El día de las cabezas voladoras, por Jose

Hay autores que se levantan por la mañana, se hacen un café y piensan en qué historia podrían contar ese día. Y luego está Shintaro Kago, que probablemente se despierta, mira a su alrededor y se pregunta qué pasaría si a todo el mundo le diera por ir por ahí con la cabeza separada del cuerpo. La clásica pesadilla que te da la noche cuando te has puesto ciego de sushi para cenar.

Porque sí, amig@s: hoy venimos a hablar de cabezas voladoras. Literalmente.

Shintaro Kago es uno de esos autores que parecen empeñados en demostrar que el manga puede hacer prácticamente cualquier cosa que le salga de las narices: terror, ciencia ficción, humor negro, sátira, gore, surrealismo, experimentación formal... Kago mete todo eso en la batidora, la pone a máxima potencia sin tapa y después se queda a mirar cómo salpica.

 

En El día de las cabezas voladoras, publicado originalmente por Hollow Press entre 2017 y 2018 y recuperado ahora en España por Moztros, Kago parte de una idea tan sencilla como delirante: ¿qué ocurriría si las cabezas humanas pudieran separarse de los cuerpos y comenzar a actuar por su cuenta? 

 

El Sabueso y otros relatos, reseña por Jose

Quienes nos conocéis ya sabéis que en TDT Podcast somos muy de Lovecraft y muy de Howard, ambos penpals y, junto con Clark Ashton Smith, integrantes de esa santísima trinidad de escritores que hicieron de la Weird Tales uno de los grandes templos de la literatura.

Tanto en este bendito blog como en nuestros programas nunca han faltado menciones, reseñas, comentarios y, en general, cualquier excusa que nos permita volver a estos dos gigantes que tanto nos gustan. Porque sí, amigos, otra vez Lovecraft, salta la sorpresa en Las Gaunas. Así que, como podéis imaginar, era cuestión de tiempo que volviéramos a poner nuestros tentáculos sobre la obra del profeta de Providence.

Y una vez más, lo hacemos de la mano de Gou Tanabe, un autor nacido (en serio) para llevar el universo de Lovecraft al manga. El pasado mes de abril, Planeta recuperaba en una nueva edición El Sabueso y otros relatos, adaptación que ya había publicado Ivrea allá por 2015, pero que ahora podemos disfrutar en tapa dura y dentro de esa magnífica colección de adaptaciones lovecraftianas de Tanabe que la editorial está publicando con bastante, y merecido éxito. Ya hemos reseñado algunas de sus adaptaciones por aquí: La llamada de Cthulhu o Las montañas de la locura.

Y es que si hay algo que nos gusta especialmente de Tanabe es su capacidad para trasladar al papel esa atmósfera malsana, opresiva e inquietante de los relatos de Lovecraft sin que pierdan un ápice de su esencia. No se trata simplemente de ilustrar sus historias: Tanabe consigue que volvamos a sentir esa mezcla de fascinación y desasosiego que provocan los textos del escritor de Providence y habrá quien me crucifique, pero es que algunos de los relatos, los mejora.

Así que sí, una vez más hablamos de Lovecraft. Y, sinceramente, mientras sigan apareciendo adaptaciones como las de Tanabe, nosotros encantados de volver una y otra vez a Arkham, a Innsmouth o a cualquier rincón oscuro y, por supuesto, no euclidiano, de ese universo. Porque ya sabéis que en TDT somos muy de estas cosas.

Mi familia gorila, reseña por Jose.

Este pasado mes de abril, los amigos de Diábolo Ediciones nos traían su segunda publicación dentro de su línea manga. Tras La invasión de los hongos del espacio, nos llegaba Mi familia gorila, y aunque ya lo comentamos en TDT Podcast #273, creemos que merece un espacio propio en el blog, especialmente ahora que ha sido nominada a los Premios Harvey de este año.

Mi familia gorila te engancha desde el momento en que lees el título y piensas: "Esto no puede ir por donde creo que va". Spoiler: va por ahí… y por otros sitios todavía más extraños. La nueva apuesta de Diábolo Ediciones recupera una antología de catorce relatos (a cual más sorprendente y bizarro) que Ichiro Iijima publicó originalmente entre 1970 y 1971 en la revista Manga Black Punch, una publicación dirigida al público adulto en pleno auge del gekiga. Si queréis saber algo más sobre el tema, aquí  tenéis nuestra reseña de Los locos del gekiga.
¿Lo hemos disfrutado? No lo sabéis bien. 

Portada de la edición de Diábolo.

 

Lo primero que hay que aclarar es que no estamos ante un manga de terror convencional. Aquí conviven el horror, la ciencia ficción, el erotismo, el humor negro y el surrealismo. Iijima no parece interesado en asustar únicamente al lector; también quiere incomodarlo, sorprenderlo e incluso que se ría mientras se pregunta qué acaba de leer. Es un tipo de lectura que hoy sigue resultando desconcertante. Los relatos incluidos en el volumen funcionan como pequeñas pesadillas en las que se acepta lo imposible y lo bizarro con total naturalidad.

 

La historia que da nombre al volumen es probablemente la más representativa del conjunto: una mujer acaba formando una familia con un gorila (¡a petición del director de la empresa para la que trabaja, ojo!) una premisa que podría sonar ridícula si no fuera porque Iijima la desarrolla con una mezcla de drama, sátira y bizarrismo que termina convirtiéndola en una reflexión sobre las relaciones humanas. Y sí, has leído bien: este manga consigue que te plantees durante unos minutos la logística doméstica (y de otros tipos) de convivir con un gorila. No sé si eso habla bien del autor o mal de nosotros. 

 

Pero el resto del volumen no se queda atrás. Entre sus páginas encontramos demonios, robots, alienígenas, experimentos biológicos que salen regular, mujeres capaces de congelar a sus amantes, criaturas monstruosas, obsesiones sexuales y un desfile continuo de conceptos que parecen haber nacido de una mala noche después de cenar demasiado sushi. Cada relato es potente, va al grano y remata con un final macabro e irónico. 

La feliz pareja.

 

Se nota que estamos ante un manga de los setenta: el retrato machista de la sociedad japonesa a la vez que el intento constante de hacer algo rompedor y el erotismo continuo están ahí a la vista, el ritmo es trepidante y las premisas imposibles. Me ha recordado a los cómics de terror de la EC y la Warren, así que para quienes les guste este tipo de historias, con sus características, pero a la japonesa, no lo dudéis, es el símil más cercano que se me ocurre.

 

En cuanto al autor, Ichiro Iijima es uno de esos nombres poco conocidos fuera de Japón que el tiempo ha ido convirtiendo en autor de culto. Sus obras mezclaban terror, ciencia ficción, humor absurdo y crítica social con una libertad creativa que resulta difícil de encontrar incluso hoy. Diábolo, tras La Invasión de los hongos del espacio, vuelve a demostrar que tiene muy buen ojo recuperando este tipo de material casi inédito en España, permitiéndonos descubrir una faceta del manga de los setenta más salvaje, irreverente y extravagante de lo que suele asociarse al medio y que hasta ahora solo podíamos encontrar en editoriales como Satori o Gallo Nero.

 

El estilo gráfico del Tokiota es bastante limpio y claro (en las partes tranquilas de sus historias) pero cuando llega el desquicie de criaturas extraterrestres y monstruos se convierte en pura fantasía: deformidades, monstruos y escenas grotescas te asaltan a cada viñeta. Gozadera total.

Como muestra, un botón.

 

Personalmente tengo que decir que me he gozado este Mi familia gorila. No sabía qué me iba a encontrar aunque ya el título daba pistas, es uno de esos mangas difíciles de recomendar a alguien pero que acabas recomendando por el macarreo. Esperemos que Diábolo siga trayéndonos más material de este tipo porque es una maravilla poder leer estas historias que tienen ya más de 50 años y que no han perdido ni un ápice de capacidad de sorpresa, horror y asombro además de ser también una ventana a la que asomarnos para ver qué se hacía en Japón dentro del gekiga, aunque sinceramente, creo que Iijima es un género en sí mismo.

 

La edición de Diábolo nos llega en rústica, papel offset para las 218 páginas del volumen y a modo de extras, un excelente artículo sobre el autor. Precio 19,95€.

El batir de sus alas, reseña por Jose

El batir de sus alas, cuyo título original es Habataki -Ein Märchen- es un manga autoconclusivo recién publicado por los amigos de Moztros, de la autora japonesa Ikuko Hatoyama que combina fantasía, surrealismo y drama juvenil en esta adaptación del relato original del conocido novelista nipón Tatsuo Hori. La historia sigue a Gigi, un joven fascinado por Zigomar, un famoso ladrón de ficción, que decide transformarse en un palomo ladrón para alterar la tranquilidad de un pequeño pueblo. Lo que comienza como un juego de identidad y travesura acaba derivando en una narración bastante más compleja, donde la frontera entre la representación teatral (en la que se verá atrapado nuestro protagonista), la fantasía y la realidad se vuelve cada vez más difícil de discernir.

Portada de la edición de Moztros.

Uno de los mayores atractivos de la obra es la forma en que aborda temas como la construcción de la identidad, la búsqueda de la libertad y la tensión entre el individuo y el papel que la sociedad espera que desempeñe. Gigi actúa como un personaje que intenta reinventarse a sí mismo, pero su transformación también lo enfrenta a las consecuencias de sus actos y a la imposibilidad de escapar de su propia naturaleza. La obra explora también la nostalgia, el deseo de evasión y la fragilidad de los sueños, todo ello envuelto en un tono de fábula melancólica y simbolismo donde los silencios dicen tanto o más que los propios diálogos de los personajes.

La búsqueda de la identidad y la libertad, los dos grandes temas de la obra.

Como decía al principio, este manga adapta un relato del escritor japonés Tatsuo Hori, autor destacado de la literatura japonesa contemporánea. Hori es conocido por su sensibilidad poética y por su interés en la belleza, la memoria y la melancolía. 

Hatoyama no se limita a trasladar la historia al formato manga, la reinterpreta mediante un lenguaje visual muy personal, respetando el espíritu literario original mientras introduce elementos simbólicos y una atmósfera aún más onírica. 

 

En el apartado artístico, El batir de sus alas destaca por un dibujo delicado y expresivo. Hatoyama emplea trazos finos, composiciones cuidadas y una puesta en escena que recuerda (a veces) a una representación teatral. Sus características palomas acaban siendo una herramienta para reforzar el tono alegórico de la narración (John Woo aprueba este manga). Los espacios abiertos, los silencios y el ritmo pausado contribuyen a crear una atmósfera contemplativa que invita a la reflexión y la introspección más que a la acción, aunque haya acción de sobra también. Cada página parece construida para transmitir emociones y sugerir, no para explicar.

 

En definitiva una obra cuyo atractivo reside en la ambigüedad, el simbolismo y la capacidad de generar interpretaciones. Es un manga que exige implicación por parte del lector, algo que siempre es de agradecer, y que recompensa esa atención con belleza visual y una sensación de extrañeza poética que se queda contigo tiempo después de terminar la lectura. Una obra muy evocadora.

 

La edición de Moztros es sencilla pero muy cuidada: encuadernación rústica y sobrecubierta manteniendo el sentido de lectura oriental. La edición incluye 212 páginas en blanco y negro más 2 páginas a color con un tamaño de 13 x 18 cm y un precio, ojo, de 10,95€.

 

 

El gourmet solitario, reseña por Jose.

El gourmet solitario es una obra muy particular dentro del cómic: sencilla en apariencia, pero sorprendentemente profunda en lo que transmite. A través de sus páginas, propone una exploración de la poesía de lo cotidiano, de esos pequeños momentos que suelen pasar desapercibidos. Lo que, en principio, podría parecer algo simple, se revela como un ejercicio complejo en una sociedad dominada por la inmediatez y el consumo rápido. Quizá por eso, a pesar de haber sido publicado originalmente en 1997, este manga no solo ha resistido el paso del tiempo, sino que, en mi opinión, sigue plenamente vigente casi treinta años después, invitando al lector a detenerse, observar y saborear (literalmente) la vida con otra mirada.

Portada del manga.

A lo largo de 19 capítulos, seguiremos a Goro Inokashira, un trabajador autónomo que recorre los distintos barrios y distritos de Tokio visitando a sus clientes. En el transcurso de esos desplazamientos laborales, sus jornadas se articulan en torno a pausas aparentemente triviales: la elección de un bar o restaurante donde almorzar o cenar. Cada episodio se construye, en esencia, como una variación sobre ese mismo gesto: encontrar un lugar donde comer, lo que podría sugerir una premisa limitada, sin embargo, es precisamente en esa reiteración donde reside su singularidad y también su belleza. Minimalismo narrativo al extremo.

La comida deja de ser un fin en sí mismo para convertirse en un dispositivo de exploración de lo cotidiano. Cada ingesta adopta la forma de un ritual íntimo en el que el protagonista no solo degusta, sino que interpreta: el hambre, la saciedad, las texturas y combinaciones se integran en un flujo constante de pensamiento. Paralelamente, la obra compone un sutil mosaico de la sociedad tokiota, construido a partir de la observación minuciosa de los espacios y de la clientela que los habita y también de la gastronomía japonesa (acabas el cómic y lo único que quieres es bajar a un japonés y ponerte como el Quico).

Riquísimo todo.

Otro detalle que me ha encantado es cómo los autores se alejan deliberadamente del Tokio más aesthetic para adentrarnos en una versión mucho más íntima y auténtica de la ciudad. En lugar de recurrir a los escenarios habituales, nos invitan a recorrer pequeños locales, callejones escondidos y barrios periféricos llenos de vida cotidiana, alejados de los sobadísimos Shibuya o Ginza. Así, construyen un retrato más humano y cercano, donde cada rincón parece tener una historia propia.

Tanto el guion como el dibujo (en una perfecta simbiosis Taniguchi y Kusumi) invitan a disfrutar, a saborear cada página de la historia, de las historias, del señor Inokashira, alguien de quien apenas sabemos nada, un hombre que vive en el presente, que vive y disfruta cada comida. 

Tenemos a un Taniguchi perfectamente reconocible: su clásica línea clara pero a la vez, gran cantidad de detalles en cada local o callejón en los que entra nuestro protagonista.

No hay un principio ni un final definidos, no hay una trama convencional o un desarrollo del protagonista. La obra se limita a acompañarnos en un recorrido por distintos barrios de Tokio donde vamos a ir probando los platos más típicos o singulares de cada establecimiento a reflexionar sobre la percepción, el tiempo y nuestra relación con lo cotidiano. ¿Puede encontrarse la épica en comernos un plato de ramen tranquilamente? Yo digo sí.

Si te gusta el manga y sientes interés por la cultura y la gastronomía japonesa, El gourmet solitario es una lectura que vas a disfrutar sin ninguna duda.

Astiberri nos traía esta joya en en rustica con solapas con un tamaño de 17 x 24 cm. 200 páginas en papel offset, blanco y negro y un precio de 18€. Creo que va por la octava edición y además tiene una secuela: Paseos de un gourmet solitario.

La barca de los cinco colores, reseña por Jose

En 2014, La barca de los cinco colores fue galardonada con el Gran Premio del Japan Media Arts Festival y, al año siguiente, obtuvo una nominación al prestigioso Premio Osamu Tezuka. Este mes de marzo, la editorial Gallo Nero nos trae esta magnífica adaptación al manga, en la que la mangaka Yoko Kondō traslada a viñetas el relato original de Yasumi Tsuhara con gran sensibilidad y alguna que otra aportación personal que, en palabras del propio Tsuhara: "me dejó boquiabierto".

Portada del manga.

Al terminar de leer este seinen, lo primero que me pregunté fue si Yasumi, autor del relato original y natural de Hiroshima, sería admirador de Philip K. Dick. Tras indagar un poco más en su biografía y su obra, ya no me queda ninguna duda. Fallecido en 2022, fue un escritor versátil que tocó múltiples géneros aunque destacó especialmente por sus relatos de ciencia ficción, horror y misterio. Entre sus obras más reconocidas se encuentra esta La barca de los cinco colores (Goshiki no fune), que obtuvo el gran premio en la categoría de relatos en los All-time Best Science Fiction de 2014.

La historia sigue a cinco marginados, personas con deformidades físicas, que sobreviven formando una troupe ambulante de “fenómenos”. Viven juntos en una barca, como una familia improvisada y disfuncional, recorriendo un Japón inmerso en la Segunda Guerra Mundial y sacando lo justo para sobrevivir mientras buscan al kudan, una criatura mítica capaz de profetizar el futuro.

Debo decir que  aunque parte de una premisa dura, personas autoexplotadas como espectáculo, la obra evita caer en el morbo y pone el foco en la dignidad, la ternura y la conexión emocional entre los protagonistas a pesar de la dureza en algunas de sus páginas. Cada uno carga con una historia trágica, pero la narrativa los muestra como individuos complejos y autónomos, no como víctimas.

Kazuo, el chico sin brazos.

La obra entrelaza realismo histórico con ecos del folclore japonés, como el enigmático kudán, y destellos de un mundo onírico que, curiosamente, y en mi opinión, queda más cercano al realismo mágico sudamericano o a la inquietante ficción de Philip K. Dick que a lo estrictamente "onírico". A través de sus páginas, aborda temas profundos: la exclusión social en Japón, el eterno dilema entre la familia biológica y la elegida, y preguntas universales sobre la inevitabilidad y el sentido de la vida (decididamente, esta reseña se está volviendo más filosófica de lo esperado).

No es un manga pensado para el consumo fácil ni para la ligereza, pero brilla por un desarrollo excepcional, personajes de enorme complejidad y un final que deja huella, de los que se quedan contigo después de cerrar sus páginas.

Otro mundo, otra barca.

Yōko Kondō, responsable de llevar el relato original a viñetas, es una mangaka japonesa nacida en 1957. Comenzó su carrera profesional en 1979 y se hizo conocida por obras inspiradas en la historia y el folclore japonés, así como por sus adaptaciones de clásicos de la literatura nipona. A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos galardones, incluido el reconocimiento por La barca de los cinco colores.

Aunque podría intentar definir su estilo, sería en vano: como ella misma explica, cambió por completo su manera de dibujar para adaptar esta historia, simplificando su trazo y capturando la sensación de fugacidad que atraviesa la obra. Fue la propia Kondō quien propuso al autor llevar su relato al manga, y el resultado dejó impresionados tanto a Tsuhara como a la crítica y al público (entre el que me incluyo). Quiero aprovechar para agradecer a la gente de Gallo Nero por hacer posible que esta obra llegara a las librerías de nuestro país. 

En mi opinión, una de las compras comiqueras obligadas de este mes de marzo.

 

La edición de Gallo Nero es en rústica con solapas, 208 páginas con papel offset de calidad ligeramente amarillento, un tamaño de 15 x 21 cm y un precio de 26€. 

Los amigatos Hachi y Maruru, reseña por Jose

Los amigatos Hachi y Maruru (Tsureneko Maruru to Hachi) es un manga seinen (o shonen, no lo sé, mis hijos se lo leen también) de Yuri Sonoda que narra de forma divertida pero también realista la vida de dos gatos callejeros. Un slice of life gatuno en toda regla. Los protagonistas de esta historia son Maruru, un gato doméstico que se ha perdido y vive asustado en un mundo que no conoce y Hachi es un curtido gato callejero que ha aprendido a sobrevivir en la universidad de la calle. El líder del Distrito 3. Juntos deberán enfrentarse a los peligros de la vida callejera. 

La editorial encargada de traerlo a nuestro país ha sido Pika Ediciones.

Portada del volumen 1.

Lo cierto es que dentro del abundante catálogo de mangas de animales, en TDT nos hemos hecho muy fans de este Amigatos. No negaré que siempre he sido más de perros pero desde que mi madre tiene gatos pues también me gustan (Conansito, nombre que elegí yo, es mi favorito). Por otra parte, Juanjo siempre ha sido un fan gatuno y entró de cabeza en este día a día felino que nos han traído los amigos de Pika.

Uno de los grandes aciertos del manga es cómo evita caer en la idealización. La vida en la calle no es fácil: hay hambre, peleas entre gatos, abandono y una constante sensación de vulnerabilidad y peligro. Pero al mismo tiempo, Sonoda introduce pequeños momentos de ternura (la señora que da de comer a los gatos en el parque es un buen ejemplo) y mucho humor (¿por qué los humanos nos quitan las bolas, y qué hacen con ellas?) que equilibran el tono. El resultado es que acaba siendo para todos los públicos y vas de la sonrisa a la carcajada en cada entrega.

La relación entre los protagonistas funciona especialmente bien gracias al contraste entre ambos. Hachi representa la dureza y la experiencia; Maruru, en cambio, aporta inocencia y torpeza. A través de su convivencia, el manga habla de adaptación, confianza y apoyo mutuo sin necesidad de discursos explícitos. Todo se transmite a través de pequeños gestos, silencios y situaciones cotidianas. Y esto es solo el principio, conforme va avanzando la historia entran en juego numerosos secundarios tanto humanos como felinos que añaden complejidad a la trama.

Yasuo, el robagatos.

A partir del tercer volumen, los humanos y el refugio de gatos entran en escena. Lo que en un principio parecía una amenaza, ya que los gatos empiezan a desaparecer de las calles,  acaba revelándose como un lugar seguro para Hachi, Maruru y el resto de sus compañeros del Distrito 3. Cada uno de estos gatos arrastra una historia propia que iremos descubriendo poco a poco a través de flashbacks, episodios que ayudan a entender su carácter y las cicatrices emocionales (y físicas) que la vida en la calle les ha dejado.

Otro de los grandes aciertos del manga es su pequeño componente pedagógico. En cada volumen el lector puede aprender algo sobre el comportamiento de los gatos: cómo se relacionan entre ellos, las distintas personalidades que pueden tener, por qué reaccionan de ciertas maneras o incluso aspectos relacionados con su alimentación. Todo ello se presenta de forma ligera, mediante anécdotas y breves historias que funcionan como epílogo y sirven como extra al final de cada tomo.

En definitiva, estamos ante una obra modesta pero con mucho corazón, capaz de abordar temas duros sin perder nunca su calidez ni su sentido del humor. Una historia encantadora y divertida que atrapa tanto a los amantes de los gatos como a quienes, en principio, no lo son.

En Japón la serie cuenta actualmente con seis volúmenes publicados. En nuestro país, Pika Ediciones acaba de lanzar el quinto tomo y, si todo va según lo previsto, el sexto llegará en mayo. La edición se publica en formato tankōbon y a un precio de 8,50 €.

¡Distrito 3 for life!

Okinawa, el viento habla; reseña por Jose.

Okinawa fue la última gran batalla de la Segunda Guerra Mundial y una de las más sangrientas.

En el verano de 1945, con el conflicto a punto de llegar a su fin, el ejército estadounidense emprendió la toma de esta pequeña isla del archipiélago japonés en una campaña tan estratégica como brutal. Durante casi tres meses, Okinawa se convirtió en un infierno de fuego cruzado, bombardeos constantes y resistencia desesperada. El balance fue estremecedor: alrededor de 250.000 muertos entre civiles y militares, en su mayoría japoneses. Una cifra que revela no solo la magnitud del enfrentamiento, sino el sufrimiento de una población atrapada entre dos ejércitos.

Ahora, Reservoir Books recupera esa memoria en Okinawa, el viento habla, del mangaka Susumu Higa. A través de una serie de historias cortas basadas en testimonios y hechos reales, Higa pone el foco no en la estrategia militar sino en las cicatrices, visibles e invisibles que la batalla dejó en la población local.

Lejos de la épica bélica, la obra se adentra en el dolor cotidiano, en las decisiones imposibles y en el silencio posterior. Porque si algo demuestra este cómic es que, incluso cuando termina la guerra, el viento sigue hablando y recordando.

Portada del manga.

A lo largo de seis relatos devastadores, Higa nos sumerge en el horror de la Segunda Guerra Mundial en el frente del Pacífico, un escenario donde la épica bélica se diluye para dejar paso a la tragedia humana. Aquí no hay bandos heroicos ni discursos grandilocuentes: la guerra es una vasta escala de grises en la que, inevitablemente, la población civil siempre paga el precio más alto.

El maestro Higa no deja títere con cabeza en este compendio (ojo, no confundir con el volumen que publicó Norma el verano pasado). Desfilan ante nosotros soldados norteamericanos que violan y asesinan a mujeres y niñas locales, militares imperiales capaces de ejecutar a sus propios compatriotas o el azote implacable de la malaria, que siega vidas con la misma indiferencia que las balas. La violencia y la muerte no distinguen uniforme ni bandera.
Y, sin embargo, en medio de la barbarie, cada historia guarda un resquicio de humanidad. Un gesto, una mirada, un acto de compasión que resiste al odio. Porque incluso en el infierno, Higa encuentra un rayo de esperanza.

 

 Los horrores de la guerra. 

 

Susumu Higa nació en 1953 en Okinawa y ha dedicado buena parte de su trayectoria a explorar la memoria herida de su tierra natal. Su obra destaca por un enfoque humanista y crítico al abordar la historia reciente de Japón, en especial los episodios vinculados a la Segunda Guerra Mundial y la devastadora Batalla de Okinawa.

Lejos de los relatos épicos o patrióticos, Higa sitúa el foco en la vida cotidiana de la población civil durante el conflicto del Pacífico. Mujeres, niños y ancianos ocupan el centro de unas historias que retratan las consecuencias del militarismo japonés y la posterior ocupación estadounidense desde una perspectiva íntima, dolorosa y honesta. Con un estilo sobrio y depurado, evita el sensacionalismo y apuesta por una narrativa contenida que combina rigor histórico con una mirada compasiva hacia sus personajes.

Debutó profesionalmente a comienzos de los años setenta, vinculado al circuito de revistas alternativas y al manga de autor. Aunque en ocasiones se le ha relacionado con el gekiga por su tono adulto y realista, lo cierto es que su obra posee una identidad propia muy marcada, tanto por su temática como por su sensibilidad.

Higa convierte el cómic en una herramienta de memoria histórica: sus páginas están más cerca del testimonio y del compromiso ético que del entretenimiento bélico al uso. En ese sentido, resulta difícil no establecer un paralelismo con Paco Roca, otro autor que ha sabido utilizar la viñeta como vehículo para preservar la memoria colectiva.

En 2003 recibió el Gran Premio del Festival de Artes Mediáticas de Japón por Kajimunugatai, y su obra ha sido nominada a galardones internacionales de gran prestigio como los Premios Eisner y el Fauve d’Or de Angoulême.

La edición de Reservoir se presenta en tapa blanda con sobrecubierta, 320 páginas con un tamaño de 23,2 x 16,3 cm y un precio de 23,90 €.

Estamos a primeros de marzo, pero mucho tendría que torcerse la cosa el año para que este no termine siendo uno de los cómics imprescindibles de este 2026.

Los locos del Gekiga, reseña por Jose

Si algo demuestra Los locos del gekiga es que el manga no siempre fue sinónimo de fantasía y aventuras juveniles. Hubo un momento crucial, casi clandestino, en el que un puñado de autores decidió romper con todo.
Los locos del Gekiga, de Masahiko Matsumoto y publicado en España por Satori Ediciones, es mucho más que una autobiografía: es un apasionante documento que nos sumerge en la Osaka de finales de los años 50, donde nació una revolución silenciosa. Allí, entre calles grises alquileres baratos y mucho sake, tres jóvenes mangakas: el propio Matsumoto, Yoshihiro Tatsumi y Takao Saitō soñaban con cambiar para siempre el rumbo del manga.

Portada del manga.

Frente al dominio del estilo infantil y aventurero que marcaba la industria, estos tres pioneros, apostaron por historias crudas, realistas y dirigidas a un público adulto. Querían hablar de fracaso, frustración, desigualdad, deseo y supervivencia en un Japón que aún intentaba levantarse tras la guerra. Así nació el Gekiga (término acuñado por o atribuido a Yoshihiro Tatsumi en 1957 y que significa "Dibujo dramático") un movimiento que no solo redefinió la narrativa gráfica japonesa, sino que abrió la puerta a nuevas formas de entender el cómic como arte y como testimonio social buscando historias serias y temáticas adultas.

 

Los tres mosqueteros del Gekiga.

Con un tono agridulce, honesto y humano, la obra retrata la precariedad, la ambición y los desencuentros de aquellos años fundacionales. El auge y la caída de editoriales e incluso prácticas que podrían considerarse mafiosas para retener a los dibujantes en plantilla. Pero también captura algo más difícil de dibujar: la electricidad de sentirse joven, rebelde y convencido de que el arte puede cambiarlo todo. Cuando todo el mundo les decía que aquello no podía hacerse, más se aferraron a su idea y sus convicciones. El resultado es historia del manga y del cómic en general.

Además de ser un testimonio social de la época, Matsumoto contextualiza a la perfección cuál era el panorama comiquero japonés de la época: desde las librerías kashi-hon (de segunda mano y de préstamo) a las editoriales que surgieron para proveer de material a esas librerías independientemente de la calidad de las historias. Había un público muy concreto para un material muy específico, todo lo que se saliera de la norma, era ignorado y/o rechazado. Además de romper con las convenciones creativas, debieron romper con las convenciones sociales: el manga era para niños y las familias de los autores no estaban ni mucho menos contentas con que sus hijos se dedicaran a hacer mangas. 

Especialmente arriesgado es el caso de Takao Saitô, hijo de un barbero que vendió el negocio familiar para dedicarse a su sueño de ser mangaka.

 

Los locos del Gekiga es el relato vibrante de una revolución creativa que transformó el manga desde sus cimientos a través de estos tres mosqueteros y siguiendo la estela de Tezuka, venerado por los tres y que tiene una breve aparición en esta obra.

Una lectura imprescindible para entender de dónde viene y quizá hacia dónde va el cómic japonés.

Satori Ediciones publicó este manga en 2021. 320 páginas en formato kanzenban, rústica con sobrecubiertas, cuya parte interior es un desplegable de lo más chulo, y un precio de 21€.

La chica de los cigarrillos, reseña por Jose.

A finales de este enero, Gallo Nero volvía a publicar La chica de los cigarrillos de Masahiko Matsumoto. La chica de los cigarrillos es una colección de relatos breves que funcionan como pequeños retratos íntimos de personas comunes en plena transformación social y cultural del Japón de posguerra. Se trata de un manga gekiga, un estilo de cómic más adulto, serio y realista que el shōnen o el manga más comercial pero con un toque de humor concebido para lectores adultos. Matsumoto fue uno de los pioneros de este movimiento.

Portada del manga.

La ciudad de Tokio (y sus alrededores) sirven de escenario principal: barrios en expansión, calles estrechas, tabernas, tiendas tradicionales y oficinas. En ese entorno se mueven personajes que intentan encajar en una sociedad que cambia rápidamente y bascula entre la tradición y la modernidad.

El tono del manga alterna lo cotidiano con lo dramático: problemas de empleo, relaciones, amor o la presión social sobre el matrimonio; todo ello en relatos que tienden hacia lo humano y lo cercano: un chaval que fantasea con la chica que le vende tabaco en el estanco, una chica que decide abortar a escondidas involucrando a su mejor amigo, un joven parado en busca de trabajo...No hay un protagonista único aunque sí personajes que se repiten.

Las abigarradas callejuelas del Tokio de los 70.

Esta colección de historias tiene un valor añadido: es un documento significativo del auge del gekiga, un movimiento que ayudó a hacer el manga adulto y narrativo en Japón y a través de historias aparentemente sencillas, Matsumoto pinta un retrato social y emocional del Japón de la posguerra con personajes en busca de su identidad y de su encaje en esa sociedad que cambia a cada segundo. Estas historias se alejan de ese Japón del milagro económico pre 

80´s y de sus tradiciones ancestrales, esta recopilación se centra en lo que ocurre entre bambalinas, va a lo micro, a las historias cotidianas y las vidas de quienes protagonizan esos cambios sociales y económicos con un resultado, en mi opinión, de sobresaliente.

El dibujo de Matsumoto tiene un estilo sencillo, expresivo y caricaturesco pero lleno de matices, sus silencios narrativos suelen sugerir más que contar y deja la puerta abierta a la interpretación de lector, cosa que me gusta.

En definitiva: un documento muy interesante del auge de Gekiga y la transformación que sufrió el Japón de posguerra, un clásico del género y un disfrute para quienes gusten del manga con un tono realista, íntimo y adulto.

La edición de Gallo Nero: 272 páginas en papel offset, tapa dura con solapas y un precio de 26€

The walking cat, reseña por Jose.

Año nuevo, manga nuevo. De la mano de Moztros nos llega The Walking Cat, el manga que demuestra que los gatos sobrevivirían a un apocalipsis zombi. El mundo se va al garete, los zombis deambulan por ahí alimentándose de los humanos que quedan, la civilización se derrumba… y te encuentras un gato.

La historia comienza con Jin, un chaval desesperado por encontrar a su esposa en medio del caos de carne podrida y caminantes sin cerebro pero lo que se encuentra, contra todo pronóstico, es un gato blanco adorable (Yuki) que se convierte en su compañero de aventuras (y probablemente único ser que no intenta comérselo). Pero Jin no es el único humano del que veremos su historia, a lo largo de las más de 500 páginas de esta historia, Yuki va encontrando nuevos humanos en su deambular por un mundo que se ha venido abajo: una comunidad de supervivientes o un chaval que lo salva de una muerte segura son algunos de ellos.

Pero aquí viene lo interesante: esta no es una típica historia de zombis a lo “caminantes chungos comecerebros”; es un drama de supervivencia visto a través de los ojos felinos de Yuki y las relaciones humano-animal que se desarrollan en el proceso (especialmente divertida es la del sensei de la comunidad de supervivientes).

 

Portada de la edición integral.

The Walking Cat es un seinen de horror y supervivencia que mezcla elementos clásicos del género apocalíptico con una mirada inesperadamente tierna y divertida que nos ofrece la presencia del valiente y juguetón Yuki. La presencia del gato sirve de contrapunto perfecto para el horror que se nos describe página a página y gore que te salpica como te descuides. Eso sí (y aquí va un spoiler): Yuki no se mancha de sangre ni una sola vez XD.

The Walking Cat no reinventa el género, pero destaca gracias a su enfoque emocional y a la relación humanos y animales en un contexto de supervivencia y horror. Mezcle horror, drama  sensibilidad y una pizca de humor (yo diría que describe perfectamente cómo es vivir con un gato, da igual que sea un soleado domingo por la mañana o en mitad de un apocalipsis zombi) aunque no vayáis buscando algo especialmente profundo y que os vaya a cambiar la vida.

Moztros ha decidido traernos este Walking Cat en edición integral tres en uno al igual que otras editoriales están haciendo con One Piece, Naruto o Ataque a los titanes, cosa que se agradece por el ahorro en estanterías y en la cartera.

Tapa blanda, 522 páginas y un precio de 16,90€.

Si eres fan del género y/o amante de los michis, ya sabes...

Nuevas licencias de manga Panini

 

Moztros anuncia nueva licencia de manga

Una nueva joya literaria llega a Moztros Manga en 2026

Nos alegra presentar uno de los títulos más especiales de nuestro catálogo para el próximo año.

En marzo de 2026 publicamos El batir de sus alas, una obra delicada, poética y sorprendente, firmada por Ikuko Hatoyama, que adapta un relato clásico del legendario escritor japonés Tatsuo Hori.

Una historia única donde la elegancia, el misterio y el encanto del Japón rural se entrelazan con la sensibilidad visual de una autora imprescindible.

SINOPSIS

Inspirada por las hazañas de Zigomar, el célebre ladrón de ficción francés, una paloma ladronzuela comienza a causar estragos en un pequeño pueblo entre montañas.

Nadie conoce su identidad.

Todos comentan su elegancia.

Con trazo fino, atmósfera envolvente y una narrativa llena de silencios sugerentes, Ikuko Hatoyama despliega todo su talento para reinterpretar este clásico de Tatsuo Hori, convirtiéndolo en un manga tan bello como inolvidable.

DATOS DE LA EDICIÓN

Autora: Ikuko Hatoyama

Demografía: Seinen

Género: Fantasía, histórico

Tomo único

Formato: B6 japonés

Páginas: 216 (212 b/n + 2 a color)

Fecha de lanzamiento: Marzo 2026

Edición Especial: Sobrecubierta con tinta especial

Un título que desplegará sus alas en 2026

Desde Moztros Manga seguimos apostando por obras con identidad propia: sensibles, elegantes y con alma.

El batir de sus alas será una de las primeras grandes sorpresas del año.

Gracias por acompañarnos.

Muy pronto, más novedades.

Drifter Realms, reseña por Jose.

Drifter Realms es un manga (un pedazo de manga) que el mangaka gaditano Manué Soto Galeote acaba de publicar mediante una campaña de Verkami. Este es el primer trabajo de Manué y la verdad es que es una auténtica maravilla tanto por la historia como por el dibujo y por la estupenda edición en la que ha salido publicado y que podéis encontrar en librerías.

La muerte no es el final. Una nueva era astral ha comenzado con la llegada de nuestro protagonista a la Frontera de los Mundos. Aterrado y sin recuerdos de su vida terrenal, deberá descubrir quién es, por qué esta allí y hacer frente a los inquietantes Ecos del ego. Pero en esta aventura no estará solo, sus aliados serán unos mapaches interdimensionales y los ascetas: unos guerreros samuráis que le ayudarán a adaptarse a ese nuevo mundo violento y hostil y le guiarán en su camino de autodescubrimiento katana en mano.

Portada del primer tomo.

Si nos dejáramos guiar por las viñetas que han ido apareciendo en redes, podríamos decir que nos encontramos ante el típico manga de acción, violencia y samuráis (de hecho, tiene bastante de esas tres cosas) pero si miramos más allá y una vez leídos los dos primeros volúmenes, tiene un rollo bastante metafísico y fantástico. Juega con la búsqueda del yo, con encontrar tu lugar en el mundo y con el viaje hacia algo que no conoces todavía aunque sepas que debes llegar. Como digo, todo aderezado con mapaches, samuráis y unas escenas de lucha que son una auténtica gozadera. Mucha influencia de Vagabond, La espada del inmortal o El lobo solitario y su cachorro. Tres clásicos del género.

Los Ecos del ego. Correosos y difíciles de matar.

Yoni, Brayan y Ron. Así de primeras podrían ser los tres colegas que fuman pitillos en el callejón de detrás del instituto pero no, son mapaches interdimensionales, hermano. Estos simpáticos animalitos van a salvarle el culo al protagonista en más de una ocasión y son tan duros de pelar como los Ecos del ego. 

 

Los mapaches. Tipos duros pero sensibles.

 

En definitiva, un manga europeo jugosísimo. Un cómic que va más allá del mero shonen de samuráis y peleas y en el que el autor ha puesto todo de sí mismo. El propio Manué nos habla en los extras del proceso creativo y de cómo estuvo meses sin tocar un lápiz buscándose a sí mismo (un poco como nuestro protagonista) hasta que se acabó encontrando y acabando el segundo volumen. ¿Habemus tintes autobiográficos? Esperamos hablar con él en breve y que nos cuente más sobre la creación de este Drifter realms.

 

 Asceta y mapache. Una pareja de baile letal.

 

Drifter realms es uno de los mejores cómics que me he leído este año. Que un tío de Conil se casque este manga de entrada, me parece una pasada y le da un gran valor añadido además del aliciente de leer un manga "con acento andaluz".

En cuanto a la edición, es tan buena como el cómic en sí: muy cuidada, muchos detalles y la verdad, muy bonita. Formato Kanzenban (14 x 21 cm) con sobrecubierta, más de 200 páginas por tomo, blanco y negro y un precio en librerías de 18€. 

También podéis contactar con el propio autor y comprárselo a él.

Uno de los cómics del año, no digo más.

 

Los evaporados. Reseña por Jose.

Cada año, desaparecen en Japón 80.000 personas de manera voluntaria: los evaporados. Johatsu. Son personas que por diversos motivos deciden abandonar su vida, marcharse a otra ciudad y comenzar una nueva vida bajo una identidad falsa. Nadie los busca. Son decisiones tomadas voluntariamente por un adulto.

 

                                        Portada de la estupenda edición de Astiberri.

 

A medio camino entre el manga y el europeo, el autor francojaponés Isao Moutte (Clapas, Ponent Mon) nos trae esta estupenda adaptación de la novela homónima de Thomas B. Reverdy en la que, con el desastre de Fukushima como telón de fondo, somos testigos de la decisión de Kaze, un oficinista modélico, de "evaporarse". En su nueva vida, se cruzará con Akainu, un chico huérfano superviviente del Tsunami que malvive en las calles de Tokio. Mientras tanto, la hija de Kaze, que vive en Francia, volverá a Japón para intentar, junto con su madre, dar con el paradero de su padre desaparecido.

            Empresas de mudanza clandestinas que trabajan por la noche. Muy convenientes.

 

A medio camino entre el drama y el thriller, el cómic va desarrollándose de manera pausada adentrándose cada vez más en las historias de sus protagonistas y qué les llevó a tomar sus decisiones, además de ir añadiendo todo un elenco de secundarios que acaban convirtiendo este cómic en una gran historia. Un retrato sociológico muy certero de la sociedad japonesa en el que el deshonor, la vergüenza, los chanchullos inmobiliarios e incluso la yakuza tienen su papel.

La narrativa y el dibujo de Moutte son extraordinarios, un cómic más de silencios que de diálogos, de paisajes urbanos y humanos en esta historia que te atrapa desde el principio y que no puedes parar de leer hasta que termina y que recomiendo totalmente.

                                            Impresionante trabajo gráfico de Moutte.

 

La edición de Astiberri, magnífica, como de costumbre. 160 páginas en tapa dura por 22€.

La llamada de Cthulhu, de Gou Tanabe. Reseña por Jose.

Nueva adaptación de la obra de Lovecraft a cargo de Gou Tanabe y, en esta ocasión, le ha tocado el turno a La llamada de Cthulhu, uno de los relatos más conocidos y fundamentales dentro de los Mitos de Cthulhu, of course. Después de lo mucho que me gustó su trabajo con Las montañas de la locura, tenía bastante claro que esta adaptación iba a caer tarde o temprano, y la verdad es que Tanabe vuelve a demostrar que ha nacido para llevar el universo lovecraftiano al manga.

Estamos ante una adaptación excepcionalmente fiel a la historia original, pero que no se limita a trasladar el texto de Lovecraft a viñetas. Tanabe consigue capturar esa sensación de inquietud constante, de estar acercándonos poco a poco a algo que probablemente sería mejor no conocer. Y eso, tratándose de Lovecraft, no es precisamente fácil.

Una vez más, su dibujo es uno de los grandes protagonistas. El nivel de detalle, los escenarios oscuros, las expresiones de los personajes y, sobre todo, la manera en que representa lo desconocido consiguen crear una atmósfera opresiva y perturbadora. Tanabe sabe cuándo mostrar y cuándo sugerir, algo fundamental en una historia en la que el horror funciona precisamente porque nunca llegamos a comprender del todo aquello que tenemos delante.

Y ahí creo que está una de las grandes virtudes de esta adaptación: Tanabe no intenta competir con Lovecraft, sino entenderlo. Respeta el espíritu de la obra original y lo transforma en imágenes sin perder esa mezcla de misterio, terror cósmico y fascinación por lo desconocido que hace que los relatos de Lovecraft sigan funcionando casi un siglo después.

En definitiva, otra adaptación de Gou Tanabe que se suma a mi colección y otra demostración de que, si alguien puede hacer justicia al horror cósmico de Lovecraft en formato manga, ese alguien es este señor de Tokyo.

Portada de la edición de Planeta.

Escrita originalmente en 1928 y publicada en Weird Tales, la trama sigue a un antropólogo llamado Thurston que investiga los relatos de un culto misterioso que adora a una criatura ancestral y monstruosa llamada Cthulhu. A medida que se sumerge más profundamente en el oscuro mundo del culto, descubre horrores más allá de su comprensión y se enfrenta a la posibilidad de que la llegada de Cthulhu pueda significar el fin del mundo tal como lo conocemos.

                                 Tentacularmente espectacular Tanabe

En el apartado gráfico, Tanabe es impresionante, quienes hayáis leído sus anteriores adaptaciones lo sabéis bien, y sus representaciones de los monstruosos seres del mundo de Lovecraft son increíblemente detalladas y aterradoras (además de viscosas y tentaculares, claro) y la forma en que maneja la atmósfera de misterio y tensión es magistral, creando una sensación de peligro inminente y desasosiego que se palpa en cada página.

En resumen, "La llamada de Cthulhu" de Gou Tanabe es una excelente adaptación (una vez más) de la historia de Lovecraft, igual de espeluznante y satisfactoria que el original. Los fanáticos del profeta de Providence, del género del horror y del manga no queréis perderos esta impactante y perturbadora interpretación visual de una de las historias más influyentes de la literatura de terror.

Otra demostración del poderío gráfico de Tanabe

La edición de Planeta, como las anteriores: un kanzenban en tapa dura, es impecable, y los 20€ de precio la convierten además, en muy apetecible.