Midnight Nation: cuando los olvidados tienen su propio mundo, por Jose

Midnight Nation es una miniserie de doce números publicada originalmente entre 2000 y 2002 bajo el sello Joe's Comics de Top Cow, con guion de J. Michael Straczynski y dibujo de Gary Frank. En España ya tuvo una edición integral de Norma y Planeta la publicó en grapa anteriormente pero desde Moztros recuperan ahora la obra casi dos décadas después, presentándola de nuevo en un único volumen y añadiendo material extra.  

Portada de la nueva edición de Moztros.

La obra mezcla thriller policial, terror sobrenatural, fantasía urbana, road movie y reflexión existencial con un poquito (o un muchito) de religión. Y lo interesante es que, aunque sobre el papel parece una historia bastante convencional de “policía se enfrenta a fuerzas sobrenaturales”, acaba siendo sobre todo una historia acerca de la soledad, la exclusión, la culpa y la posibilidad de recuperar aquello que hemos perdido, con un trasfondo religioso que se dejará ver durante el último cuarto de la obra pero que, una vez leída, transpira durante toda la historia.

La historia comienza con David Grey, teniente de homicidios de Los Ángeles. Grey es, en apariencia, el típico protagonista competente del thriller policial: inteligente, experimentado, relativamente cínico, divorciado por dedicarle más tiempo al trabajo que a su pareja (un clásico del género) y acostumbrado a enfrentarse a lo peor de la naturaleza humana. Mientras investiga un asesinato particularmente extraño, su investigación lo conduce hasta algo que no encaja en ninguna explicación racional: aparecen unas criaturas misteriosas y tras un enfrentamiento con ellas, Grey descubre que ha cruzado literalmente una frontera entre nuestro mundo y otro y no solo eso: le han robado el alma.

A partir de ese momento descubre que existe una realidad paralela que coexiste con la nuestra. Es un lugar habitado por personas que han quedado literalmente al margen de la sociedad: los olvidados, los abandonados, los marginados, aquellos a quienes nadie mira y que, poco a poco, dejan de formar parte del mundo visible. Allí existen también unas criaturas que acechan a quienes permanecen demasiado tiempo en ese mundo y que representan una amenaza mucho más profunda que la de un simple monstruo. Grey ha caído en ese territorio y tendrá que emprender un viaje a través de ese "otro" Estados Unidos si quiere regresar. 

En su periplo, estará acompañado por Laurel, una joven misteriosa que conoce las reglas de ese mundo. Ella puede ser su salvadora, pero también su verdugo: si Grey sucumbe y se convierte en una de las criaturas que pueblan ese lugar, Laurel tiene la obligación de matarlo. La propia premisa ya contiene una de las mejores ideas del cómic: el protagonista está intentando salvar su alma mientras viaja por un mundo poblado por personas que, en cierto sentido, ya han perdido de la suya.

Su particular Odisea será un viaje físico pero también un viaje interior que enfrentará a nuestro protagonista con multitud de preguntas sobre sí mismo y su propia existencia a la vez que irá conociendo la Nación de Medianoche: una enorme metáfora de los excluidos por la sociedad.

Aquí da comienzo la historia.

David Grey funciona inicialmente como una especie de protagonista de novela negra sobrenatural y quizá por eso resulta tan eficaz introducirlo en un universo donde sus conocimientos profesionales dejan de servirle.

Acostumbrado a controlar las situaciones, se encuentra de pronto en un lugar cuyas reglas desconoce. Nadie puede verlo. Nadie sabe dónde está. Las personas de su vida normal empiezan a quedar fuera de su alcance. Y, paradójicamente, el policía cuya profesión consiste en mirar, investigar y encontrar aquello que otros quieren ocultar se convierte en alguien que ya no puede ser visto.

Ese contraste es fundamental. Grey no está únicamente intentando volver a casa: está experimentando desde dentro la sensación de ser invisible. 

Además, el personaje va cambiando conforme avanza el viaje. La investigación inicial deja paso progresivamente a una introspección mucho más personal y empezamos a comprender que Grey tiene sus propias cicatrices, y una vida emocional que no estaba tan resuelta como él creía.

Si David representa al hombre que descubre que el mundo no funciona como pensaba, Laurel representa a alguien que ya conoce las reglas de ese mundo. Es misteriosa, dura, competente y, en determinados momentos, tremendamente vulnerable. El reflejo de Grey en ese otro mundo.

Laurel conoce el destino que espera a quienes se quedan demasiado tiempo entre los mundos y sabe que determinadas decisiones pueden tener consecuencias irreversibles.

Su relación con Grey constituye buena parte del componente emocional del cómic. No estamos ante una historia romántica, sino ante una relación construida alrededor de la confianza, la dependencia y el miedo a perder al otro. 

Nuestro protagonistas.

Ya conocemos a Straczynski como guionista, cuando comienza Midnight Nation venía de escribir Babylon 5 y Rising Stars, su primer gran pelotazo comiquero. En Midnight Nation, como él mismo explica, estaba en un momento complicado de su vida personal y esa situación se refleja y mucho en el cómic: la desesperanza, el estar perdido, el componente filosófico y el religioso están ahí en cada página. Hay mucho del autor en esta obra. 

Uno de los principales méritos de este cómic es su evolución a lo largo de los 12 números que componen la maxiserie: del thriller al terror, a la fantasía y al drama existencial y religioso.

Pero si hay que ponerle alguna pega es también eso: el exceso de ambición y el componente discursivo de carácter religioso hacia final de la obra, es algo con lo que no he conectado del todo.

El dibujo de Gary Frank ha envejecido de una manera curiosa: sigue siendo sólido y tremendamente expresivo, pero el entintado, el color y, sobre todo, el diseño de los personajes delatan inmediatamente que estamos ante un cómic de principios de los 2000. Si hablamos de diseños de personajes, ese tanga por fuera del vaquero a la cintura de Laurel está gritando dos mil muy fuerte.

Por lo demás: un estilo sobrio y eficaz. Perfecto para esta obra.

No creo que Midnight Nation sea la obra maestra que algunos lectores reivindican, pero sí creo que es una de esas grandes obras imperfectas que merecen la pena conservar. Tiene excesos, un discurso religioso con el que no siempre he conectado y un final que no terminó de convencerme (y que dividió al público) pero también tiene personalidad, ambición (para bien y para mal) y una capacidad bastante poco habitual para convertir una historia de monstruos en una reflexión sobre la soledad y la necesidad de seguir adelante. Además, seguramente sea la obra más personal del autor así que, sí, una de las lecturas obligadas de este verano.

Además tiene ecos de Hellblazer, de Sandman, de La carretera o de The Leftovers y son cuatro obras de diferentes medios que me gustan mucho.

La edición de Moztros está anunciada para este jueves 27 de agosto de 2026 y reúne toda la serie original: los números 1-12 y el especial 1/2, en un único volumen de 352 páginas a  color. Será en cartoné de 17 × 26 cm, con portada con efecto metalizado, y a un precio de 35 €. Además, incorpora material adicional inédito hasta ahora.

Rebelión animal, reseña por Jose

Este mes de julio, los amigos de Moztros recuperan Rebelión animal, una joyita de Tom King y Peter Gross que fue uno de los últimos títulos publicados en nuestro país por la extinta y no muy añorada ECC.

Rebelión animal parte de un clásico universal para construir un discurso propio y actualizado. Tom King y Peter Gross toman como punto de partida Rebelión en la granja de George Orwell, pero trasladan la acción a un refugio de animales contemporáneo donde perros, gatos y conejos, cansados del abuso humano, se alzan contra sus cuidadores para fundar una sociedad basada en la igualdad y la cooperación. Lo que comienza como una revolución esperanzadora pronto deriva en un complejo retrato sobre el poder, el miedo, la polarización y la facilidad con la que una democracia puede convertirse en un sistema autoritario. Más que una adaptación de Orwell, es una actualización de sus ideas para el siglo XXI.

Como el mismo King comentó en su momento la serie nació como respuesta al clima político de Estados Unidos y a su preocupación por el deterioro del debate democrático, el auge de la polarización, del populismo, la desinformación y la facilidad con la que el miedo (alentado por el discurso político de algunos dirigentes) puede llevar a aceptar a líderes cada vez más autoritarios (y chalados) que acaben dándole un golpe mortal a la democracia.

El resultado es una cómic incómodo, amargo y muy político que demuestra que las viejas fábulas nunca dejan de ser actuales cuando la realidad insiste en imitarlas. Si algo demuestra esta obra, es que el clásico de Orwell vuelve a ser necesario.

Portada de la edición de Moztros.

Aunque la referencia más evidente sea Orwell, reducir Rebelión animal a una simple actualización de Rebelión en la granja sería injusto. Orwell escribía mirando al fracaso de la Revolución rusa y al estalinismo; King desplaza el foco hacia las democracias liberales contemporáneas (vaya, vaya...). Su preocupación no es cómo una revolución termina degenerando en una dictadura, sino cómo una democracia aparentemente sólida puede ir vaciándose desde dentro sin necesidad de un golpe de Estado. La revolución ya no fracasa únicamente por culpa de un líder ambicioso, sino también porque los propios ciudadanos aceptan renunciar al consenso en favor de relatos simples y emocionalmente satisfactorios.

En ese sentido, la lectura política resulta difícil de separar de la evolución reciente de Estados Unidos. King nunca ha ocultado (como comento más arriba) que el proyecto nació bajo el impacto del asalto al Capitolio del 6 de enero de 2021 y del clima político generado durante los años del trumpismo, que vuelve a estar presente y vuelve a ser un auténtico desastre. La aparición de un líder populista, la apelación constante a agravios colectivos, la construcción de enemigos internos y la sustitución del diálogo por consignas recuerdan de manera evidente al fenómeno que rodea a Trump y al movimiento MAGA (la última chaladura es pedir un voto por familia y que sea el marido quien decida. Emmeline Pankhurst se está revolviendo en su tumba ahora mismo). No se trata de una caricatura directa, que es algo aterrador, sino de una alegoría cuyo simbolismo acaba haciéndose cada vez más explícito conforme avanza la historia y, spoiler, no acaba bien.

Una de las cosas más interesantes de Rebelión animal es que no carga las tintas sobre un líder en concreto sino que señala mecanismos que trascienden países e ideologías: el miedo a perder privilegios, la manipulación de la información, la tribalización de la sociedad, la incapacidad para llegar a acuerdos y la fascinación por líderes que prometen soluciones sencillas a problemas complejos son fenómenos reconocibles en buena parte del panorama internacional, lo estamos viviendo en nuestras propias carnes con la prioridad nazianal del partido del diccionario y sus constantes consignas para enfrentar a nuestra sociedad. Desde Europa hasta América Latina, pasando por Estados Unidos, el cómic habla de democracias donde la polarización convierte al adversario político en un enemigo y ahí reside en parte, su fuerza: utiliza animales para hablar de personas, pero sobre todo, utiliza una pequeña comunidad cerrada para explicar procesos políticos universales.

¿A quién me recuerda este perrito...?

El estilo de King sigue siendo tan reconocible como divisivo: abundantes textos de apoyo, diálogos densos y una clara voluntad de subrayar el significado político de cada escena. Habrá quien piense que esa insistencia lo aleja de la sutileza; para mí, esa es precisamente la virtud de un autor que nunca pretende esconder aquello sobre lo que está reflexionando. En Rebelión animal, esa tendencia funciona mejor que en otros trabajos porque la propia naturaleza alegórica de la historia permite (y pide) una mayor carga discursiva.

El dibujo de Peter Gross es la guinda del pastel. Conocido por trabajos como Lucifer, Los libros de la magia o The Unwritten (no tiene un cómic malo), Gross tiene un estilo realista que evita tanto la caricatura como la antropomorfización excesiva. Sus perros, gatos y conejos siguen pareciendo animales, pero transmiten emociones mediante pequeños gestos, posturas y miradas. Esa decisión visual es fundamental para que la historia conserve toda su dureza: nunca deja de recordarnos que estamos observando criaturas vulnerables atrapadas en dinámicas de violencia totalmente humanas. El color de Tamra Bonvillain, refuerza la atmósfera de tensión constante.

Un gesto revolucionario.

Heredera de Orwell, Rebelión animal está a la altura y en la categoría de otras grandes obras que beben de las fuentes orwelianas: V de vendeta, Watchmen o la más reciente El castillo de los animales, son algunas de las que se me vienen a la cabeza ahora mismo.

Rebelión animal es mucho más que una actualización de Orwell. Es una advertencia sobre nuestro presente. Habla de Estados Unidos, sí, pero también de cualquier sociedad donde la democracia se dé por garantizada, donde el miedo pese más que la razón y donde los ciudadanos olviden que las instituciones solo sobreviven mientras exista voluntad de protegerlas. Como ocurría con Rebelión en la granja, el verdadero protagonista nunca son los animales: somos nosotros. Y esa es precisamente la razón por la que la obra resulta tan perturbadora como necesaria.

La edición que nos trae Moztros es en rústica, esas rústicas sólidas a las que nos tiene acostumbrados, 176 páginas en papel satinado de buen gramaje, extras, un tamaño de 17 x 26cm y un precio de 21,90€, apto para todos los bolsillos.

Heavy Liquid, reseña por Jose

Cuando Paul Pope publicó Heavy Liquid entre 1999 y 2000 con el sello Vertigo de DC Comics, el cómic norteamericano atravesaba un momento de transición en el que convivían el cyberpunk, el noir y la ciencia ficción de autor con un panorama superheroico aún recuperándose de las secuelas de los 90. Había quedado atrás el auge especulativo de principios de la década y la industria buscaba nuevas formas de atraer lectores: Hellboy, Planetary, 100 balas o Top Ten, son algunas de las series que comenzaban a publicarse en esos años y que se han convertido en auténticos iconos comiqueros.
Fue una época en la que convivieron grandes cambios creativos con una recuperación económica gradual.

La miniserie de cinco números Heavy Liquid, que tiene un poco de todo lo comentado anteriormente, fue recopilada poco después de su publicación en un único volumen, nominada al Premio Eisner a la mejor serie limitada y se convirtió rápidamente en una de las obras que consolidaron a Pope como una de los autores más personales del cómic estadounidense contemporáneo. Este pasado mes de junio, los amigos de Moztros volvían a traernos recopilada en una estupenda edición en tapa dura esta maravilla del autor de Filadelfia.

Portada de la edición de Moztros.

La historia nos sitúa en una Nueva York futurista y decadente, una ciudad abigarrada, claustrofóbica y cyberpunk. Muy Blade Runner. Su protagonista es Stooge, conocido simplemente como S, un traficante y buscavidas cuya existencia gira en torno al misterioso Heavy Liquid, un claro homenaje a The Stooges, una sustancia de origen desconocido capaz de funcionar indistintamente como droga, material artístico o arma de un poder devastador.

Lo que comienza como el clásico encargo propio del género negro: encontrar a una artista desaparecida para que complete una obra definitiva utilizando el preciado material, termina convirtiéndose en un viaje marcado por la obsesión, el amor perdido, la adicción y la búsqueda de sentido en un mundo que parece haber sustituido cualquier sistema de valores por el consumo y el deseo.

A lo largo de la obra iremos descubriendo el pasado de S, su relación con la artista desaparecida y las razones por las que tanto la banda de los payasos (me encanta ese toque Picassiano) como un misterioso personaje vestido de negro le pisan los talones. También conoceremos las distintas facciones que habitan esta decrépita Nueva York poscapitalista y algunos fragmentos de la historia de un mundo que ya ha dejado atrás todo aquello que conocíamos.

Aunque su argumento puede resumirse como un thriller de ciencia ficción, Heavy Liquid destaca sobre todo por las ideas que recorren toda la narración. Pope utiliza el misterioso líquido como metáfora, o quizá sería más preciso hablar de una gran analogía, de las drogas, del capitalismo y de la necesidad humana de perseguir aquello que siempre parece estar fuera de nuestro alcance. La obra habla de la autodestrucción, de la incapacidad de escapar de las propias obsesiones y plantea una crítica feroz al capitalismo salvaje y a las élites económicas, dispuestas a emplear cualquier recurso con tal de hacerse con el objeto más exclusivo y codiciado. Resulta inevitable establecer un paralelismo con el presente y esa es, precisamente, una de las razones por las que, más de veinticinco años después de su publicación, Heavy Liquid sigue vigente.

Quiero destacar especialmente su desenlace, sin entrar en spoilers of course. Tras una búsqueda trepidante, después de conocer el pasado de S, las motivaciones que impulsan su investigación y el papel que desempeñan los distintos personajes, la gran revelación es que el verdadero protagonista de la historia nunca ha sido S, sino el propio Heavy Liquid. Es un cierre brillante que recontextualiza todo lo leído y culmina la obra con un final tan sorprendente como digno de las mejores historias de ciencia ficción.

Nuestro protagonista.

En el apartado gráfico, Paul Pope demuestra (también) por qué se le considera uno de los grandes del medio. Su dibujo mezcla la energía del manga, la elegancia de autores europeos como Moebius y la contundencia narrativa de Frank Miller, pero el resultado tiene una identidad absolutamente propia. Las páginas transmiten movimiento constante gracias a un trazo nervioso y expresivo, diría que líquido, mientras que el uso del color resulta contenido y atmosférico, alejándose del espectáculo visual habitual de la ciencia ficción para construir una obra casi táctil. Cada viñeta parece improvisada y, al mismo tiempo, cuidadosamente diseñada. Una obra maestra. Las perspectivas, la narrativa cinematográfica, los encuadres y el detalle en cada página, especialmente en las páginas completas, es simplemente espectacular

Las influencias y conexiones de Heavy Liquid son numerosas, diferentes y podemos rastrearlas en diferentes medios: es imposible no pensar en Blade Runner o Días Extraños por su visión melancólica y oscura de la ciudad futura o en Akira por la mezcla de violencia urbana, esa ciudad interminable y las sustancias de poder casi sobrenatural. También comparte ADN con novelas como Neuromante, un clásico del género de William Gibson, aunque Pope se interesa menos por la informática y la tecnología y mucho más por la dimensión emocional de sus personajes. Dentro del  cómic, El Incal de Moebius y Jodorowsky por su imaginación visual, Sin City por la estructura de novela negra y con trabajos posteriores del propio Pope como 100% o Batman: Año 100, donde continúa explorando sociedades futuristas.

Tremenda página de Pope.

En España, Heavy Liquid tuvo una primera edición de Norma Editorial en 2004, que sirvió como puerta de entrada para muchos lectores al universo de Paul Pope. Años después, Planeta DeAgostini recuperó la obra en 2010 dentro de una nueva edición que coincidía con el creciente reconocimiento internacional del autor. Ambas publicaciones contribuyeron a convertir el cómic en una pequeña obra de culto dentro del mercado español, aunque durante bastante tiempo ha permanecido descatalogado. 

La nueva edición publicada por Moztros Editorial recupera por fin este clásico en un volumen en cartoné de 264 páginas basado en la edición remasterizada internacional, incorporando material adicional sobre el proceso creativo y una reproducción gráfica excelente. Esta recuperación forma parte del esfuerzo de la editorial por reeditar la obra de Paul Pope en España tras la publicación de 100%, ofreciendo por fin el inicio de una biblioteca dedicada a  uno de los autores fundamentales del cómic independiente norteamericano.

En una valoración personal, considero que Heavy Liquid es una de las mejores puertas de entrada al universo creativo de Paul Pope si no la mejor. Probablemente sea la obra que mejor resume todas sus virtudes: un dibujo extraordinariamente vivo, personajes imperfectos, ciencia ficción social, humana y con alma y una capacidad poco común para mezclar acción, romance, filosofía y experimentación gráfica sin perder nunca el pulso narrativo. Una de las obras imprescindibles del cómic independiente estadounidense de finales del siglo XX y principios del XXI.

La edición de Moztros nos llega en, como ya he comentado, en cartoné, papel satinado para sus 264 páginas con extras y un precio de 29,90€.

El batir de sus alas, reseña por Jose

El batir de sus alas, cuyo título original es Habataki -Ein Märchen- es un manga autoconclusivo recién publicado por los amigos de Moztros, de la autora japonesa Ikuko Hatoyama que combina fantasía, surrealismo y drama juvenil en esta adaptación del relato original del conocido novelista nipón Tatsuo Hori. La historia sigue a Gigi, un joven fascinado por Zigomar, un famoso ladrón de ficción, que decide transformarse en un palomo ladrón para alterar la tranquilidad de un pequeño pueblo. Lo que comienza como un juego de identidad y travesura acaba derivando en una narración bastante más compleja, donde la frontera entre la representación teatral (en la que se verá atrapado nuestro protagonista), la fantasía y la realidad se vuelve cada vez más difícil de discernir.

Portada de la edición de Moztros.

Uno de los mayores atractivos de la obra es la forma en que aborda temas como la construcción de la identidad, la búsqueda de la libertad y la tensión entre el individuo y el papel que la sociedad espera que desempeñe. Gigi actúa como un personaje que intenta reinventarse a sí mismo, pero su transformación también lo enfrenta a las consecuencias de sus actos y a la imposibilidad de escapar de su propia naturaleza. La obra explora también la nostalgia, el deseo de evasión y la fragilidad de los sueños, todo ello envuelto en un tono de fábula melancólica y simbolismo donde los silencios dicen tanto o más que los propios diálogos de los personajes.

La búsqueda de la identidad y la libertad, los dos grandes temas de la obra.

Como decía al principio, este manga adapta un relato del escritor japonés Tatsuo Hori, autor destacado de la literatura japonesa contemporánea. Hori es conocido por su sensibilidad poética y por su interés en la belleza, la memoria y la melancolía. 

Hatoyama no se limita a trasladar la historia al formato manga, la reinterpreta mediante un lenguaje visual muy personal, respetando el espíritu literario original mientras introduce elementos simbólicos y una atmósfera aún más onírica. 

 

En el apartado artístico, El batir de sus alas destaca por un dibujo delicado y expresivo. Hatoyama emplea trazos finos, composiciones cuidadas y una puesta en escena que recuerda (a veces) a una representación teatral. Sus características palomas acaban siendo una herramienta para reforzar el tono alegórico de la narración (John Woo aprueba este manga). Los espacios abiertos, los silencios y el ritmo pausado contribuyen a crear una atmósfera contemplativa que invita a la reflexión y la introspección más que a la acción, aunque haya acción de sobra también. Cada página parece construida para transmitir emociones y sugerir, no para explicar.

 

En definitiva una obra cuyo atractivo reside en la ambigüedad, el simbolismo y la capacidad de generar interpretaciones. Es un manga que exige implicación por parte del lector, algo que siempre es de agradecer, y que recompensa esa atención con belleza visual y una sensación de extrañeza poética que se queda contigo tiempo después de terminar la lectura. Una obra muy evocadora.

 

La edición de Moztros es sencilla pero muy cuidada: encuadernación rústica y sobrecubierta manteniendo el sentido de lectura oriental. La edición incluye 212 páginas en blanco y negro más 2 páginas a color con un tamaño de 13 x 18 cm y un precio, ojo, de 10,95€.

 

 

El Último Ronin II: ReEvolución, reseña por Jose

Y ya está aquí la esperada secuela de El último ronin: los años perdidos. Volvemos a la sombría y postapocalíptica Nueva York que ya conocimos en El último ronin. Han pasado quince años desde que Michelangelo, el Último Ronin, puso fin al reinado del Clan del Pie, pero la paz que siguió a aquella victoria no era más que una ilusión: la ciudad ha vuelto a fragmentarse y el orden se ha hecho añicos.

Distintas bandas se disputan el control y nadie está realmente a salvo. Entre ellas destaca la de Yorkville, un grupo de macarras sorprendentemente bien equipado y organizado, decidido a adueñarse de Nueva York a toda costa. Mientras tanto, Casey y la policía hacen lo que pueden, claramente desbordados por una situación que se les escapa entre los dedos. En este caos creciente, los jóvenes pupilos del legado de las Tortugas tendrán que dar un paso al frente, ready or not o se convierten en algo más que aprendices o la ciudad está perdida.

Pero seamos francos: si las Tortugas originales eran leyendas y el Ronin Michelangelo era Clint Eastwood en Sin perdón, esta nueva generación son los chavales de Salvados por la campana pero con katanas y demasiados problemas. ¿O quizá hay algo más bajo esa fachada de adolescentes perdidos...?

 

 Portada del recopilatorio de Moztros.

 

Eastman y Waltz vuelven a ponerse el mono de escribir para contarnos el nacimiento de una leyenda. Esta nueva miniserie no busca un final, es más bien un principio y no todo van a ser peleas no: ¿os suena el término "mutaciones secundarias"? ahí os lo dejo para que averigüéis de qué hablo; además: ¿y si Nueva York no fuera un caos sino algo totalmente controlado? Y ya me callo que al final voy a cascar algún spoiler.

Lo cierto es que basta un solo número para estar dentrísimo y cogerle cariño a estas nuevas Tortugas Ninja que, al final, no son ni más ni menos que un reflejo de las originales: adolescentes confusos con una gran responsabilidad. 

Heredar un símbolo puede ser más una carga que un honor, especialmente cuando ni siquiera sabes quién eres todavía. Esta es, en esencia, una historia de madurez solo que con mutantes y bastante violencia. Y alguna que otra sorpresa.

 

Ojito al parche con Casey Marie.

 

Uno de los mayores aciertos del cómic es cómo trata el legado. La sombra de Michelangelo sigue presente, pero ya no domina la historia. Se convierte en un símbolo que inspira, pero también pesa. Las nuevas tortugas no intentan ser él: deben decidir qué significa ser una Tortuga Ninja en un mundo donde ya nada es lo que era.
En cuanto al lore, ReEvolución es la obra que más se aleja del espíritu clásico de las Tortugas Ninja pero sin romper del todo con él. Mantiene elementos esenciales como el entrenamiento o el honor y algunos flashbacks pero los reinterpreta desde una perspectiva más moderna.

El resultado es un universo que ya no gira en torno a la familia original, sino a las consecuencias de su historia. 

 

En el apartado visual, el nivel se mantiene. A Ben Bishop y Luis Antonio Delgado se suman los hermanos Escorza y el propio Eastman ilustrando algún que otro flashback pero pienso que con unos dibujantes más potentes, la serie ganaría enteros. En cualquier caso: apartado gráfico al servicio del guion. Todo en orden.  

 

Y así empieza, porque sí, este es el inicio de algo y si no, ya lo veréis cuando leáis la última página...

 

Moztros nos trae esta nueva mini en rústica, con una tamaño de 17 x 26 cm y 232 páginas por 22,90€. 

 

El último Ronin: los años perdidos, reseña por Jose

Las Tortugas Ninja: El Último Ronin – Los años perdidos es una obra que funciona como expansión directa del universo planteado en Las Tortugas Ninja: El Último Ronin, AQUÍ tenéis la reseña  (que se suponía iba a ser la última historia de Las Tortugas y ademas escrita por Eastman) pero con una ambición narrativa propia. No se limita a rellenar huecos sino que construye un puente entre el pasado, el presente y el futuro de esta versión alternativa de las Tortugas Ninja. A nivel general, el cómic mezcla introspección, acción y desarrollo de mundo, ofreciendo una historia con mucha acción pero también reflexiva y que funciona como secuela pero también como precuela (algo así como el Neonomicon de Moore con respecto a su Providence) gracias a su narrativa en dos líneas temporales distintas.

Portada del tomo de Moztros.

Como decía, La historia se articula en dos líneas narrativas. Por un lado, seguimos a Michelangelo tras la muerte de sus hermanos y de Splinter. Este viaje por distintas partes del mundo muestra su evolución desde un personaje marcado por el dolor hasta convertirse en el Ronin que conocimos: frío y consumido por la venganza, todo un clásico. Este recorrido no solo añade contexto, redefine al personaje, alejándolo de su imagen clásica más desenfadada para convertirlo en una figura trágica. 

En paralelo, el cómic introduce una línea temporal situada después de los eventos de El último ronin original, en la que Casey Marie Jones entrena a una nueva generación de tortugas. Este elemento es clave porque cambia el tono global de la historia. Donde la obra original era prácticamente una tragedia cerrada, Los años perdidos introduce la idea de legado. ¿Habrá una Next Generation tortuguil...?

Unos años muy duros para Mike.

El apartado artístico de El Último Ronin: Los años perdidos podemos decir que cumple y está al servicio del guion. Las partes del pasado protagonizadas por MIchelangelo corren a cargo de SL Gallant y Maria Keane (son las partes que más me han gustado) mientras que las del presente están dibujadas por Ben Bishop. Para darle homogeneidad a la obra, el conjunto está coloreado por Luis Antonio Delgado. Además, las páginas del diario de Splinter están dibujadas por el propio Eastman (detallito maravilloso).

En conjunto, El Último Ronin: Los años perdidos es una obra que complementa y enriquece a su predecesora, Kevin Eastman y Tom Waltz se ocupan de ello. Puede que no tenga el mismo impacto emocional que El último ronin, pero su valor reside en ampliar ese universo y darle continuidad. Es, en esencia, una historia sobre lo que ocurre después de la tragedia: cómo se sobrevive, cómo se recuerda y cómo se sigue adelante además de, por supuesto, dejar la puerta abierta a una nueva generación.

La edición de Moztros es en rústica, con un tamaño de 17 x 26 cm y 208 páginas por 22,90€. Además, no solo incluye la miniserie original sino también el especial Teenage Mutant Ninja Turtles: The Last Ronin – Lost Day Special USA. 

 

El hombre invisible, reseña por Jose.

El Hombre Invisible, escrito por James Tynion IV y dibujado por DaNi, es un cómic de terror que reimagina a uno de los monstruos clásicos del cine de Universal Pictures. La historia explora la obsesión por obtener la fórmula de la invisibilidad y el progresivo descenso a la locura de Jack Griffin, el científico que acaba convirtiéndose en víctima (voluntaria) de su propio descubrimiento.

El personaje proviene de la célebre película The Invisible Man, una mezcla de ciencia ficción y comedia de terror estrenada en 1933 y basada en la novela homónima escrita por H. G. Wells. Con esta obra, Skybound Entertainment e Image Comics continúan ampliando su línea de cómics dedicada a reinterpretar a los monstruos más legendarios del cine clásico. En España, la editorial encargada de publicar estas nuevas adaptaciones es Moztros.

 

Portada del tomo recopilatorio de Moztros.

 

Esta adaptación, recién llegada a librerías, pone el foco en el proceso de investigación de la fórmula por parte del protagonista y en su progresivo deterioro mental. La historia se centra especialmente en el momento en que Griffin empieza a cruzar la frontera hacia el lado más oscuro de la ciencia: cuando decide probar su descubrimiento en seres vivos y comienza a traspasar todos los límites éticos y morales. De este modo, el cómic presta más atención a ese inquietante camino hacia la deshumanización que a los hechos posteriores, cuando ya ha probado la fórmula en sí mismo y da rienda suelta a sus atrocidades (aunque el proceso de investigación no está exento de ellas).

 

Nuestro distinguido protagonista.

 

«Siempre quise escribir esta historia», comentaba en una entrevista el propio James Tynion IV. Para hacerlo realidad se rodea aquí de la artista griega DaNi, una elección que, en mi opinión, resulta todo un acierto. Su estilo gráfico, muy expresionista, me recuerda por momentos la fuerza y el gusto por el claroscuro de autores como Eduardo Risso o mi adorado Mike Mignola, reforzando la atmósfera perturbadora y malsana de la historia. A ello se suma el magnífico trabajo al color de Brad Simpson, que completa una auténtica delantera de lujo para esta adaptación.

 

Claude Rains ¿caracterizado? para el filme de 1933.

 

Junto a Dracula, y a falta de leer la adaptación de La momia, esta es, sin duda, la entrega que más me ha gustado de la línea. Se nota que Tynion IV llevaba tiempo queriendo contar esta historia. El cómic mantiene un tempo narrativo muy bien medido, mientras que la atmósfera malsana y el horror rezuman en prácticamente cada viñeta. El trabajo de DaNi al dibujo y de Brad Simpson al color aportan además el grado justo de oscuridad y expresionismo que esta reinterpretación necesitaba.

Un auténtico must entre las novedades del pasado febrero, y que deja con ganas de más a la espera de que Moztros nos traiga la siguiente entrega de la línea: nada menos que El fantasma de la ópera.
En cuanto a la edición, Moztros mantiene su formato habitual: tapa blanda, 128 páginas en tamaño 17 × 26 cm y una cuidada galería de portadas como material extra. Todo ello por un precio de 18,90 €.

Godzilla Grandes Batallas Volumen 1: vs King Ghidorah, reseña por Jose.

Desde Moztros continúan ampliando la biblioteca del Rey de los Monstruos. Tras los dos volúmenes de Aquí hay dragones, llega el primero de una nueva línea de recopilatorios donde nuestro lagarto gigante favorito se medirá a los kaijus más temibles: Godzilla Grandes Batallas Volumen 1: vs King Ghidorah, un enfrentamiento colosal que inaugura la serie por todo lo alto.

Portada de la edición de Moztros.

Aunque el título destaque el duelo contra King Ghidorah, no será el único desafío al que se enfrente el Rey de los Monstruos. En este volumen también cruzará garras con Hedorah, Mothra y Battra, en una sucesión de combates que elevan la destrucción a escala kaiju.

Aun así, desde Moztros han optado por subtitularlo vs King Ghidorah, apelando al que probablemente sea su adversario más icónico y al ¿inolvidable? clásico japonés de 1991 que cimentó su rivalidad en la gran pantalla.

A lo largo de cuatro historias cortas, Godzilla se enfrenta a todo tipo de amenazas, desde las calles de Nueva York hasta el mismísimo Planeta Rojo. Especialmente delirante —y maravillosa— es la aventura en la que, en plena invasión alienígena, el Rey de los Monstruos es abducido a Marte para combatir contra King Ghidorah en una suerte de circo romano espacial.

Variedad de escenarios, imaginación desatada y combates espectaculares… aunque el desenlace sea casi siempre el mismo: cuando los kaijus entran en escena, la humanidad solo puede contemplar su propia derrota.

Cartelasso de la peli del 91.

Un tomo recopilatorio que, como suelo decir, quizá no te gane un Eisner (aunque nunca se sabe; ahí está el celebrado especial del 70º aniversario), pero sí te garantiza una tarde de pura diversión kaiju. Cuatro historias, cuatro equipos creativos distintos y un mismo denominador común: espectáculo y destrucción a gran escala.

Si eres fan de la franquicia, o si quieres empezar a picotear algo del Rey de los Monstruos, es un recopilatorio de lo más recomendable.

La edición de Moztros llega en tapa blanda, un tamaño de 17×26 cm y 176 páginas, por 19,90 €.

The walking cat, reseña por Jose.

Año nuevo, manga nuevo. De la mano de Moztros nos llega The Walking Cat, el manga que demuestra que los gatos sobrevivirían a un apocalipsis zombi. El mundo se va al garete, los zombis deambulan por ahí alimentándose de los humanos que quedan, la civilización se derrumba… y te encuentras un gato.

La historia comienza con Jin, un chaval desesperado por encontrar a su esposa en medio del caos de carne podrida y caminantes sin cerebro pero lo que se encuentra, contra todo pronóstico, es un gato blanco adorable (Yuki) que se convierte en su compañero de aventuras (y probablemente único ser que no intenta comérselo). Pero Jin no es el único humano del que veremos su historia, a lo largo de las más de 500 páginas de esta historia, Yuki va encontrando nuevos humanos en su deambular por un mundo que se ha venido abajo: una comunidad de supervivientes o un chaval que lo salva de una muerte segura son algunos de ellos.

Pero aquí viene lo interesante: esta no es una típica historia de zombis a lo “caminantes chungos comecerebros”; es un drama de supervivencia visto a través de los ojos felinos de Yuki y las relaciones humano-animal que se desarrollan en el proceso (especialmente divertida es la del sensei de la comunidad de supervivientes).

 

Portada de la edición integral.

The Walking Cat es un seinen de horror y supervivencia que mezcla elementos clásicos del género apocalíptico con una mirada inesperadamente tierna y divertida que nos ofrece la presencia del valiente y juguetón Yuki. La presencia del gato sirve de contrapunto perfecto para el horror que se nos describe página a página y gore que te salpica como te descuides. Eso sí (y aquí va un spoiler): Yuki no se mancha de sangre ni una sola vez XD.

The Walking Cat no reinventa el género, pero destaca gracias a su enfoque emocional y a la relación humanos y animales en un contexto de supervivencia y horror. Mezcle horror, drama  sensibilidad y una pizca de humor (yo diría que describe perfectamente cómo es vivir con un gato, da igual que sea un soleado domingo por la mañana o en mitad de un apocalipsis zombi) aunque no vayáis buscando algo especialmente profundo y que os vaya a cambiar la vida.

Moztros ha decidido traernos este Walking Cat en edición integral tres en uno al igual que otras editoriales están haciendo con One Piece, Naruto o Ataque a los titanes, cosa que se agradece por el ahorro en estanterías y en la cartera.

Tapa blanda, 522 páginas y un precio de 16,90€.

Si eres fan del género y/o amante de los michis, ya sabes...

Moztros anuncia nueva licencia de manga

Una nueva joya literaria llega a Moztros Manga en 2026

Nos alegra presentar uno de los títulos más especiales de nuestro catálogo para el próximo año.

En marzo de 2026 publicamos El batir de sus alas, una obra delicada, poética y sorprendente, firmada por Ikuko Hatoyama, que adapta un relato clásico del legendario escritor japonés Tatsuo Hori.

Una historia única donde la elegancia, el misterio y el encanto del Japón rural se entrelazan con la sensibilidad visual de una autora imprescindible.

SINOPSIS

Inspirada por las hazañas de Zigomar, el célebre ladrón de ficción francés, una paloma ladronzuela comienza a causar estragos en un pequeño pueblo entre montañas.

Nadie conoce su identidad.

Todos comentan su elegancia.

Con trazo fino, atmósfera envolvente y una narrativa llena de silencios sugerentes, Ikuko Hatoyama despliega todo su talento para reinterpretar este clásico de Tatsuo Hori, convirtiéndolo en un manga tan bello como inolvidable.

DATOS DE LA EDICIÓN

Autora: Ikuko Hatoyama

Demografía: Seinen

Género: Fantasía, histórico

Tomo único

Formato: B6 japonés

Páginas: 216 (212 b/n + 2 a color)

Fecha de lanzamiento: Marzo 2026

Edición Especial: Sobrecubierta con tinta especial

Un título que desplegará sus alas en 2026

Desde Moztros Manga seguimos apostando por obras con identidad propia: sensibles, elegantes y con alma.

El batir de sus alas será una de las primeras grandes sorpresas del año.

Gracias por acompañarnos.

Muy pronto, más novedades.

El último ronin, reseña por Jose.

Este pasado octubre, Moztros recuperaba El último ronin, ese What if...? distópico de nuestros quelonios favoritos, en una edición en tapa blanda para quienes no pudimos hacernos con las anteriores ediciones que publicó en nuestros país la ya extinta ECC. 

Anteriormente, en septiembre de este mismo año, ya había publicado el primer volumen del reinicio guionizazo por Jason Aaron, continuación directa de la serie anterior de la que faltan varios número por publicar en España (aunque no es totalmente imprescindible leerlos para comenzar con esta nueva etapa ya que al principio del tomo hay un recap bastante apañao que te pone rápidamente en situación).

¿Quién es el último ronin?

La nueva York de este cómic es distópica y cyberpunk y está controlada por Oroku Hiroto, heredero de Shredder. La última superviviente de las Tortugas Ninja intentará poner fin al reinado de terror y opresión de Hiroto mediante una misión suicida de infiltración en el mismo corazón del clan del pie. En su camino, contará con la ayuda de antiguos e inesperados aliados ¡y también algunos nuevos! ¿Tendrá éxito en su misión? Tendréis que leer el cómic para saberlo. Por cierto, los creadores originales de las Tortugas Ninja: Kevin Eastman y Peter Laird, colaboran con el guionista Tom Waltz y los dibujantes Esau Escorza, Isaac Escorza y Ben Bishop en esta historia oscura heredera del Dark Knight de Frank Miller.

El propio Eastman se encarga de dibujar las páginas de los diferentes flashbacks que explican la caída de las tortugas.

¿La última historia de las Tortugas Ninja? podría ser, pero tal fue el éxito, que rápidamente empezaron a generarse secuelas que profundizan en esos años perdidos que nos narra someramente la última tortuga en pie. En definitiva, un cómic muy entretenido, muy bien contado, con su componente nostálgico que apela al corazoncito de las fans tortugueros y que a pesar de tener un muy buen plantel de artistas gráficos y una historia orquestada y supervisada por los creadores originales, podría haber ganado enteros con un apartado gráfico más espectacular y un final menos precipitado. 

En cualquier caso, tebeo más que recomendable, disfrutable a tope y un must para los seguidores de Las Tortugas e incluso para quienes nunca hayan entrado en este universo ya que ¿por qué no empezar por el final y seguir desde ahí...?

Moztros se ha convertido en la casa española de las franquicias: Power Rangers, Transformers, GI Joe, Godzilla, Masters del Universo y ahora, Tortugas Ninja. Todo bien y tres hurras por Moztros, que nos está haciendo disfrutar de todos estos tebeos que, como siempre digo: igual no te van a ganar tres Eisners pero te van a dar muy buenas tardes de entretenimiento.

La edición de este Último Ronin es en rústica, con un tamaño de 17 x 24 para las 224 páginas divididas en seis entregas que componen este tomo a un precio de 22,90€.

Godzilla. Aqui Hay Dragones - Hijos De Gigantes, reseña por Jose

Frank Tieri e Iñaki Miranda vuelven a reunirse para la secuela de Godzilla: aquí hay dragones y expandir la mitología de Godzilla. Hijos de gigantes nos cuenta la historia de la humanidad entrelazada con la de los kaijus y una sociedad secreta que manipula la historia a su antojo para ocultar la existencia de estos. Desde el Antiguo Egipto a la era vikinga y nuestros días, seremos testigos de cómo se formó esta sociedad secreta y qué secretos esconde a la humanidad.

Portada de la edición de Moztros.

¿Están los grandes sucesos de la humanidad y la mitología misma relacionados con los kaijus? ¿Han sido el motor de la historia humana y la inspiración para multitud de leyendas? Estás a punto de descubrirlo. Un descendiente de nuestro querido (y tuerto) Henry Hull se tendrá que ver las caras con la misteriosa sociedad Hijos de gigantes y en cada una de las grapas que componen este tomo veremos cómo nuestra historia y leyendas se han construido en torno a los kaijus pero estos Hijos de gigantes han ido borrando sus huellas meticulosamente para mantener la existencia de estas criaturas en secreto.

Kaijus zurrándose en las ruinas de la misma Roma, todo bien.

Otra apuesta arriesgada, a la vez que fresca, esta secuela de Aquí hay dragones. Tieri y Miranda vuelven a apostar por unir la mitología de Godzilla a la historia de la humanidad y de momento les está saliendo bien el experimento. Pasamos de una historia de piratas a un repaso por algunos de los momentos cruciales en la historia en esta ucronía generada por los kaijus. Esta es una historia sobre sociedades secretas pero también cargada de acción, historia y aventura.

En esta segunda entrega el apartado gráfico es crucial. Miranda adapta su estilo para contarnos diferentes historias: desde samuráis japoneses al Grendel vikingo, vemos la versatilidad de este artista que ha sabido darle empaque y personalidad propia a cada uno de los números que componen esta secuela.

Una buena muestra de la versatilidad de Miranda en este tomo.

Como me gusta decir, quizá este cómic no vaya a ganar ningún Eisner pero desde luego, vas a echar una tarde de lectura de lo más entretenida. Los fans de Godzilla estamos de enhorabuena con esta expansión de su mitología y ojalá lleguen muchas entregas más de este estilo.

La edición de Moztros, como la anterior: rústica, 128 páginas a color y un precio de 19,90€.

Godzilla: Aquí hay dragones, reseña por Jose.

Moztros es la casa de Godzilla en nuestro país y desde luego, los fans del rey de los kaijus estamos más que contentos con ello. Tras La guerra de medio siglo y el especial 70 aniversario (ganador de un Eisner a mejor antología de historias cortas) nos llega Godzilla: aquí hay dragones, una nueva colección que, de momento, consta de dos volúmenes: este primero que comentaré aquí y un segundo del que hablaremos más adelante y que acaba de publicarse cuando escribo estas líneas.

"Hic sunt dracones" rezaba el mapa del siglo XVI de Hunt-Lenox y es que hasta ahí nos va a remontar Frank Tieri, a la era de los piratas, a la era de Sir Francis Drake y es que damos por sentado que Godzilla nace con la era nuclear pero parece que los kaijus ya andaban por el mundo mucho, mucho tiempo atrás.

Portada de la edición de Moztros.

La historia comienza con Henry Hull, pirata y a mucha honra, a punto de ser ajusticiado pero la historia que contará a sus verdugos habrá de salvarle la vida: Hull era un marinero en la Golden Hind bajo el mando de Francis Drake, que buscaba un mítico tesoro perdido y tras adentrarse en una extraña tormenta, acabará varado en una extraña isla que no aparece en ningún mapa. No queremos hacer spoilers pero, ¿os imagináis a quién va a encontrarse allí...?

Una aventura en la que están involucradas desde la Armada Española a La Reina de Inglaterra y hasta ahí puedo contar porque hay mucho más detrás de todo esto pero es que ¿a quién no le gusta una buena historia de piratas si además tiene a Godzilla ahí metido? Pues eso.

Nuestro querido Henry Hull, que se parece una mijita al capitán Sparrow.

Tieri y Miranda son el equipo creativo detrás esta historia. Un equipo creativo que no es ni mucho menos novato en esto de los tebeos, desde Lobezno a Harley Quinn, estos dos han trabajado en todo lo que les han pedido: desde Marvel a DC pasando por Aftershock y ahora IDW con Godzilla. Me da la sensación (más después de leer el segundo volumen de este Aquí hay dragones) de que están tratando de crear toda una nueva mitología para los kaijus, contar la historia del mundo a través de ellos y eso, en mi opinión, mola. 

Parece que Moztros se está conviertiendo en la casa de las franquicias y para bien: Power Rangers, Transformers, GI Joe, Godzilla y ahora Tortugas Ninja y Masters del Universo, una nueva edad dorada para quienes consumimos este tipo de productos.

La edición de Moztros es en rústica, 128 páginas y un precio de 19,90€, yo de vosotros, ni me lo pensaba, esta biblioteca Godzilla me está haciendo pasar muy buenas tardes de lectura.

Void Rivals volumen 2, reseña por Jose.

Estábamos deseando que el segundo volumen de Void Rivals llegara a las librerías (yo, al menos) para seguir leyendo las aventuras de Darak y Solila.

Kirkman, De Felici y Delpeche nos traen un segundo volumen lleno de acción, sorpresas y revelaciones que además, abre otra serie de interrogantes que nos dejan con unas ganas locas de pillar el tercer volumen.

Si en el primer arco la conexión con Transformers era un poco vaga, en este segundo volumen es clara y contundente, además y sin hacer spoilers, parece que el inicio de la rivalidad entre zertonianos y agorrianos está directamente relacionada con esa conexión.

En cualquier caso y a pesar de que Transformers sea el reclamo, Void Rivals crece en esta segunda entrega como serie con entidad propia y no como un mero complemento a Transformers. Kirkman está creando una historia y mitología completas para estas dos razas aunque su origen y desarrollo estén íntimamente ligados al de nuestros cibertrónicos amigos.

Portada de la edición española.

Al final del primer volumen dejábamos a Darak y Solila huyendo de los zertonianos hacia unas tierras de nadie que separan las dos mitades del anillo (que por cierto, descubriremos qué es y la importancia que tiene dentro de este universo compartido). En este segundo arco, la persecución continúa y al estilo de Enemigo mío, ambos deberán colaborar para sobrevivir sobre todo después de que Zalilak, líder zertoniano envíe a su guerrero más letal para acabar con ellos: Proximus. Proximus es una especie de Robocop ninja molón con la armadura del destructor de Thor. Sí, así de molón, además, le plantará cara a un inesperado aliado de Darak y Solila. No quiero hacer spoilers pero es grandote y robótico y quizá no tan inesperado.

Proximus es tan chungo y tan ochentero como parece.

Este universo compartido va a ser algo grande. A partir del encuentro con este quizá no tan inesperado aliado, se suceden las revelaciones. Pero surgen más interrogantes: ¿quién es Zerta Trion? ¿cuál es el verdadero origen de zertonianos y agorrianos? ¿qué papel juega el Energon en todo esto? Y además, un final que te deja con ganas de agarrar el siguiente tomo nada más terminar este segundo volumen.

Está claro que Kirkman está construyendo una auténtica epopeya galáctica con el Energon como centro de todo y que en algún momento, visto lo visto en este tomo, todo va a confluir, ¿cuándo? no lo sabemos pero mientras tanto, disfrutemos de este Void Rivals y de esos Transformers; cifi de calité y tardes de entretenimiento.

Este segundo volumen de Void Rivals nos lo trae Moztros en rústica, 144 páginas a color por 18,90€.