser peleas no: ¿os suena el término "mutaciones secundarias"? ahí os lo dejo para que averigüéis de qué hablo; además: ¿y si Nueva York no fuera un caos sino algo totalmente controlado? Y ya me callo que al final voy a cascar algún spoiler.

Lo cierto es que basta un solo número para estar dentrísimo y cogerle cariño a estas nuevas Tortugas Ninja que, al final, no son ni más ni menos que un reflejo de las originales: adolescentes confusos con una gran responsabilidad. 

Heredar un símbolo puede ser más una carga que un honor, especialmente cuando ni siquiera sabes quién eres todavía. Esta es, en esencia, una historia de madurez solo que con mutantes y bastante violencia. Y alguna que otra sorpresa.

 

Ojito al parche con Casey Marie.

 

Uno de los mayores aciertos del cómic es cómo trata el legado. La sombra de Michelangelo sigue presente, pero ya no domina la historia. Se convierte en un símbolo que inspira, pero también pesa. Las nuevas tortugas no intentan ser él: deben decidir qué significa ser una Tortuga Ninja en un mundo donde ya nada es lo que era.
En cuanto al lore, ReEvolución es la obra que más se aleja del espíritu clásico de las Tortugas Ninja pero sin romper del todo con él. Mantiene elementos esenciales como el entrenamiento o el honor y algunos flashbacks pero los reinterpreta desde una perspectiva más moderna.

El resultado es un universo que ya no gira en torno a la familia original, sino a las consecuencias de su historia. 

 

En el apartado visual, el nivel se mantiene. A Ben Bishop y Luis Antonio Delgado se suman los hermanos Escorza y el propio Eastman ilustrando algún que otro flashback pero pienso que con unos dibujantes más potentes, la serie ganaría enteros. En cualquier caso: apartado gráfico al servicio del guion. Todo en orden.  

 

Y así empieza, porque sí, este es el inicio de algo y si no, ya lo veréis cuando leáis la última página...

 

Moztros nos trae esta nueva mini en rústica, con una tamaño de 17 x 26 cm y 232 páginas por 22,90€. 

 

El último Ronin: los años perdidos, reseña por Jose

Las Tortugas Ninja: El Último Ronin – Los años perdidos es una obra que funciona como expansión directa del universo planteado en Las Tortugas Ninja: El Último Ronin, AQUÍ tenéis la reseña  (que se suponía iba a ser la última historia de Las Tortugas y ademas escrita por Eastman) pero con una ambición narrativa propia. No se limita a rellenar huecos sino que construye un puente entre el pasado, el presente y el futuro de esta versión alternativa de las Tortugas Ninja. A nivel general, el cómic mezcla introspección, acción y desarrollo de mundo, ofreciendo una historia con mucha acción pero también reflexiva y que funciona como secuela pero también como precuela (algo así como el Neonomicon de Moore con respecto a su Providence) gracias a su narrativa en dos líneas temporales distintas.

Portada del tomo de Moztros.

Como decía, La historia se articula en dos líneas narrativas. Por un lado, seguimos a Michelangelo tras la muerte de sus hermanos y de Splinter. Este viaje por distintas partes del mundo muestra su evolución desde un personaje marcado por el dolor hasta convertirse en el Ronin que conocimos: frío y consumido por la venganza, todo un clásico. Este recorrido no solo añade contexto, redefine al personaje, alejándolo de su imagen clásica más desenfadada para convertirlo en una figura trágica. 

En paralelo, el cómic introduce una línea temporal situada después de los eventos de El último ronin original, en la que Casey Marie Jones entrena a una nueva generación de tortugas. Este elemento es clave porque cambia el tono global de la historia. Donde la obra original era prácticamente una tragedia cerrada, Los años perdidos introduce la idea de legado. ¿Habrá una Next Generation tortuguil...?

Unos años muy duros para Mike.

El apartado artístico de El Último Ronin: Los años perdidos podemos decir que cumple y está al servicio del guion. Las partes del pasado protagonizadas por MIchelangelo corren a cargo de SL Gallant y Maria Keane (son las partes que más me han gustado) mientras que las del presente están dibujadas por Ben Bishop. Para darle homogeneidad a la obra, el conjunto está coloreado por Luis Antonio Delgado. Además, las páginas del diario de Splinter están dibujadas por el propio Eastman (detallito maravilloso).

En conjunto, El Último Ronin: Los años perdidos es una obra que complementa y enriquece a su predecesora, Kevin Eastman y Tom Waltz se ocupan de ello. Puede que no tenga el mismo impacto emocional que El último ronin, pero su valor reside en ampliar ese universo y darle continuidad. Es, en esencia, una historia sobre lo que ocurre después de la tragedia: cómo se sobrevive, cómo se recuerda y cómo se sigue adelante además de, por supuesto, dejar la puerta abierta a una nueva generación.

La edición de Moztros es en rústica, con un tamaño de 17 x 26 cm y 208 páginas por 22,90€. Además, no solo incluye la miniserie original sino también el especial Teenage Mutant Ninja Turtles: The Last Ronin – Lost Day Special USA. 

 

Sabores únicos, reseña por Jose.

Si en el mundo del cómic contemporáneo hay una pareja creativa que parece haber encontrado la receta perfecta entre lo poético, lo filosófico y lo visualmente deslumbrante, esa es la formada por Ram V y Filipe Andrade. 

Tras dejar huella con Las muchas muertes de Laila Starr, este dúo dinámico regresa con Sabores únicos, una obra que vuelve a demostrar que estos dos no hacen cómics: hacen experiencias sensoriales con viñetas y si algo deja claro Sabores Únicos desde su primer bocado es que aquí no se viene solo a leer: se viene a degustar. Como foodie y chef casero (además de haber viajado a La India y disfrutado sus sabores) tengo que decir que me he gozado este cómic de la primera a la última viñeta. 

 

Portada de la edición en tpb de BOOM! Studios que recopila la miniserie.

Es la que tengo yo.

 

La premisa es genial: Rubin Baksh, un demonio rakshasa obsesionado con la comida, decide rodar un documental culinario recorriendo La India junto a Mo, un proyecto de cineasta en horas bajas. Lo que empieza como una especie de versión sobrenatural de road movie foodie pronto deja ver que hay algo más profundo en los fogones.
Rubin no es solo un excéntrico gastrónomo: es una criatura mitológica con apetitos, digamos, amplios, de hecho, este tipo de demonios son conocidos por ser devoradores de hombres. Su relación con la comida funciona como metáfora central del cómic: consumir, crear, experimentar y, en última instancia, entender la vida a través del paladar. En general, entender la vida y saborearla, no me digáis que no os suena de su proyecto anterior.

 

Exquisita receta del Masala Chai, la primera de las que nos encontramos en la obra.

Uno de los grandes aciertos del guion de Ram V es cómo entrelaza historias de comida con reflexiones sobre la vida, la muerte y la identidad. Cada parada del viaje no es solo una excusa para mostrar un plato, sino para explorar a las personas que lo cocinan, su historia y su contexto.
Hay partes que funcionan como pequeñas cápsulas culturales o recetas narrativas. En mi opinión, esto enriquece la lectura, aporta personalidad y te sumerge en la obra. 

 

Y si el guion es sugerente, el apartado gráfico de Filipe Andrade es glorioso, creo que a mejor nivel incluso que en Las muchas muertes de Laila Starr (que ya es decir). Sus líneas orgánicas, casi líquidas, convierten cada página en algo vivo, en constante movimiento, es el estilo perfecto para trasladar a viñetas las calles de La India, sus restaurante y sus paisaje.

La comida en particular está representada no en detalle pero sí con muchas texturas, vapores y colores. Estás comiendo con los ojos.
Y hablando de color: el propio Andrade (con ayuda de Inês Amaro) construye una paleta cálida, saturada, que transmite esa sensación de calor, especia y vitalidad. Los tonos rojizos y ocres dominan, reforzando tanto la atmósfera culinaria como la carga emocional de la historia. No es solo bonito: es narrativo. El color te dice cómo huele una escena y hay viñetas que son directamente obras de arte: todo el segundo número me parece una obra maestra tanto en el dibujo (que homenajea por momentos al mejor mejor Moebius) como en el color.

 

Me voy a lo fácil: un cómic que no se lee, se saborea (como El gourmet solitario). Un cómic que nos habla de la vida, del paso del tiempo y de saborearlo, como un buen Dhal Makhani o un curry de cordero (¡que no falte el pan naan para mojar!). 

Una vez más,  Ram V y Andrade nos traen otro comicazo. No ha llegado a nuestro país hasta 2026 pero para mí, de lo mejorcito del año. 

 

La encargada de traerlo a las librería españolas ha sido Planeta (en tapa dura y a un precio de 20€) pero yo me he decidido por el tpb de BOOM! Studios: tapa blanda, tamaño cómic book y un precio de poco más de 13€.

Bob & Janis, reseña por Jose.

Hace ya dos años, Joan Mundet nos adelantaba el nuevo proyecto que tenía entre manos en la charla que mantuvimos con él durante el Festival de cómic europeo de Úbeda y este mes de abril, los amigos de Elephant Books nos lo hacían llegar a librerías: Bob & Janis. Con esta nueva obra, Joan Mundet se aleja de sus registros más aventureros para adentrarse en una obra íntima, donde la memoria personal y la colectiva se entrelazan con gran sensibilidad y una atmósfera lisérgica y evocadora que envuelve al lector durante gran parte de la obra.

Portada del cómic.

La historia se articula en torno a dos líneas temporales separadas por medio siglo. Por un lado, finales de los años sesenta: Bob, un joven que abandona su hogar en la España de la dictadura, del “Spain is different” y de las suecas para sumergirse en la contracultura. Emprende un viaje por Europa en plena efervescencia hippie y en un concierto de Janis Joplin en Ámsterdam en 1969 conoce a Hildur, quien, fascinada por la cantante, adopta el nombre de Janis y se convierte en su compañera.

 
Por otro lado, en el presente: décadas después, ese pasado irrumpe de nuevo a través de un diario que actúa como detonante: un objeto que no solo recupera recuerdos, sino que también reabre heridas y plantea preguntas incómodas sobre lo vivido, lo perdido y lo que nunca llegó a ser.

 
Bob & Janis funciona como una reconstrucción emocional de toda una época a partir del diario de Bob. La mayor parte de la historia transcurre en Formentera, en aquella isla casi mítica que, junto con Ibiza, se convirtió a finales de los sesenta en uno de los epicentros (o refugio) del movimiento hippie en Europa. Atraídos por la luz, el aislamiento y una relativa permisividad dentro del contexto del franquismo, jóvenes llegados de distintos países encontraron allí un espacio de libertad donde experimentar con nuevas formas de vida, arte y espiritualidad (sí, y drogas también). Esa “Formentera hippie”, convertida con el tiempo en símbolo y reclamo, no solo transformó la identidad cultural de las islas, sino que sentó las bases de su posterior desarrollo turístico. Mundet captura ese instante irrepetible con una mirada que mezcla fascinación y melancolía, consciente de que, como sus propios personajes, aquel paraíso también estaba condenado a cambiar, así que se agradece su huida de lo que podría haber sido la romantización facilona de aquella época.

 La Formentera del 69.

 

Si la historia ya funciona por sí sola, el apartado gráfico es impresionante. Se nota que Joan Mundet se ha empapado del Pop Art sesentero, porque algunas páginas son una auténtica explosión lisérgica: composiciones atrevidas, colores vibrantes y secuencias que rozan lo psicodélico (atención al “viaje” que se marcan los protagonistas)). No es solo un alarde estético, sino una forma de traducir visualmente el espíritu de la época y el estado emocional de los personajes.

Y, por supuesto, está la narrativa. En este cómic conviven páginas densas, cargadas de diálogo en hasta cuatro idiomas distintos, reforzando esa sensación de cruce cultural, con otras completamente mudas que funcionan con una precisión admirable. Mundet demuestra un dominio absoluto del ritmo, alternando momentos de intensidad verbal con silencios elocuentes que dicen tanto o más que las palabras. Paisaje humanos y paisajes literales. Esa capacidad para reinventarse en cada obra, para no acomodarse en una fórmula, es una de sus mayores virtudes, y aquí vuelve a confirmarse: arriesga, experimenta y, una vez más, le sale a pedir de boca. Gloria bendita, que decimos por aquí.

 

Janis dándolo todo en Amsterdam.

 

Bob & Janis, tebeazo. Un cómic de esos para disfrutarlos y recrearse en la parte gráfica mientras saboreas la historia, una historia que sabe a mar, a marihuana, a nostalgia y a cambio. Una historia que encaja a la perfección con la política de Elephant Books: cómic de autor, alejado de lo más comercial e historias que dejen poso y a las que quieras volver. Para mí (y ya llevo algunos, otro de los cómics nacionales del año y todavía estamos en abril).

 

La edición de Elephant me encanta: rústica con solapas, un tamaño de 19 x 26 cm y papel offset de calité para las 96 páginas del cómic que tiene dos prólogos: uno de Juan Puchades y otro del propio Joan Mundet en el que nos cuenta cómo nació la idea para este cómic además, el propio autor nos deja al final una lista que podría haber sido la banda sonora de esta obra. Como no estaba en Spotify, la hemos creado y aquí tenéis el enlace: Bob y Janis

Peace and love. 

El viaje de Shuna, reseña por Jose

El viaje de Shuna es una obra breve pero singular dentro de la trayectoria de Hayao Miyazaki. Publicado originalmente en 1983, este manga se aleja de la narrativa convencional para acercarse a la estructura de un cuento ilustrado, lo que en japonés se conoce como emonogatari, con un tono poético y alegórico más propio de una fábula que de una historia clásica de aventuras y alejado del formato manga.

Inspirado en un relato tradicional tibetano, Miyazaki construye una historia sobre el sacrificio, la esperanza y la lucha contra la adversidad, todo ello acompañado de una atmósfera melancólica y contemplativa que anticipa muchos de los temas recurrentes de su filmografía posterior.

Tras su primera publicación en formato cartoné, con una edición estándar y otra especial ublicada hace ya unos tres años, los amigos de Salamandra Graphic recuperan esta pequeña joya en una cuidada edición en rústica con sobrecubierta, más cercana al manga, más asequible y accesible, que permite redescubrir el delicado trazo y la sensibilidad narrativa del maestro tokiota. Una oportunidad ideal tanto para quienes no pudieron hacerse con ella en su momento como para aquellos que deseen completar su biblioteca con una de las obras más íntimas y menos conocidas de Miyazaki.

 

Portada de la nueva edición.

 

La historia sigue a Shuna, un joven príncipe de una tierra pobre que emprende un viaje en busca de unas semillas doradas capaces de salvar a su pueblo del hambre tras la visita de un anciano viajero moribundo que le habla de tal milagro. Pero el viaje no será fácil y es posible que nunca regrese. Deberá viajar hacia el lejano oeste, al lugar donde nace la luna.

Desde el inicio, el relato transmite una sensación de melancolía y contemplación: no hay grandes diálogos ni acción constante, sino una narración pausada que deja espacio a la reflexión.

La obra explora ideas muy características de Miyazaki: la relación entre el ser humano y la naturaleza, la explotación, el sufrimiento silencioso y la esperanza en medio de la dureza del mundo. No es una historia cómoda; tiene momentos oscuros y una sensación constante de sacrificio. Probablemente sea la obra donde más temas "adultos" trate Miyazaki.

Nuestro héroe y su Yakul.

 

Visualmente, el libro es impresionante. Miyazaki utiliza acuarelas con un nivel de detalle y sensibilidad increíbles. Cada paisaje: montañas, desiertos, aldeas parece cargado de historia y  es fácil ver aquí las semillas de obras posteriores como La princesa Mononoke o Nausicaä del Valle del Viento, tanto en la estética como en los temas. Una autética delicatessen.

Podemos percibir la fascinación de Miyazaki por culturas antiguas y arquitecturas inspiradas en Asia Central y Oriente Medio. Esto aporta una identidad visual única, alejada de los entornos más fantásticos y europeos típicos del género. Y debo decir que los diseños de personajes son bastante sobrios en general, lo que ayuda a concentrarte en la narrativa,

 

En resumen, El viaje de Shuna es una pequeña joya: sencilla en apariencia, pero cargada de significado, y esencial para entender el universo creativo del maestro Miyazaki.

Esta nueva edición de Salamandra Graphic nos llega en rústica con solapas y sobrecubierta, 176 páginas en papel offset de calidad (increíble cómo han quedado los colores), un tamaño de 15.6 x 21.7 cm y un precio de 15,95€