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lunes, 20 de julio de 2026

Corto Maltés: el día antes, reseña por Jose.

Con El día antes, Martin Quenehen y Bastien Vivès cierran la trilogía iniciada con Océano negro y continuada en La reina de Babilonia, un proyecto ambicioso y arriesgado: trasladar a Corto Maltés al siglo XXI manteniéndolo reconocible, respetando los códigos del personaje pero a la vez, haciendo algo diferente. Su propuesta prescinde de la nostalgia como motor de esta reinterpretación y apuesta por demostrar que el personaje creado por Hugo Pratt sigue siendo capaz de recorrer un mundo convulso, aunque ese mundo ya no esté marcado por los imperios coloniales y las guerras del primer tercio del siglo XX, sino por la globalización, la crisis climática, el terrorismo y las nuevas formas de crimen organizado. 

Ni que decir tiene que la propuesta no ha dejado indiferente a los fans del marino maltés y ha polarizado las posturas. Aquí en TDT nos ha encantado esta nueva visión que nos ofrece la dupla de autores franceses y estábamos deseando leer el tercer volumen que acaba de llegar a librerías de la mano, como siempre, de norma Editorial.


Portada del cómic.

En esta tercera y última entrega, Corto viaja (de manera bastante inesperada) hasta Tuvalu, un archipiélago polinesio amenazado por la subida del nivel del mar, para rescatar a una vieja amiga. En el camino se cruza con una abogada ambientalista, una agente antiterrorista y un piloto, viejo amigo de Corto que es un adicto a las drogas; en una aventura donde las tríadas chinas, la geopolítica y el cambio climático sustituyen a las conspiraciones coloniales y los conflictos bélicos de las historias clásicas de Pratt. Quenehen convierte el calentamiento global en el telón de fondo de la narración, no tanto como un discurso militante (que igual un poquito también) sino como el nuevo escenario donde se desarrolla la aventura contemporánea.

Más allá de su lectura como reflexión/denuncia sobre el mundo actual, El día antes funciona sobre todo como un relato de aventuras. Quenehen construye una trama en constante movimiento: persecuciones, infiltraciones, traiciones y cambios de escenario que mantienen un ritmo ágil de principio a fin. Corto se ve envuelto en una compleja red de intereses donde convergen organizaciones criminales, agentes de inteligencia, activistas medioambientales y personajes con motivaciones ocultas. Como en las mejores historias del personaje, el bueno de Corto parece avanzar más por intuición y suerte que por un plan preconcebido, dejándose arrastrar por los acontecimientos y encontrando en cada encuentro una nueva pieza del puzle.

El reparto secundario así como las diferentes localizaciones juegan un papel fundamental en la historia. La abogada comprometida con la defensa de Tuvalu aporta la dimensión humana del conflicto ecológico, la agente antiterrorista introduce una tensión constante entre la legalidad y las zonas grises en las que siempre se ha movido Corto, si les sumamos un piloto yonki y un buen grupo de mercenarios, mafiosos y colaboradores ocasionales a una narración donde las lealtades cambian a la vuelta de la página y nadie parece actuar movido por un único interés, queda un reparto de lo más completo; además los clásicos lugares exóticos entendidos como espacios por descubrir (en el Corto de Pratt) ahora son territorios atravesados por problemas globales muy lejos del romanticismo que impregna la obra del autor veneciano: el ascenso del nivel del mar, las disputas geopolíticas en el Indo-Pacífico, las redes internacionales del crimen organizado y los intereses económicos que condicionan la política internacional. 
La aventura mantiene cierto sabor clásico pero se nutre de conflictos plenamente actuales y las aventuras de Corto se inclinan más hacia el thriller de acción que a los relatos de exploración y aventuras de finales del XIX y principios del XX.
Amistades peligrosas.

En ese aspecto, La comparación con el Corto Maltés de Hugo Pratt resulta inevitable: Pratt concebía sus historias con un marcado equilibrio entre aventura, literatura, historia y mito (siendo en mi opinión La fábula de Venecia el álbum más equilibrado). Sus relatos estaban llenos de silencios, simbolismo y encuentros con personajes históricos o legendarios, envueltos en una atmósfera casi onírica, sobre todo en los últimos álbumes, donde importaba  el viaje físico pero sobre todo, el espiritual. El lector debía aceptar que la frontera entre la realidad y la fantasía era siempre difusa.

Quenehen y Vivès, en cambio, optan por un enfoque más directo y cinematográfico. Su Corto es más físico, más inmediato y menos contemplativo. La acción tiene un mayor peso y los conflictos políticos aparecen de manera explícita. El misterio y la dimensión esotérica, tan características de Pratt, quedan relegados a un segundo plano en este tercer álbum en favor del thriller de aventuras. Es un cambio de sensibilidad que puede no gustar a quienes buscan la poesía narrativa del autor italiano, pero que acerca el personaje a lectores contemporáneos acostumbrados a un ritmo más dinámico.

El apartado gráfico de Bastien Vivès contribuye y mucho a esa modernización. Su dibujo mantiene una economía de línea que, de algún modo, homenajea la síntesis gráfica de Pratt, sobre todo en su última época, pero incorpora una narrativa visual mucho más cinematográfica y fluida. El resultado conserva la elegancia minimalista sin caer en la copia.

También merece destacarse el trabajo de Martin Quenehen. Historiador de formación (se nota) y escritor antes que guionista de cómics, demuestra mucho interés por situar las aventuras dentro de problemáticas geopolíticas reales. Sus guiones conectan la tradición aventurera con problemas contemporáneos sin perder de vista el entretenimiento, consiguiendo así una narración adaptada a los tiempos sin perder de vista el espíritu de la obra original. 


El Corto de Vivès.

Como cierre de trilogía, El día antes confirma que la reinterpretación de Quenehen y Vivès nunca pretendió competir con la obra de Hugo Pratt, sino ofrecer una lectura alternativa del personaje; es un cierre sólido para esta serie de tres álbumes que ha sabido actualizar a uno de los grandes iconos del cómic europeo sin traicionar su identidad.

Norma Editorial publica este tercer volumen en una cuidada edición en tapa dura, con un formato de 19 × 28 cm, papel satinado de alto gramaje y un total de 176 páginas, que incluyen un interesante apartado de extras. Todo ello por un precio de 28 €, en una edición que mantiene la calidad y la uniformidad de los dos álbumes anteriores de esta nueva etapa de Corto Maltés.

lunes, 29 de junio de 2026

Habana Split 1, reseña por Jose

Abril de 1958. La Revolución Cubana entra en su fase decisiva con la convocatoria de la huelga general. Aunque la movilización fue brutalmente reprimida por la dictadura de Batista, su impacto político resultó determinante: el mando revolucionario quedó unificado bajo el liderazgo de Fidel Castro en la Sierra Maestra. Apenas un año después, Batista huía de la isla. La Revolución había triunfado.

Es en este contexto donde se desarrolla Habana Split 1. Bienvenidos a Cuba, publicado originalmente por Dupuis en 2025 y recién llegado a nuestro país de la mano de Nuevo Nueve este mismo mes de junio. Este primer volumen de la serie combina el género negro, la aventura y la comedia con un trasfondo histórico perfectamente reconocible.

Portada del cómic.

La premisa de Habana Split es tan sencilla y clásica como efectiva: en plena efervescencia revolucionaria, Lily Valdés regresa a Cuba tras varios años estudiando en Estados Unidos para reencontrarse con su padre, Arnaldo, un detective privado en horas bajas, adicto al juego y endeudado con Don Alfonso, un mafioso local. Para saldar la deuda y recuperar a Arnaldo, retenido como rehén, Lily deberá unir fuerzas con John, un exagente de la CIA, y José, el hombre para todo de la agencia de detectives. Su misión no será sencilla: secuestrar a la amante de un gánster rival de Don Alfonso. Un thriller tropical en toda regla. 

Lily.

A partir de ese planteamiento, la trama se convierte en un divertido rompecabezas donde intervienen la mafia habanera, antiguos agentes de la CIA, revolucionarios y toda clase de personajes ambiguos. El ritmo es muy dinámico, con constantes giros de guion y un equilibrio muy conseguido entre la acción, el humor y el suspense. 

El contexto histórico es mucho más que un simple decorado. La Habana aparece retratada como una ciudad vibrante, llena de casinos, corrupción, intereses estadounidenses y organizaciones criminales justo antes del triunfo de la Revolución Cubana. Mientras los protagonistas intentan resolver sus "problemas personales", somos testigos de cómo el país se encuentra al borde de una transformación radical. La presencia de la CIA, las tensiones políticas y los rumores sobre el avance de los rebeldes convierten la Revolución en un elemento  de fondo constante aunque sin eclipsar nunca el tono propio del relato. 

En conjunto, diría que Habana Split tiene la atmósfera de la Habana de El Padrino 2, el humor de Nuestro hombre en La Habana, y el tono aventurero de una mis películas favoritas de los 80: Tras el corazón verde, sin perder ni un ápice del sabor del cómic franco-belga clásico. Esa mezcla de géneros funciona como un tiro y me ha resultado tremendamente entretenida.

¿Os suena el señor de la barba?

El guion corre a cargo de Frédéric Brémaud (también conocido como Brrémaud), un prolífico autor francés con bastante experiencia en géneros tan diversos como la aventura, el humor y el cómic histórico. En Habana Split demuestra una gran habilidad para construir diálogos ágiles, personajes carismáticos y una trama que nunca (de verdad, ¿eh?) pierde el ritmo. Su narrativa bebe claramente del cine negro, del pulp y de las películas de aventuras clásicas, pero incorpora un humor desenfadado que evita que la obra tenga un tono excesivamente serio.

En el apartado gráfico destaca (y mucho) el trabajo de Vittoria Macioci, historietista italiana que compagina su trabajo como ilustradora y docente. Su dibujo resulta expresivo, elegante y muy cinematográfico. Los personajes tienen una gran personalidad visual (su estilo caricaturesco pero sin pasarse les sienta como anillo al dedo) y las escenas de acción se leen con enorme fluidez. El color, cálido y luminoso, transmite perfectamente la atmósfera tropical de la Cuba de finales de los años cincuenta, al tiempo que contrasta con la violencia y la corrupción que dominan la historia en cuyos pasajes predominan los tonos más oscuros. La ambientación urbana, los automóviles, los edificios coloniales y los locales nocturnos (ojo al mítico Copacabana) contribuyen a crear una recreación muy atractiva de aquella Habana previa a la revolución.

Habana Split 1. Bienvenidos a Cuba me ha parecido una de las lecturas más refrescantes y entretenidas del año. Su mezcla de cine negro, aventura, humor y contexto histórico funciona de maravilla, mientras que el espectacular trabajo gráfico de Vittoria Macioci termina de redondear un primer volumen que deja con muchas ganas de continuar la serie.

La edición española de Nuevo Nueve está muy en la línea habitual de la editorial: una edición cuidada, pensada para poner en valor el aspecto gráfico de la obra: tapa dura, un tamaño de 22 x 30 cm para que luzca el trabajo de Macioci y papel offset de alto gramaje para las 96 páginas del cómic con un precio de 25€.

jueves, 25 de junio de 2026

No me da la vida, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo, nos llegaba de la mano de Salamandra Graphic el debut en el cómic para adultos de Danicollaterale, pseudónimo del autor italiano Daniel Pasin. Arquitecto de formación (y profesión) decidió dar el salto al mundo de la historieta como han hecho autor@s como Marta Kayser, Agustín Ferrer Casas o Manuele Fior (Hypericon). No me da la vida. Crónica de un arquitecto en prácticas es una obra inspirada en la experiencia del propio autor como arquitecto en prestigiosos estudios internacionales que pone el foco en la hiperproductividad, la cultura del trabajo y en cómo el vivir para trabajar puede acabar dejándote sin vida pero también es, sin duda, un retrato apasionado de la profesión, enmarcado por la arquitectura parisina. 

Portada del cómic.

La historia sigue a Enzo, un joven arquitecto italiano que consigue una beca en un estudio de arquitectura de renombre internacional. Lo que inicialmente parece el primer paso hacia una carrera brillante pronto se convierte en una carrera de fondo contra los plazos imposibles, las jornadas interminables y una cultura empresarial donde dormir, como diría Gordon Gekko, es para los débiles (porque comer, comen como si no hubiera un mañana). Mientras el estudio prepara un ambicioso proyecto para un concurso internacional, Enzo y sus compañeros van sacrificando progresivamente su tiempo, sus relaciones personales y, en algunos casos, su salud mental. Todo ello por la promesa de un futuro profesional que nunca termina de concretarse. 

"¿Te sabes la de vivir para trabajar"? Esta frase podría resumir este cómic. Danicollaterale nos muestra un sistema donde el trabajo deja de ser una parte de la vida para convertirse en su totalidad. La obra cuestiona esa idea tan extendida de que, si amas tu profesión, cualquier sacrificio está justificado. En sus páginas aparece una generación que ha interiorizado que trabajar doce horas al día es ambición, responder mensajes durante las vacaciones es compromiso y encadenar estrés con ansiedad es, aparentemente, una forma avanzada de desarrollo profesional. El resultado es una sátira amarga sobre una sociedad que confunde la explotación con la vocación aunque nuestro protagonista parece disfrutar de su situación a pesar de todo. Afortunadamente, las nuevas generaciones están abandonando esa idea de la romantización de la explotaciçon aunque el lobby hostelero y el presidente de la CEOE quieran vendernos lo contrario.

El ecosistema de trabajo.

El estudio de arquitectura está habitado por personajes tipo: el jefe cabrón, los compañeros de trabajo buena gente, el pelota, el enchufado...todos son piezas del enorme engranaje laboral en el que Enzo es el recién llegado, lleno de ilusión y ganas. Todos personajes absolutamente reconocibles dentro de nuestro entorno laboral cotidiano. El hecho de que el cómic esté basado en las vivencias del autor le da más credibilidad si cabe: anécdotas reales y personajes tipo como el propio Danicollaterale se encarga de aclararnos al inicio de la obra.

El despiadado mundo de la búsqueda de empleo.

En el apartado gráfico, Danicollaterale desarrolla un estilo muy personal influido por el lenguaje de la arquitectura. Las páginas están llenas de líneas precisas, composiciones cuidadosamente construidas y diseños que transmiten orden y control. La mismísima primera página del cómic es ya una declaración de intenciones con esa página completa que es la salida del metro de París en el distrito 11: las curvas del diseño modernista de la estación de metro frente a la rigidez de las líneas neoclásicas de los edificios de París. Enzo frente al mundo.
Además, las composiciones de páginas y las soluciones narrativas (además de la rapidez) nos consiguen transmitir esa idea de estrés, de velocidad y de tener que terminar el trabajo a tiempo en un entorno laboral que acaba siendo un protagonista más de la historia. 
 
No me da la vida es una obra inteligente y actual, no solo es una crítica a la explotación laboral y su romantización sino que también es una crítica a la precariedad laboral, el precio de la vivienda y el enchufismo. Un muy buen cómic en un momento muy apropiado.
 
La edición de Salamandra Graphic está muy cuidada: tapa dura para las 208 páginas en papel offset de calidad, un tamaño de 25,6 x 20,1 cm y un precio de 27,95€

jueves, 18 de junio de 2026

Outline, reseña por Jose

Outline, de Michèle Fischels y recién publicado por los amigos de Reservoir Books, es un  cómic de iniciación que retrata con gran sensibilidad (y acierto) el último año de instituto de tres amigos Ben, Clara y Andreas, en el periodo previo al examen de acceso universitario en Alemania. A través de sus relaciones afectivas, sus amistades y sus incertidumbres sobre el futuro, la obra aborda ese momento en el que la adolescencia empieza a quedar atrás mientras la vida adulta aún no ha tomado forma y llega, por primera vez en la vida, la pregunta: ¿y ahora qué?

Portada de la edición de Reservoir Books.

La autora centra su atención en los sentimientos de incertidumbre que acompañan el final de una etapa vital pero más que contar grandes acontecimientos, Outline se interesa por las pequeños roces que surgen entre amigos y parejas: la relación entre la relación de amistad entre Ben y Andreas y el deterioro que sufre al empezar a salir juntos Ben y Clara, los deseos que permanecen sin expresar (no hago spoilers) y por el miedo a un futuro lleno de posibilidades, de responsabilidades y también, de inevitables despedidas. El resultado es un retrato generacional que logra ser muy específico y, al mismo tiempo, totalmente universal. 

Uno de los grandes aciertos del cómic es su enfoque narrativo: Fischels evita explicaciones directas y prescinde casi por completo de una voz narradora. La historia se construye a través conversaciones cotidianas, silencios, gestos y miradas (me encanta esa escena casi al final entre Ben y Andreas). Esta estrategia permite que los conflictos emocionales aparezcan de forma natural y creíble, alejándose del melodrama habituale en muchas historias juveniles sobre el paso a la madurez. 

Ben y Andreas.

En el apartado gráfico, Fischels apuesta por un dibujo aparentemente sencillo pero elegante y suelto, muy fluido y con una composición muy cuidada de las páginas y una gran capacidad para transmitir atmósferas. Los espacios abiertos, los juegos de luz y una paleta cromática contenida (que cambia según la estación del año) contribuyen a reforzar la sensación de transición e indefinición que experimentan los protagonistas. El estilo visual evita el exceso de detalle para centrarse en las emociones ( es un dibujo muy expresivo) y en el ritmo de las escenas.
A mí personalmente, el estilo de Fischels me ha recordado a Tillie Walden pero con un trazo un poqiuto más suelto en la línea de Sebastian Vivès. Muy contemporáneo y muy indie.
 
Por terminar: Outline es un estupendo cómic de iniciación que abraza las dudas (y el aprender a vivir con ellas) más que las certezas; un debut comiquero por parte de la autora (ganadora del Luchs-Jahres-Preis2024) lleno de emotividad, con una gran narrativa y que trata con honestidad, delicadeza y mucho savoir faire esta etapa tan compleja en la vida y tan llena de inseguridades como es el tránsito a la madurez.
¡Wasabi: picante hasta el final! 

La edición española de Outline publicada por Reservoir Books sigue la línea habitual de la colección Reservoir Gráfica: rústica con solapas, 208 páginas a color con un tamaño de 21,9 x 16,8 cm y un precio de 21,90 €. La traducción corre a cargo de Esther Cruz Santaella.  

lunes, 15 de junio de 2026

Tierra o luna, parte 1; reseña por Jose

Tierra o Luna, de la historietista francesa Jade Khoo, recién publicado por en nuestro país por Astiberri, es un cómic que combina relato de iniciación, drama familiar, ciencia ficción, thriller y reflexión ecológica en una historia delicada y ambiciosa. Concebida como la primera parte de un díptico, la obra nos introduce en un mundo que, aunque fantástico, refleja muchas de las preocupaciones sociales contemporáneas relacionadas con la familia, la identidad, la pertenencia, la inmigración, y la relación del ser humano con su entorno, un tema que suele estar presente en gran cantidad de obras de ciencia ficción desde las más clásicas hasta las más modernas. Desde sus primeras páginas, la autora demuestra una increíble capacidad para construir una atmósfera envolvente (tremendo prólogo cuyo final no te ves venir) que te invita a perderte en un universo tan bello como inquietante gracias a ese toque de realismo mágico que la autora le ha dado a la historia.


Portada del cómic.

La historia sigue a Otelo, un joven marcado por un suceso traumático de su infancia que le atañe directamente. Tras pasar años en un centro de acogida, regresa a su entorno durante unas vacaciones de verano y comienza unas prácticas en una asociación ornitológica invitado por sus amigos de la infancia. Lo que inicialmente parece un relato costumbrista sobre la amistad, el crecimiento personal, la adolescencia y la observación de aves va revelando poco a poco una dimensión mucho más amplia: Otelo no vive en La Tierra, La Tierra se ha convertido en un planeta prácticamente inhabitable degradado por la contaminación y la sobreexplotación. A partir de esta premisa, Khoo explora cuestiones como la desigualdad social, la memoria familiar, las migraciones, el colapso ecológico y la relación del ser humano con el entorno, además, Otelo empieza a investigar sobre su familia y sus orígenes, una investigación llena de revelaciones sorprendentes. 
Esta mezcla de ciencia ficción, ecologismo, relato de iniciación, drama familiar e investigación, hacen que esta historia sea una obra de lo más ambiciosa. 
Cada página de Jade Khoo es una auténtica maravilla.
 
Y si el guion es ambicioso, el apartado gráfico es sencillamente extraordinario. Jade Khoo trabaja principalmente con acuarelas, algo que se percibe en cada página. Sus colores tienen una luminosidad casi táctil recordándome por momentos a Remington, Maggiori e incluso a Gonzalo Bilbao: los verdes de los prados, los cielos abiertos, los atardeceres, los bosques y las criaturas que pueblan este mundo transmiten una sensación constante de asombro. Su línea es delicada, pero precisa, capaz de alternar escenas íntimas con panorámicas espectaculares. La autora combina influencias de la bande dessinée francobelga (ojo a esos homenajes a Moebius) la ilustración contemporánea y ciertos recursos visuales del manga y la animación japonesa (Miyazaki está presente casi en cada página) sin que ninguna de esas referencias llegue a imponerse sobre su propia personalidad artística. El resultado es una obra visualmente exuberante.
 

 El gigante de la luna.
 
Lo cierto es que Tierra o luna me parece una de las propuestas de ciencia ficción más interesantes aparecidas recientemente en el ámbito del cómic europeo. No destaca solo por la calidad de su dibujo, que ya justificaría su lectura, sino por la manera en que combina un drama íntimo con reflexiones ecológicas y sociales de gran alcance y que nos afectan y much a día de hoy. Tiene la sensibilidad de los mejores relatos de formación, la imaginación visual de la gran fantasía contemporánea y recoge el testigo de la ciencia ficción más clásica.
Si tuviera que ponerle una pega, es que la obra esté dividida en dos volúmenes ya que al terminar la lectura del primero (y son casi 300 páginas) hubiera empezado el segundo inmediatamente. Esperemos que la segunda entrega no tarde mucho en aparecer.
 

 Homenaje al Arzak de Moebius.
 
La edición de Tierra o luna que ha publicado Astiberri Ediciones está claramente planteada como una edición de lujo, muy adecuada para lucir el trabajo gráfico de Jade Khoo.
Se trata de un volumen en cartoné, con 296 páginas a color y un formato grande de 22 × 29 cm, bastante grandote. Ese aumento de tamaño se agradece especialmente porque las acuarelas de Khoo son uno de los grandes atractivos de la obra y ganan mucho espacio para lucir bien. Precio: 39€.

Además, Astiberri la ha incluido en su colección Sillón Orejero, una línea editorial donde suelen aparecer obras especialmente cuidadas en cuanto a presentación y acabado. La traducción corre a cargo de Rubén Lardín, un nombre habitual y solvente dentro de la traducción de cómic.

martes, 2 de junio de 2026

Animales domésticos, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo nos llegaba, de la mano de Salamandra Graphic, la nueva obra de la italiana Bianca Bagnarelli: Animales domésticos. En esta nueva obra, la autora transalpina reúne 13 relatos aparecidos en diferentes publicaciones. Estos relatos no están conectados entre sí ni forman un todo, son pequeñas historias independientes que exploran la fragilidad emocional contemporánea: la soledad, los celos o el duelo; sus causas, sus consecuencias y cómo afectan a sus protagonistas.

Portada.

Confieso que tenía muchas ganas de leer esta antología de Bagnarelli, quienes disfrutamos de este formato tenemos difícil encontrar antologías de este tipo en el mundo del noveno arte y lo cierto es que he disfrutado mucho su lectura porque además, su narrativa y su estilo me recuerdan mucho al los de mi adorada Laura Pérez, de quien ya hemos comentado alguna obra suya en este mismo blog: Totem y Nocturnos son dos pedazos de tebeos que nunca nos cansamos de recomendar. 

Lo cierto es que uno de los grandes logros de este cómic  es su capacidad para sugerir y su contención en la narración: silencios, gestos, miradas y juegos de luces; paisajes humanos y paisajes vacíos transmiten esas sensaciones de las que hablaba al principio: soledad, duelo, dolor o extrañeza, pero eso sí, cada historia tiene su propia atmósfera dentro del tono melancólico general de la obra que inunda los 13 relatos. La composición de página, el color o la luz, hacen que cada historia sea única y diferente del resto.

La luz, el color y el michi.

Nacida en Milán en 1988, Bianca Bagnarelli es una de las voces más reconocidas del cómic y la ilustración contemporáneos en Italia junto con mi admirado Zerocalcare o el gran Manuele Fior. En 2010 cofundó la editorial independiente Delebile, dedicada a la publicación de cómics de autores emergentes italianos e internacionales. Su primer libro, Fish, publicado por Nobrow Press, obtuvo la medalla de oro de la Society of Illustrators en la categoría de cómic corto, un reconocimiento que impulsó su carrera internacional.
Paralelamente a su trabajo como historietista, Bagnarelli ha desarrollado una sólida carrera como ilustradora para medios y editoriales de primer nivel. Ha colaborado con The New Yorker, The New York Times, National Geographic, Penguin Random House y numerosas publicaciones culturales y literarias. Su estilo, caracterizado por un dibujo elegante, expresivo y de gran sensibilidad cromática, le ha permitido moverse con naturalidad entre la ilustración editorial y el cómic de autor. 

El color y la composición de página son fundamentales en esta obra.

En definitiva Animales domésticos es una estupenda colección de relatos breves que destaca por su sensibilidad emocional y su excelente apartado gráfico (vamos a poder disfrutar de la evolución de la autora a través de los años). Bianca Bagnarelli apuesta por la sugerencia más que por la explicación, construyendo historias sutiles y a menudo abiertas a la interpretación, cosa que me encanta pero que entiendo que no es del gusto de tod@s l@s lector@s.

Creo que es una obra muy recomendable para lector@s interesados en el cómic de autor contemporáneo (Laura Pérez, Adrián Tomine o Guy Delisle) y en las historias centradas en los matices de las relaciones humanas con una excelente combinación de elegancia visual y profundidad emocional.

La edición de Salamandra Graphic es en rústica con solapas, papel offset de calité para las 224 páginas de la obra, un tamaño de 15.2 x 20.9 cm y un precio de 24,90€

lunes, 1 de junio de 2026

Ulises y Cyrano, reseña por Jose

Este pasado mes de abril, nos llegaba desde Norma Editorial uno de los cómics más premiados en Francia de 2024: Ulises y Cyrano, uno de esos cómics que, al igual que Los buenos veranos son para disfrutarlos, saborearlos y reconciliarte con la vida. Un tebeo maravilloso.
La cocina, el amor por el oficio y la búsqueda de tu identidad son los ingredientes principales de este magnífico cómic firmado por Xavier Dorison, Antoine Cristau y el dibujante Stéphane Servain. Tridente de lujo para este comicazo.
 

Portada del cómic.
 
La historia, ambientada en la Francia de los 50, sigue a Ulises Ducerf, un chaval cuyo futuro está decidido desde su nacimiento: heredar la empresa cementera familiar. Sin embargo, el destino, como suele ser habitual, tiene la mala costumbre de ignorar los planes empresariales de los padres, y un traslado a la localidad de Les Maranges (debido a un escándalo digamos, político, relacionado con su padre y la empresa) pondrá en su camino a Cyrano, un ex chef muy temperamental que estaba destinado a ser el mejor cocinero de Francia: brillante, volcánico y con un carácter capaz de hacer llorar a las cebollas. Lo que comienza como un encuentro casual termina convirtiéndose en una historia de aprendizaje, pasión y descubrimiento personal. 
 
Uno de los grandes temas del cómic es la vocación. Ulises y Cyrano habla de esa lucha entre lo que se espera (esperan) de nosotros y lo que realmente deseamos ser. Ulises representa a cualquiera que haya sentido el peso de una herencia familiar o de unas expectativas ajenas. Cyrano, por su parte, encarna la excelencia, el sacrificio y la idea de que el talento, por sí solo, no sirve de mucho si no se acompaña de trabajo. La relación entre ambos funciona como una especie de mentor y discípulo, aunque en ocasiones parece más una combinación entre maestro zen y sargento de hierro culinario. 
 
Otro de los aspectos más interesantes de Ulises y Cyrano es el papel que juega la cocina dentro de la historia. No aparece simplemente como un escenario o una profesión, sino como un auténtico lenguaje a través del cual los personajes expresan quiénes son. Algo parecido a lo que comentábamos en Sabores únicos, de Ram V y Filipe Andrade. La cocina se convierte en una forma de entender el mundo, una disciplina que exige creatividad, sacrificio, paciencia y una búsqueda constante de la excelencia. Cada plato preparado por Cyrano refleja su personalidad, mientras que para Ulises supone una puerta hacia el descubrimiento de sí mismo y de lo que quiere hacer con su vida. 
Y sí, lo digo claramente y no me escondo: leer Ulises y Cyrano te da hambre. Mucha hambre. No importa si acabas de desayunar, comer o cenar; vas a llegar a esa página y vas a tener que parar de leer y de asaltar la nevera. Uno termina admirando la evolución de los personajes mientras piensa en reservar mesa en un restaurante. 
 

Donde ocurre la magia.
 
La obra también plantea una reflexión sobre qué es el éxito. En un mundo obsesionado con los resultados inmediatos, Ulises y Cyrano reivindica la paciencia, el aprendizaje constante y el orgullo (y la satisfacción, venga va) de hacer bien las cosas. No se trata únicamente de cocinar; se trata de encontrar lo que da sentido a nuestra vida y dedicarle tiempo, esfuerzo, ganas y corazón. Puede sonar solemne, pero este cómic consigue transmitirlo sin caer en discursos grandilocuentes ni en frases de taza de desayuno.
 
Visualmente, Stéphane Servain realiza un trabajo espectacular. Sus páginas transmiten tanto la belleza de los paisajes franceses como la intensidad de las cocinas profesionales y las que no lo son tanto (por momentos me ha venido a la cabeza The Bear) Hay escenas en las que prácticamente se puede oler la mantequilla derritiéndose o escuchar el ruido de los cuchillos sobre la tabla y páginas como la del "bautismo" que son una auténtica barbaridad de composición, expresividad y color.
Xavier Dorison vuelve a demostrar por qué es uno de los guionistas más reputados del cómic europeo. Obras como Undertaker o El castillo de los animales ya habían mostrado su capacidad para combinar entretenimiento y profundidad. Aquí, junto a Antoine Cristau, construye un relato mucho más íntimo y emocional, donde los silencios son tan importantes como los diálogos.
 
En definitiva, Ulises y Cyrano es una de esas lecturas que dejan buen sabor de boca (pun intended) mucho después de cerrar el álbum. Habla de la amistad, del aprendizaje, del orgullo por el trabajo bien hecho y de la necesidad de perseguir aquello que nos hace felices. Un cómic cálido, inteligente, humano y por qué no decirlo: precioso, que demuestra que, a veces, las mejores aventuras no consisten en salvar el mundo, sino en descubrir quién eres realmente. Y, de paso, aprender a preparar un puchero e intentar que te salga mejor que el de tu abuela. Misión Imposible. 
 
La edición de Norma es espectacular con un tamaño de 24,4 x 33,2 cm, tapa dura y un acabado que parece tela, el papel de las 172 páginas es offset de alto gramaje y con un color hueso que le va que ni pintado, además, a mode de extras, varias de las recetas que aparecen en el cómic. Precio: 38€.

jueves, 12 de febrero de 2026

Meteoros, reseña por Jose

El pasado noviembre de 2025, los amigos de Salamandra Graphic traían a nuestro país el último Premio Especial del Jurado de Angoulême, un relato coral, un slice of life de personas anónimas cuyas historias se entrecruzan a la espera de que un meteorito se estrelle contra La Tierra: Meteoros, historias de gente que pasa.

Pero ojo, que lo del meteorito puede resultar engañoso; el peñasco se acerca a La Tierra, sí aunque realmente eso es lo de menos, realmente no es hasta casi la mitad del tebeo cuando se hace mención al meteorito, es básicamente la excusa para contarnos lo que los autores quieren contar: las vidas de los protagonistas. 

Portada del cómic.

Y así nos adentramos muy lentamente, como una nevada que va cubriendo las calles, al igual que en el cómic, en las vidas de l@s protagonistas: una cuidadora de ancianos, su hijo y su grupo de amigos, un empleado de una tienda de muebles que tiene una discapacidad, otros empleados de la misma tienda, un ex alcohólico... Microcosmos que se van expandiendo y añadiendo elementos conforme nos acercamos a sus vidas, cada uno con sus propias historias y protagonistas secundarios que también tienen sus historias propias. Una manta de patchwork que veremos terminada al final del cómic.
Todo contado con una delicadeza y mimo maravillosos. Paisajes urbanos y paisajes humanos y silencios. Muy al estilo de mi adorada Laura Pérez. 
 

Un ejemplo de los silencios y la narrativa de Redolfi.
 
Esta pareja de autores no es superconocida en nuestro país; a Deveney lo conocemos de Giganta o La otra historia del fútbol y a Redolfi apenas lo hemos visto por estos lares pero lleva ya un cuarto de siglo trabajando en esto y viendo el resultado final de este Meteoros, se nota. Si el guion del primero es una maravilla, la ejecución en viñetas del segundo es simplemente increíble: con una parrilla básica de seis viñetas, un trazo suelto y colores pastel (en una paleta que muta en función del protagonista), es capaz de crear atmósferas increíbles y dar personalidad a cada uno de los personajes que habitan las páginas de esta historia. 
 

 Los xabale camelando.
 
En definitiva y por ir terminando: un cómic exquisito, de esos de disfrutar una tardecita de lluvia en la mesa de camilla, con un buen café, sin prisas y recuperando la fe en la humanidad conforme vas pasando las páginas.
Otra cosa importante: el formato. Creo que presentar esta historia en formato apaisado es todo un acierto, cuando lo tengáis en vuestras manos lo veréis.
 
La edición de Salamandra es en tapa dura para estas más de 300 páginas de cómic y un precio de 32,95€. 

lunes, 21 de octubre de 2024

Pendragon 1: la espada perdida. Reseña por Jose.

Al principio solo había guerra: la de los hombres contras las bestias lupinas del dios Crom el negro. El Pendraig Rú, con la espada Calibur, derrotó al avatar del dios en la tierra y comenzó una era de prosperidad para los hombres y los antiguos dioses. Con la llegada de las legiones romanas, dicha era terminó, los pueblos de Alba fueron masacrados y sus dioses los abandonaros. 
Tras la marcha de los romanos, la isla quedó dividida en siete clanes que luchan entre ellos y la amenaza de una nueva religión con un dios único, se cierne sobre ellos. 
Merlín, el intrigante, depositario y heredero de las viejas creencias y seguidor los antiguos dioses, hará lo que sea necesario junto con Nimue, la dama de los lagos y los ríos para restablecer el antiguo orden y encontrar un rey legítimo y digno que unifique a los siete clases y restaura el viejo orden religioso.
Arthur, un mercenario, hijo bastardo de un poderoso Pendraig y Elwen, hija de un Pendraig rival, serán los elegidos por el mago.
Tengu nos trae el primer volumen de Pendragón, una revisión del mito artúrico cuyo primer tomo me ha parecido espectacular.
 

                                                Portada de este primer volumen.
 
Jerôme Le gris, en esta revisión del mito artúrico, retoma la idea de que Arturo reinó en algún momento entre los siglos V y VI tras el abandono de las legiones romanas de la isla. Remontándose en la narración a los orígenes mitológicos de la isla, nos va llevando con una narrativa ágil al presente y a Arthur, de quien descubriremos sus orígenes, su relación con Elwen y cómo Merlín maneja los hilos de los acontecimientos a su antojo. Le Gris va alternando entre el presente y flashbacks con la información necesaria para rellenar los huecos que nos faltan y comprender completamente lo que nos está contando de una manera sencilla y con una narratva visual sencillamente increíble.
En cuanto al apartado gráfico de Dellac y Martinello, decir que es espectacular. Las páginas de batalla y los paisajes de la isla y los distintos reinos, te transportan rápidamente a la época y además, el color consigue esa atmósfera fría y gris de las Islas británicas con unas tonalidades frías y unos cielos siempre plomizos.
 

                                                 Espectacular apartado gráfico.
 
En definitiva, una primera entrega de los más interesante y atractiva, diría que compra obligada para los fans, como yo, del mito artúrico, no solo por la historia sino también (y mucho) por el dibujo.
Tengu nos trae una edición en tapa dura con unas dimensiones de 23x31 y papel satinado para estas 52 páginas por 19€. Además, mapa de las islas, que eso siempre lo mejora todo.
Acaba de salir en Francia a la venta el segundo volumen, ojalá no tengamos que esperar mucho por aquí. 


                              Siglos de historia en una sola página, pero ¡qué página!

martes, 2 de julio de 2024

¡Hasta la victoria! Reseña por Jose.

Cuba, 1957. La guerrilla del movimiento 26 de julio liderada por Fidel Castro, comienza a efectuar sus primeras acciones militares desde Sierra Maestra contra el gobierno dictatorial de Fulgencio Batista, un títere en manos del gobierno y la mafia estadounidenses que convirtió la isla en el casino de Estados Unidos. La Revolución Cubana entraba en su fase final.
En este contexto llega a la isla Nero Maccanti, un exoficial de la Marina Italiana que tras la Segunda Guerra Mundial, recorre el mundo trabajando como marino. Nero, que me recuerda muy mucho a mi adorado Corto Maltés, ya veréis por qué, no tarda, a pesar de sus reticencias iniciales, en simpatizar con el bando revolucionario.
 

                                Portada de la edición integral publicada por Cartem.

En un increíble trabajo de artesanía narrativa, Stefano Cassini nos va a contar los últimos dos años de La Revolución Cubana a través de casi una veintena de personajes cuyas vidas van a ir entremezclándose conforme avanza la revolución: desde el patriarca de una poderosa familia de empresarios cubanos pasando por el mafioso Meyer Lansky a una cantante local, Cassini mezcla personajes reales con otros ficticios para hacernos testigos de todos los tejemanejes y corruptelas políticas de la isla así como de la represión ejercida por Batista contra su pueblo conforme los guerrilleros bajan al llano y van consiguiendo objetivos más y más significativos: desde el secuestro de Juan Manuel Fangio antes del Gran premio de automovilismo celebrado en La Habana en 1958, hasta la toma de Santa Clara, decisiva en el avance hasta La habana por parte del Che. 

Pero no solo veremos intrigas políticas y a la resistencia actuando clandestinamente en las grandes ciudades, "los barbudos" también tendrán su protagonismo en este cómic: Castro, el Che o Cienfuegos, estarán muy presentes en las páginas de la obra cuando Cassini nos narre los éxitos militares del ejército de la revolución. Así, podemos dividir la obra en dos partes: "lo que se cocía" en La Habana y lo que sucedía en Sierra Maestra y el llano con los combatientes.
 

                                             Nuestro protagonista y "los barbudos".
 
El trabajo de documentación de la obra me parece impresionante y según ha contado el propio autor en alguna entrevista, fue exhaustivo. Cassini consigue adaptar el tempo de la historia a los grandes hitos y acontecimientos de la revolución creando un relato que te atrapa, no solo por el carisma del protagonista o las diferentes historias de los secundarios sino también por la certeza de estar leyendo una obra histórica fiel a lo sucedido en Cuba durante la revolución.
                                       El Tropicana, símbolo de la Cuba de Batista.

No me olvido del dibujo. Acostumbrados a las acuarelas de Mimbreños o al dibujo y colores más elaborados de La espada y la cruz (ambos publicados en nuestro país por Cartem), nos encontramos con unos dibujos y un color plano más cercanos al estilo BD más clásico que, por otra parte, funcionan perfectamente con la narrativa y nos ofrece otro registro más del autor italiano.

La edición de Cartem, impecable, como siempre: tapa dura para la edición integral de estos cuatro álbumes que se publicaron a finales de la primera década de siglo. 
340 páginas de alto gramaje, textos introductorios, entrevistas, dosieres y un buen número de ilustraciones a acuarela por parte del autor. Una virguería por 39,95€.

viernes, 4 de agosto de 2023

El espía de César. Reseña por Jose.

Nuevo cómic histórico publicado por Cartem y nuevo pelotazo. Aquí no ocultamos que somos muy fans de todo lo que sacan y más con ese cuidado y mimo que ponen en sus ediciones. Ya hemos comentado tanto por aquí como en diferentes programas otras obras de ficción histórica que han ido publicando: El exiliado, La espada y la cruz, Vientos de libertad... Y hoy le toca el turno a El espía de César. 


                                        Portada de la edición española de Cartem.

En este cómic, publicado dentro de su línea Súper BD, se nos narra la historia de Coax, un guerrero galo que, movido por su sed de venganza, acaba uniendo su destino al del mismísimo Julio César durante los últimos días de la República y en plena guerra civil contra Pompeyo.
Este integral recoge los tres álbumes de los que se compone la historia: Memento mori, La perra del Hades y Rubicón. 
En cada álbum, vamos a ir avanzando en el tiempo y cambiando de escenario: pasaremos del inicio de la conquista de La Galia por un joven cónsul Cayo Julio César, a Roma, donde empiezan a urdirse planes para acabar con sus crecientes poder, fama e influencia y acabaremos cruzando el Rubicón para marchar sobre Roma.


                                              Espectaculares escenas de batalla.

Visto así, parece que hablemos de la vida de César pero no, las acciones de Coax están entrelazadas con las decisiones de Julio César y las misiones de espionaje que ha ido realizando para él. Durante el transcurso de las mismas, Coax se ha ido ganando amigos y compañeros pero también enemigos mortales que, cosas del destino, han acabado siendo de vital importancia en los planes de Pompeyo para acabar con César a base de intrigas políticas y acciones contra el senado y el pueblo nada disimuladas. 
César y Coax deberán salvar sus propias vidas y la pervivencia de Roma.


                                                Fafner en todo su esplendor.

Jean-Pierre Pécau y Fafner han conseguido, a base de muy buena documentación, hilar una ficción histórica magistral. La mezcla entre hechos reales y hechos que podrían haber pasado está fantásticamente hilvanada. El dinamismo narrativo en los pasajes de acción y violencia (véase la revuelta de Espartaco) contrasta con las páginas dedicadas a la intriga y el diálogo, hay un muy buen equilibrio entre ambas partes pues tan pronto estamos cargando contra tribus galas como estamos en los pasillos de una villa romana decidiendo el destino de la República.


                        Y que no falten las intrigas palaciegas en la ciudad eterna...

El apartado gráfico es sencillamente espectacular. Tanto en las sangrientas escenas de batalla como cuando traslada la acción a Roma, donde el detalle a la hora de representar edificios y vestimentas es absolutamente exquisito. 
En definitiva un excelente cómic histórico con un apartado gráfico espectacular. 

La edición de Cartem, como siempre, magnífica: álbum integral de 200 páginas, con extras, tapa dura, tamaño europeo por 34,95€.
¡Ave, Caesar, morituri te salutant!

lunes, 14 de febrero de 2022

Conoce a... Corto Maltés. Por Jose.

Viajero, pirata, aventurero. Inconfundible con su gorra de marino, su pitillo siempre a mano y su gabán azul. Uno de los grandes símbolos del cómic europeo y, le pese a quien le pese, un auténtico icono de la cultura popular. Nació en 1967 de la pluma y el talento del historietista veneciano Hugo Pratt, y desde entonces no ha dejado de surcar mares reales e imaginarios.

Según su biografía ficticia, Corto nació en Malta en 1887. Hijo de un pelirrojo de Cornualles y de una gitana sevillana conocida como “la niña de Gibraltar”, encarna la mezcla perfecta entre cultura anglosajona y herencia mediterránea. Es un antihéroe romántico que simboliza la libertad por encima de cualquier bandera. Y desde el momento en que abandona su isla natal, el mundo entero se convierte en su territorio.

Su primera aventura fue La balada del mar salado, publicada originalmente en la revista Sgt. Kirk. Considerada hoy una obra maestra del noveno arte, marcó el inicio de una trayectoria mítica que culminaría en 1988 con Mu. Entre medias, historias inolvidables como La fábula de Venecia (mi favorita), Corto Maltés en Siberia o La casa dorada de Samarcanda consolidaron su leyenda. Aunque estas son aventuras largas, lo cierto es que muchas de sus historias se construyen a partir de relatos breves interconectados, pequeñas piezas de un gran mapa narrativo.

Las peripecias de Corto suelen desarrollarse en el contexto de grandes acontecimientos históricos —la Primera Guerra Mundial, el auge del fascismo en Italia o la guerra ruso-japonesa— en los que se ve envuelto casi por accidente, siempre en el peor momento y en el lugar menos oportuno. En su camino se cruza con figuras reales o plausibles de la época, como Jack London, un joven Joseph Stalin o Hermann Hesse. Y, por supuesto, nunca falta el componente onírico y simbólico que impregna muchas de sus aventuras, especialmente en Las célticas, Las helvéticas o la ya mencionada Mu.

El personaje ha conocido adaptaciones animadas y televisivas con fortuna desigual, pero su verdadera esencia sigue latiendo en las viñetas. En 2015 comenzó una nueva etapa de la mano de Juan Díaz Canales y Rubén Pellejero, quienes han sabido mantener intacto el espíritu prattiano (ya van tres álbumes). Más arriesgada fue la propuesta de 2021, Océano negro, firmada por Martin Quenehen y Bastien Vivès, que trasladó al personaje al contexto del 11S en una suerte de reinicio contemporáneo.

Actualmente, Norma Editorial está reeditando toda la serie en una edición cuidada al detalle, tanto en color como en blanco y negro, perfecta para redescubrir (o descubrir por primera vez) al marino más libre del cómic.

Si aún te lo estás pensando, no lo dudes. Embárcate. Porque leer a Corto Maltés no es solo seguir aventuras: es viajar sin mapas, dejarse llevar por el viento y recordar que, a veces, la libertad cabe en una viñeta.


viernes, 14 de mayo de 2021

Reseña de La bomba por Jose

 “Ahora me he convertido en La Muerte, destructor de mundos”

El seis de agosto de 1945, Estados Unidos lanzó la primera bomba atómica sobre la ciudad de Hiroshima. Setenta mil personas murieron al instante y la ciudad quedó completamente arrasada. El mundo contempló horrorizado cómo entraba en una nueva era: la era atómica. En esta increíble y titánica (sí, voy a hacerlo) NOVELA GRÁFICA con mayúsculas vamos a descubrir quién, cómo y por qué se desarrolló esa tecnología.

                                                             En el principio...

Increíble y escrupulosamente documentada, La bomba nos va a guiar en el proceso de desarrollo y creación de la primera bomba atómica (podríamos decir que desde que se enfrió La Tierra) hasta su lanzamiento y sus consecuencias décadas después. A través de personajes principales en la toma de decisiones tales como Roosevelt o Truman, de científicos como Oppenheimer o Fermi y personajes secundarios en la trama pero igual de fundamentales como el científico Leo Szilàrd, Ebb Cade (un trabajador de la base de Los Álamos) o el general Leslie Groves; vamos a conocer los entresijos del Proyecto Manhattan, la carrera por el uranio durante la segunda guerra mundial y los tejemanejes de la política internacional de la época con espías comunistas incluidos.

                                                               Revelaciones.

Siguiendo la senda del uranio por medio mundo (desde el Congo Belga a Alemania y Noruega con paradas en la URSS y Japón hasta llegar a Los Álamos en Estados Unidos) seremos testigos de los acontecimientos históricos y bélicos que marcaron el mundo de la época y entre los que se encuentra tejida con hilos de uranio la historia de la primera bomba atómica.

Los guionistas Didier Swynsen alias Alcante y Laurent-Frédéric Bollée junto con el dibujante Denis Rodier (al que conocemos por estos lares por su trabajo en Superman) se embarcaron en este auténtico tour de force en al año 2015 para, cinco años después, tener listo este impresionante y sentido homenaje a las víctimas (personificadas en el cómic en la familia Morimoto) de Hiroshima con motivo del 75 aniversario del bombardeo.

Es el propio Alcante quien nos cuenta que en realidad todo empezó a principios de los 80 con un viaje a Japón para ver a su amigo Kazuo Morimoto, que se presta a poner cara a esas víctimas y con la visita al Museo memorial por la paz en Hiroshima donde pudo ver una sombra de lo que fue un ser humano, vaporizado instantáneamente por la explosión, impresa en unos escalones de piedra que se conservan en el museo como parte de lo poco que quedó de la ciudad.

Además del increíble trabajo de documentación y escritura de Alcante y Bollée, quiero destacar la labor a los lápices y tintas de Rodier. Con un estilo digamos más “americano” y en un maravilloso blanco y negro, propone mil soluciones narrativas diferentes para contarnos esta historia en más de 450 páginas: diferentes divisiones en viñetas, ilustraciones a una página y splash pages dobles son solo algunas de ellas.



                                                El tochal de mes sin ninguna duda.

La edición que nos trae Norma es un auténtico tochal en tapa dura con extras al final, una edición calcada a la que Glenat publicara en Francia. Ya sabéis que no soy muy partidario de tochales por la dificultad y el peso a la hora de leerlo pero tengo que reconocer que la edición es una auténtica maravilla, qué le voy a hacer.

En mi opinión, un cómic imprescindible de este 2021, una auténtica novela gráfica que creo que daría por lo menos para una buena miniserie en alguna plataforma televisiva y que te tiene enganchado desde la primera página a pesar de ser más de 450. Si tienes que pillarte un tochal este mes, que sea La bomba.

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