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jueves, 25 de junio de 2026

No me da la vida, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo, nos llegaba de la mano de Salamandra Graphic el debut en el cómic para adultos de Danicollaterale, pseudónimo del autor italiano Daniel Pasin. Arquitecto de formación (y profesión) decidió dar el salto al mundo de la historieta como han hecho autor@s como Marta Kayser, Agustín Ferrer Casas o Manuele Fior (Hypericon). No me da la vida. Crónica de un arquitecto en prácticas es una obra inspirada en la experiencia del propio autor como arquitecto en prestigiosos estudios internacionales que pone el foco en la hiperproductividad, la cultura del trabajo y en cómo el vivir para trabajar puede acabar dejándote sin vida pero también es, sin duda, un retrato apasionado de la profesión, enmarcado por la arquitectura parisina. 

Portada del cómic.

La historia sigue a Enzo, un joven arquitecto italiano que consigue una beca en un estudio de arquitectura de renombre internacional. Lo que inicialmente parece el primer paso hacia una carrera brillante pronto se convierte en una carrera de fondo contra los plazos imposibles, las jornadas interminables y una cultura empresarial donde dormir, como diría Gordon Gekko, es para los débiles (porque comer, comen como si no hubiera un mañana). Mientras el estudio prepara un ambicioso proyecto para un concurso internacional, Enzo y sus compañeros van sacrificando progresivamente su tiempo, sus relaciones personales y, en algunos casos, su salud mental. Todo ello por la promesa de un futuro profesional que nunca termina de concretarse. 

"¿Te sabes la de vivir para trabajar"? Esta frase podría resumir este cómic. Danicollaterale nos muestra un sistema donde el trabajo deja de ser una parte de la vida para convertirse en su totalidad. La obra cuestiona esa idea tan extendida de que, si amas tu profesión, cualquier sacrificio está justificado. En sus páginas aparece una generación que ha interiorizado que trabajar doce horas al día es ambición, responder mensajes durante las vacaciones es compromiso y encadenar estrés con ansiedad es, aparentemente, una forma avanzada de desarrollo profesional. El resultado es una sátira amarga sobre una sociedad que confunde la explotación con la vocación aunque nuestro protagonista parece disfrutar de su situación a pesar de todo. Afortunadamente, las nuevas generaciones están abandonando esa idea de la romantización de la explotaciçon aunque el lobby hostelero y el presidente de la CEOE quieran vendernos lo contrario.

El ecosistema de trabajo.

El estudio de arquitectura está habitado por personajes tipo: el jefe cabrón, los compañeros de trabajo buena gente, el pelota, el enchufado...todos son piezas del enorme engranaje laboral en el que Enzo es el recién llegado, lleno de ilusión y ganas. Todos personajes absolutamente reconocibles dentro de nuestro entorno laboral cotidiano. El hecho de que el cómic esté basado en las vivencias del autor le da más credibilidad si cabe: anécdotas reales y personajes tipo como el propio Danicollaterale se encarga de aclararnos al inicio de la obra.

El despiadado mundo de la búsqueda de empleo.

En el apartado gráfico, Danicollaterale desarrolla un estilo muy personal influido por el lenguaje de la arquitectura. Las páginas están llenas de líneas precisas, composiciones cuidadosamente construidas y diseños que transmiten orden y control. La mismísima primera página del cómic es ya una declaración de intenciones con esa página completa que es la salida del metro de París en el distrito 11: las curvas del diseño modernista de la estación de metro frente a la rigidez de las líneas neoclásicas de los edificios de París. Enzo frente al mundo.
Además, las composiciones de páginas y las soluciones narrativas (además de la rapidez) nos consiguen transmitir esa idea de estrés, de velocidad y de tener que terminar el trabajo a tiempo en un entorno laboral que acaba siendo un protagonista más de la historia. 
 
No me da la vida es una obra inteligente y actual, no solo es una crítica a la explotación laboral y su romantización sino que también es una crítica a la precariedad laboral, el precio de la vivienda y el enchufismo. Un muy buen cómic en un momento muy apropiado.
 
La edición de Salamandra Graphic está muy cuidada: tapa dura para las 208 páginas en papel offset de calidad, un tamaño de 25,6 x 20,1 cm y un precio de 27,95€

martes, 2 de junio de 2026

Animales domésticos, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo nos llegaba, de la mano de Salamandra Graphic, la nueva obra de la italiana Bianca Bagnarelli: Animales domésticos. En esta nueva obra, la autora transalpina reúne 13 relatos aparecidos en diferentes publicaciones. Estos relatos no están conectados entre sí ni forman un todo, son pequeñas historias independientes que exploran la fragilidad emocional contemporánea: la soledad, los celos o el duelo; sus causas, sus consecuencias y cómo afectan a sus protagonistas.

Portada.

Confieso que tenía muchas ganas de leer esta antología de Bagnarelli, quienes disfrutamos de este formato tenemos difícil encontrar antologías de este tipo en el mundo del noveno arte y lo cierto es que he disfrutado mucho su lectura porque además, su narrativa y su estilo me recuerdan mucho al los de mi adorada Laura Pérez, de quien ya hemos comentado alguna obra suya en este mismo blog: Totem y Nocturnos son dos pedazos de tebeos que nunca nos cansamos de recomendar. 

Lo cierto es que uno de los grandes logros de este cómic  es su capacidad para sugerir y su contención en la narración: silencios, gestos, miradas y juegos de luces; paisajes humanos y paisajes vacíos transmiten esas sensaciones de las que hablaba al principio: soledad, duelo, dolor o extrañeza, pero eso sí, cada historia tiene su propia atmósfera dentro del tono melancólico general de la obra que inunda los 13 relatos. La composición de página, el color o la luz, hacen que cada historia sea única y diferente del resto.

La luz, el color y el michi.

Nacida en Milán en 1988, Bianca Bagnarelli es una de las voces más reconocidas del cómic y la ilustración contemporáneos en Italia junto con mi admirado Zerocalcare o el gran Manuele Fior. En 2010 cofundó la editorial independiente Delebile, dedicada a la publicación de cómics de autores emergentes italianos e internacionales. Su primer libro, Fish, publicado por Nobrow Press, obtuvo la medalla de oro de la Society of Illustrators en la categoría de cómic corto, un reconocimiento que impulsó su carrera internacional.
Paralelamente a su trabajo como historietista, Bagnarelli ha desarrollado una sólida carrera como ilustradora para medios y editoriales de primer nivel. Ha colaborado con The New Yorker, The New York Times, National Geographic, Penguin Random House y numerosas publicaciones culturales y literarias. Su estilo, caracterizado por un dibujo elegante, expresivo y de gran sensibilidad cromática, le ha permitido moverse con naturalidad entre la ilustración editorial y el cómic de autor. 

El color y la composición de página son fundamentales en esta obra.

En definitiva Animales domésticos es una estupenda colección de relatos breves que destaca por su sensibilidad emocional y su excelente apartado gráfico (vamos a poder disfrutar de la evolución de la autora a través de los años). Bianca Bagnarelli apuesta por la sugerencia más que por la explicación, construyendo historias sutiles y a menudo abiertas a la interpretación, cosa que me encanta pero que entiendo que no es del gusto de tod@s l@s lector@s.

Creo que es una obra muy recomendable para lector@s interesados en el cómic de autor contemporáneo (Laura Pérez, Adrián Tomine o Guy Delisle) y en las historias centradas en los matices de las relaciones humanas con una excelente combinación de elegancia visual y profundidad emocional.

La edición de Salamandra Graphic es en rústica con solapas, papel offset de calité para las 224 páginas de la obra, un tamaño de 15.2 x 20.9 cm y un precio de 24,90€

miércoles, 22 de abril de 2026

El viaje de Shuna, reseña por Jose

El viaje de Shuna es una obra breve pero singular dentro de la trayectoria de Hayao Miyazaki. Publicado originalmente en 1983, este manga se aleja de la narrativa convencional para acercarse a la estructura de un cuento ilustrado, lo que en japonés se conoce como emonogatari, con un tono poético y alegórico más propio de una fábula que de una historia clásica de aventuras y alejado del formato manga.
Inspirado en un relato tradicional tibetano, Miyazaki construye una historia sobre el sacrificio, la esperanza y la lucha contra la adversidad, todo ello acompañado de una atmósfera melancólica y contemplativa que anticipa muchos de los temas recurrentes de su filmografía posterior.

Tras su primera publicación en formato cartoné, con una edición estándar y otra especial ublicada hace ya unos tres años, los amigos de Salamandra Graphic recuperan esta pequeña joya en una cuidada edición en rústica con sobrecubierta, más cercana al manga, más asequible y accesible, que permite redescubrir el delicado trazo y la sensibilidad narrativa del maestro tokiota. Una oportunidad ideal tanto para quienes no pudieron hacerse con ella en su momento como para aquellos que deseen completar su biblioteca con una de las obras más íntimas y menos conocidas de Miyazaki.
 

Portada de la nueva edición.
 
La historia sigue a Shuna, un joven príncipe de una tierra pobre que emprende un viaje en busca de unas semillas doradas capaces de salvar a su pueblo del hambre tras la visita de un anciano viajero moribundo que le habla de tal milagro. Pero el viaje no será fácil y es posible que nunca regrese. Deberá viajar hacia el lejano oeste, al lugar donde nace la luna.
Desde el inicio, el relato transmite una sensación de melancolía y contemplación: no hay grandes diálogos ni acción constante, sino una narración pausada que deja espacio a la reflexión.
La obra explora ideas muy características de Miyazaki: la relación entre el ser humano y la naturaleza, la explotación, el sufrimiento silencioso y la esperanza en medio de la dureza del mundo. No es una historia cómoda; tiene momentos oscuros y una sensación constante de sacrificio. Probablemente sea la obra donde más temas "adultos" trate Miyazaki.
Nuestro héroe y su Yakul.
 
Visualmente, el libro es impresionante. Miyazaki utiliza acuarelas con un nivel de detalle y sensibilidad increíbles. Cada paisaje: montañas, desiertos, aldeas parece cargado de historia y  es fácil ver aquí las semillas de obras posteriores como La princesa Mononoke o Nausicaä del Valle del Viento, tanto en la estética como en los temas. Una autética delicatessen.
Podemos percibir la fascinación de Miyazaki por culturas antiguas y arquitecturas inspiradas en Asia Central y Oriente Medio. Esto aporta una identidad visual única, alejada de los entornos más fantásticos y europeos típicos del género. Y debo decir que los diseños de personajes son bastante sobrios en general, lo que ayuda a concentrarte en la narrativa,
 
En resumen, El viaje de Shuna es una pequeña joya: sencilla en apariencia, pero cargada de significado, y esencial para entender el universo creativo del maestro Miyazaki.

Esta nueva edición de Salamandra Graphic nos llega en rústica con solapas y sobrecubierta, 176 páginas en papel offset de calidad (increíble cómo han quedado los colores), un tamaño de 15.6 x 21.7 cm y un precio de 15,95€
 
 
 

lunes, 23 de marzo de 2026

Hypericon, reseña por Jose.

Hypericon, de Manuele Fior, entrelaza con elegancia dos historias separadas por casi un siglo: la expedición liderada por Howard Carter que descubre la tumba de Tutankamón a principios del siglo XX, y, en paralelo, la de Teresa, una joven estudiante italiana que llega a Berlín gracias a una beca Erasmus para trabajar en una exposición sobre ese mismo hallazgo. Allí conoce a Rubén, su reverso "tenebroso": frente a su carácter metódico, responsable e insomne (literalmente), él encarna el caos bohemio de quien vive al margen de cualquier estructura, instalado en una despreocupación que roza lo temerario aunque eso sí, viviendo a costa de sus padres.
Entre ambos surge una relación tan intensa como inestable, atravesada por sus diferencias, sus inseguridades y una constante sensación de desajuste emocional. En ese vaivén aparece también la flor de hypericón, un elemento simbólico que recorre la obra: asociada a la luz y a la renovación, funciona como reflejo de ese vínculo frágil, luminoso por momentos y, a la vez, inevitablemente vulnerable.

 
Y es que Hypericon es, ante todo, una historia de amor… aunque no una al uso. Fior apuesta aquí por un enfoque íntimo y realista para construir un relato precioso y delicado donde pesan más las emociones que los acontecimientos. Esa mirada sutil y contenida es, precisamente, la que le da personalidad propia a esta obra y la aleja de los romances convencionales. 

Portada del cómic.

Hypericon ha sido mi primer acercamiento a la obra de Manuele Fior y la experiencia no podría haber sido más satisfactoria. No solo por la historia de Teresa y Rubén, que funciona como núcleo (emocional) del relato, sino también por todo lo que la envuelve: el sutil trasfondo egipcio, el constante simbolismo con la flor de hypericón como motivo recurrente y la atmósfera de ese Berlín noventero que el autor recrea con una sensibilidad casi palpable y que a los señores mayores de mi generación nos resulta tan familiar.

Uno de los mayores logros de Fior es el equilibrio que consigue entre sus dos líneas narrativas: por un lado, el descubrimiento de la tumba de Tutankamón; por otro, la relación entre Teresa y Rubén. Lejos de competir, ambas tramas se enriquecen mutuamente, dialogando a través del tiempo y el significado. A esto se suma una caracterización muy cuidada de los personajes: los dos polos opuestos del espectro, sí, pero tan bien construidos que resulta fácil empatizar con ambos, reconocerse en sus dudas y entender sus contradicciones.
Aunque si hay algo que realmente eleva el cómic es su forma de retratar las relaciones. Aquí no hay épica romántica ni grandes declaraciones, sino una atención minuciosa a los gestos cotidianos, a los silencios incómodos y a las pequeñas fisuras que acaban definiendo a una pareja. Fior pone el foco en esos detalles que construyen (y también desgastan) el vínculo, mostrando el amor como algo frágil, cambiante y, por momentos, incómodo, pero profundamente humano. 

El frío Berlín noventero.

En el apartado gráfico, Fior vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes nombres del cómic europeo contemporáneo. Su uso del color, cálido en Egipto, más frío y gris en Berlín, no solo diferencia épocas, sino que transmite estados de ánimo y refuerza el tono melancólico de la obra. Esas acuarelas son oro puro. Un trabajo espectacular.

Hypericon no busca una trama potente ni giros sorprendentes y ahí reside su encanto: es un cómic contemplativo, más interesado en las emociones que en la acción, en capturar una etapa vital que en contar una historia cerrada. Cómic de mantita y sofá que he disfrutado enormemente.

La edición de Salamandra Graphic nos llega en rústica con solapas, 144 páginas y papel offset de calidad con un ligero tono hueso por 23,95€.

martes, 28 de octubre de 2025

Come Prima, reseña por Jose.

Como prometí hacer en la reseña de Maltempo, me he puesto a leer la "trilogía italiana" de Alfred al completo y por supuesto he empezado con Come prima, obra ganadora del Fauve D’Or del festival de Angoulême en 2014, casi na. 
Alfred (Lionel Papagalli) nos trae una road movie mediterránea en este Come prima (que me ha parecido un tebeo maravilloso). 1958, dos hermanos viajan desde Francia hasta su Italia natal, en un Fiat 500 por supuesto, para honrar la memoria de su padre muerto.

Portada del cómic.

Come prima, título de esta obra, es una de las canciones más populares de la Italia de finales de los 50; popularizada por Tony Dallara, vive rent free en nuestras mentes como la comedia italiana de los 60, el neorrealismo de Fellini y Visconti, el costumbrismo de Sorrentino o la mismísima Sophía Loren. Este Come Prima tiene un poco de todo eso aderezado con la luz del Mediterráneo, esa luz que, francamente, Alfred ha sabido captar en cada uno de los volúmenes de esta trilogía confiriéndoles un extra de belleza a cada una de sus páginas.


La luz del Mediterráneo.

Conflictos familiares, los restos de la Italia fascista de Mussolini, cosas que nunca se dijeron, mentiras, culpa y redención. Come prima es todo eso y mucho más a bordo de un Fiat 500. Fabio y Giovanni (los dos hermanos) emprenden el viaje de regreso a su pueblo natal para unir los pedazos de sus vidas e intentar que todo sea come prima, como antes, en un cómic precioso no solo por la historia que cuenta sino por la calidad de su apartado gráfico. 

Ya os lo dije cuando hablé de Maltempo pero os lo repito: Alfred es un autorazo y esta trilogía italiana es una maravilla, metedle mano porque no os vais a arrepentir ni un poquito.

La edición de Salamandra es en rústica con solapas, más de 230 páginas en papel de calidad con un precio de 25,95€.

lunes, 13 de octubre de 2025

Shiki. Cuatro estaciones en Japón, reseña por Jose.

Este pasado septiembre, los amigos de Salamandra graphic nos traían la ópera prima de Rosalie Stroesser: Shiki. Cuatro estaciones en Japón. Esta autora francesa estudió diseño gráfico, ilustración y cómic en su Francia natal. Esta primera obra narra de manera autobiográfica su experiencia en el país del sol naciente, en el que vivió durante un tiempo, pues es una gran aficionada al manga clásico de los años 70.
A través del paso de las estaciones, Rosalie nos cuenta sus vivencias y lo hace acompañándolas de leyendas japonesas con un resultado final francamente maravilloso. 
Portada del cómic.
 
Con un ritmo pausado y con una notable influencia de sus mangakas favoritos, la autora se abre en canal y nos cuenta sus vivencias en Japón. Este cómic podría percibirse como un diario pero nada más lejos de la realidad, es un cúmulo de experiencias y contradicciones; como la misma Stroesser nos dice: "Esa mezcla de atracción y rechazo, esa fascinación teñida de incomprensión". Y es que la obra va desde la fascinación más absoluta, al odio. Pero siempre con ganas de regresar. 
 
La fascinación por la cultura, las tradiciones y la historia queda a veces empañada por la rigidez de la sociedad nipona, patriarcal y machista. Machismo que la autora sufre en sus propias carnes con algunas durísimas experiencias que no tiene tapujos en relatar en la obra.
 
Invierno nipón.
 
A través de su experiencia en diferentes trabajos, su convivencia con otras chicas occidentales y amigos japoneses, Stroesser nos va a ir desgranando sus vivencias a través de las estaciones acompañándolas de leyendas japonesas tradicionales. Seremos testigos de cómo es la vida del gaijin (extranjero) en Japón: lo que se espera de ella, los límites que no debe traspasar y cómo encaja una mujer occidental en esa inamovible sociedad japonesa. Todo un reto.
 
Pasaremos del japón rural a las grandes urbes para contemplar la tranquilidad de la vida cotidiana en el campo y el ritmo de vida endiablado de la gran ciudad: costumbrismo, religiosidad, cotidianeidad... 
Japón, un cóctel que puede no ser apto para much@s y un leit motif universal: expectativas vs realidad. 
 
La narrativa, como ya he comentado más arriba, es pausada y la parte gráfica, minimalista. Este es un cómic de silencios y miradas, de paisajes, tanto humanos como naturales. Una obra que me ha recordado mucho en su narrativa y su minimalismo a mi adorada Laura Pérez (Totem, Nocturnos) y que no puedo más que recomendar porque me ha parecido una maravilla y más teniendo en cuenta que es la obra debut de su autora. Es una obra delicada, sensible y sincera y desde luego, de obligada lectura para quien quiera probar suerte en Japón.
 
La edición de Salamandra es en rústica con solapas, 320 páginas (en su mayoría en blanco y negro) con papel offset de calidad, un tamaño de 23 x 17 y un precio de 27,95€. 
 

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