Tierra o luna, parte 1; reseña por Jose

Tierra o Luna, de la historietista francesa Jade Khoo, recién publicado por en nuestro país por Astiberri, es un cómic que combina relato de iniciación, drama familiar, ciencia ficción, thriller y reflexión ecológica en una historia delicada y ambiciosa. Concebida como la primera parte de un díptico, la obra nos introduce en un mundo que, aunque fantástico, refleja muchas de las preocupaciones sociales contemporáneas relacionadas con la familia, la identidad, la pertenencia, la inmigración, y la relación del ser humano con su entorno, un tema que suele estar presente en gran cantidad de obras de ciencia ficción desde las más clásicas hasta las más modernas. Desde sus primeras páginas, la autora demuestra una increíble capacidad para construir una atmósfera envolvente (tremendo prólogo cuyo final no te ves venir) que te invita a perderte en un universo tan bello como inquietante gracias a ese toque de realismo mágico que la autora le ha dado a la historia.

Portada del cómic.

La historia sigue a Otelo, un joven marcado por un suceso traumático de su infancia que le atañe directamente. Tras pasar años en un centro de acogida, regresa a su entorno durante unas vacaciones de verano y comienza unas prácticas en una asociación ornitológica invitado por sus amigos de la infancia. Lo que inicialmente parece un relato costumbrista sobre la amistad, el crecimiento personal, la adolescencia y la observación de aves va revelando poco a poco una dimensión mucho más amplia: Otelo no vive en La Tierra, La Tierra se ha convertido en un planeta prácticamente inhabitable degradado por la contaminación y la sobreexplotación. A partir de esta premisa, Khoo explora cuestiones como la desigualdad social, la memoria familiar, las migraciones, el colapso ecológico y la relación del ser humano con el entorno, además, Otelo empieza a investigar sobre su familia y sus orígenes, una investigación llena de revelaciones sorprendentes. 

Esta mezcla de ciencia ficción, ecologismo, relato de iniciación, drama familiar e investigación, hacen que esta historia sea una obra de lo más ambiciosa. 

Cada página de Jade Khoo es una auténtica maravilla.

 

Y si el guion es ambicioso, el apartado gráfico es sencillamente extraordinario. Jade Khoo trabaja principalmente con acuarelas, algo que se percibe en cada página. Sus colores tienen una luminosidad casi táctil recordándome por momentos a Remington, Maggiori e incluso a Gonzalo Bilbao: los verdes de los prados, los cielos abiertos, los atardeceres, los bosques y las criaturas que pueblan este mundo transmiten una sensación constante de asombro. Su línea es delicada, pero precisa, capaz de alternar escenas íntimas con panorámicas espectaculares. La autora combina influencias de la bande dessinée francobelga (ojo a esos homenajes a Moebius) la ilustración contemporánea y ciertos recursos visuales del manga y la animación japonesa (Miyazaki está presente casi en cada página) sin que ninguna de esas referencias llegue a imponerse sobre su propia personalidad artística. El resultado es una obra visualmente exuberante.

 

 El gigante de la luna.

 

Lo cierto es que Tierra o luna me parece una de las propuestas de ciencia ficción más interesantes aparecidas recientemente en el ámbito del cómic europeo. No destaca solo por la calidad de su dibujo, que ya justificaría su lectura, sino por la manera en que combina un drama íntimo con reflexiones ecológicas y sociales de gran alcance y que nos afectan y much a día de hoy. Tiene la sensibilidad de los mejores relatos de formación, la imaginación visual de la gran fantasía contemporánea y recoge el testigo de la ciencia ficción más clásica.
Si tuviera que ponerle una pega, es que la obra esté dividida en dos volúmenes ya que al terminar la lectura del primero (y son casi 300 páginas) hubiera empezado el segundo inmediatamente. Esperemos que la segunda entrega no tarde mucho en aparecer.

 

 Homenaje al Arzak de Moebius.

 

La edición de Tierra o luna que ha publicado Astiberri Ediciones está claramente planteada como una edición de lujo, muy adecuada para lucir el trabajo gráfico de Jade Khoo.

Se trata de un volumen en cartoné, con 296 páginas a color y un formato grande de 22 × 29 cm, bastante grandote. Ese aumento de tamaño se agradece especialmente porque las acuarelas de Khoo son uno de los grandes atractivos de la obra y ganan mucho espacio para lucir bien. Precio: 39€.

Además, Astiberri la ha incluido en su colección Sillón Orejero, una línea editorial donde suelen aparecer obras especialmente cuidadas en cuanto a presentación y acabado. La traducción corre a cargo de Rubén Lardín, un nombre habitual y solvente dentro de la traducción de cómic.

Parker, la presa; reseña por Jose.

Tras el fallecimiento del grandísimo Darwyn Cooke, muchos pensamos que nos quedaríamos sin nuevas adaptaciones de Parker en viñetas. Cooke había sabido trasladar el tono seco, elegante y criminal de las novelas originales, convirtiendo cada álbum en una obra de referencia dentro del cómic negro contemporáneo. Sin embargo, desde la editorial francesa Dupuis decidieron que el legado no debía detenerse y apostaron por continuar llevando al noveno arte las historias del icónico personaje creado por Donald Westlake bajo su seudónimo de Richard Stark.

Así, los amigos de Astiberri nos trajeron Parker. La presa, una nueva adaptación que mantiene intacta la crudeza del material original demostrando que el personaje sigue tan vivo y vigente como siempre y manteniendo bastante la estética visual de Cooke.

 

Parker, protagonista de estas novelas, es un criminal profesional frío, metódico y prácticamente amoral, cuya visión del mundo se rige por la eficiencia y la supervivencia. Y el dinero, claro. Alejado de romanticismos, se mueve en un universo de traiciones, golpes y códigos estrictos entre delincuentes, lo que lo convierte en una figura clave dentro del noir literario del siglo XX. Las novelas de Stark, publicadas desde los años 60, influyeron enormemente en la narrativa criminal moderna por su estilo directo y su protagonista implacable y además de ser trasladado a viñetas, ha tenido varias adaptaciones a la gran pantalla durante los últimos 60 años siendo encarnado por actores de la talla de Lee Marvin, Robert Duvall, Mel Gibson o Jason Statham.

 

Portada del nuevo volumen.

 

En este primer volumen de las nuevas aventuras de Parker en viñetas, Kieran y Headline adaptan The Sour Lemon Score y, a diferencia de otras entregas centradas casi exclusivamente en el protagonista, aquí el foco se amplía. El golpe deja de ser asunto de un solo hombre para convertirse en una operación compleja, en la que interviene toda una banda de profesionales. La obra nos sumerge de lleno en un plan milimétrico que, como es habitual en el universo de Parker, no tarda en torcerse hasta rozar la tragedia. Cuando un traidor emerge entre los suyos y Parker sobrevive por los pelos a un intento de asesinato, se desencadena una persecución implacable: una cacería fría y metódica para encontrar al culpable y hacer, en fin, lo que Parker siempre hace en estos casos per esta vez, un pasito más allá. 

Respeto/homenaje a la estética visual de Cooke.

 

Headline hace una adaptación bastante fiel al texto original, la historia es dura y seca como una piedra en el desierto; "los malos" son peores todavía y Parker a su lado parece un boy scout en esta entrega. Kieran hace un magnífico trabajo respetando la estética original de las primeras adaptaciones de Cooke: blanco y negro y un coloreado usando ese azul verdoso. Lo cierto es que se agradece esa "continuidad" con el trabajo de Darwyn Cooke.

 

La edición que nos trae Astiberri es en cartoné y un tamaño de  23 x 30,2 cm, tamaño casi europeo (aquí sí que se rompe un poco la estética de la serie original) y un papel offset de alto gramaje para las 112 páginas de esta aventura de Parker con un precio de 22€.

 

La verdad es que, si en Francia tienen pensado seguir adaptando las novelas de Westlake (Stark), podemos estar tranquilos porque, de momento, han hecho un trabajo fantástico con  esta primera. Noir de calité que hará las delicias de los amantes del género y de los neófitos también.

El gourmet solitario, reseña por Jose.

El gourmet solitario es una obra muy particular dentro del cómic: sencilla en apariencia, pero sorprendentemente profunda en lo que transmite. A través de sus páginas, propone una exploración de la poesía de lo cotidiano, de esos pequeños momentos que suelen pasar desapercibidos. Lo que, en principio, podría parecer algo simple, se revela como un ejercicio complejo en una sociedad dominada por la inmediatez y el consumo rápido. Quizá por eso, a pesar de haber sido publicado originalmente en 1997, este manga no solo ha resistido el paso del tiempo, sino que, en mi opinión, sigue plenamente vigente casi treinta años después, invitando al lector a detenerse, observar y saborear (literalmente) la vida con otra mirada.

Portada del manga.

A lo largo de 19 capítulos, seguiremos a Goro Inokashira, un trabajador autónomo que recorre los distintos barrios y distritos de Tokio visitando a sus clientes. En el transcurso de esos desplazamientos laborales, sus jornadas se articulan en torno a pausas aparentemente triviales: la elección de un bar o restaurante donde almorzar o cenar. Cada episodio se construye, en esencia, como una variación sobre ese mismo gesto: encontrar un lugar donde comer, lo que podría sugerir una premisa limitada, sin embargo, es precisamente en esa reiteración donde reside su singularidad y también su belleza. Minimalismo narrativo al extremo.

La comida deja de ser un fin en sí mismo para convertirse en un dispositivo de exploración de lo cotidiano. Cada ingesta adopta la forma de un ritual íntimo en el que el protagonista no solo degusta, sino que interpreta: el hambre, la saciedad, las texturas y combinaciones se integran en un flujo constante de pensamiento. Paralelamente, la obra compone un sutil mosaico de la sociedad tokiota, construido a partir de la observación minuciosa de los espacios y de la clientela que los habita y también de la gastronomía japonesa (acabas el cómic y lo único que quieres es bajar a un japonés y ponerte como el Quico).

Riquísimo todo.

Otro detalle que me ha encantado es cómo los autores se alejan deliberadamente del Tokio más aesthetic para adentrarnos en una versión mucho más íntima y auténtica de la ciudad. En lugar de recurrir a los escenarios habituales, nos invitan a recorrer pequeños locales, callejones escondidos y barrios periféricos llenos de vida cotidiana, alejados de los sobadísimos Shibuya o Ginza. Así, construyen un retrato más humano y cercano, donde cada rincón parece tener una historia propia.

Tanto el guion como el dibujo (en una perfecta simbiosis Taniguchi y Kusumi) invitan a disfrutar, a saborear cada página de la historia, de las historias, del señor Inokashira, alguien de quien apenas sabemos nada, un hombre que vive en el presente, que vive y disfruta cada comida. 

Tenemos a un Taniguchi perfectamente reconocible: su clásica línea clara pero a la vez, gran cantidad de detalles en cada local o callejón en los que entra nuestro protagonista.

No hay un principio ni un final definidos, no hay una trama convencional o un desarrollo del protagonista. La obra se limita a acompañarnos en un recorrido por distintos barrios de Tokio donde vamos a ir probando los platos más típicos o singulares de cada establecimiento a reflexionar sobre la percepción, el tiempo y nuestra relación con lo cotidiano. ¿Puede encontrarse la épica en comernos un plato de ramen tranquilamente? Yo digo sí.

Si te gusta el manga y sientes interés por la cultura y la gastronomía japonesa, El gourmet solitario es una lectura que vas a disfrutar sin ninguna duda.

Astiberri nos traía esta joya en en rustica con solapas con un tamaño de 17 x 24 cm. 200 páginas en papel offset, blanco y negro y un precio de 18€. Creo que va por la octava edición y además tiene una secuela: Paseos de un gourmet solitario.

Carmilla, reseña por Jose.

En octubre de 2025, los amigos de Astiberri nos traían un libro ilustrado en el que la parte gráfica corresponde a Rosemary Valero-O’Connell, que hace un trabajo increíble ilustrando el clásico de Le Fanu, Carmilla. Carmilla, junto con El vampiro, de Polidori, se consideran antecedentes directos del vampiro más universal: Drácula, de Bram Stoker.

Carmilla (1872) es un clásico de la literatura de terror gótica y un claro precedente de literatura de temática lésbica posterior por la relación que nos muestra entre Carmilla, una aristócrata que  se descubrirá como una criatura de la noche y la joven Laura, que vive con sus padres en un castillo en Austria. 

Portada del libro ilustrado.

Pero no voy a reseñar el relato, yo quiero reseñar la edición que nos ha traído Astiberri que es una auténtica gozada.  Rosemary Valero-O’Connell es la encargada de ilustrar esta edición, nacida en Minneapolis y residente en Nueva York, pasó parte de su infacia en Zaragoza y la conocemos de obras como No te vayas sin mí, también publicada por Astiberri en nuestro país o Dean me ha vuelto a dejar, con guion de Mariko Tamaki  publicada aquí por La cúpula.  HA ganado (entre otros galardones) dos Eisners. Casi na.

Como podréis ver si os hacéis con el libro, su estilo está bastante influido por el Art Nouveau, el manga o Ghibli con un uso del color sencillamente increíble predominando negros y rojos en este volumen. 

Ilustración interior del libro.

La edición de Astiberri es una maravilla: 144 páginas de papel offset en cartoné con una tamaño de 22,9 x 30,5 cm y cantos tintados de rojo por 30€.

Como os digo, Carmilla es uno de los relatos fundacionales del mito del vampiro y un pilar de la literatura queer posterior. En mi opinión, un imprescindible y más en esta edición ilustrada que aterrizó en nuestro país en octubre del año pasado de la mano de Astiberri. 

Violencia gratuita, reseña por Jose.

Año nuevo, cómics nuevos. Retomamos la periodicidad más o menos habitual de reseñas en el blog este 2026 y comenzamos con una buena macarrada que nos trajeron los amigos de Astiberri este pasado mes de diciembre: Violencia gratuita, de Patrick Horvath. Horvath es un productor, guionista y director de cine estadounidense, además de ser el autor del cómic Bajo los árboles donde nadie ve, también publicado en nuestro país por Astiberri. 

El señor Horvath.

En un futuro no muy lejano, la Liga Financiera Mundial ha encontrado la solución definitiva a la desigualdad económica: un sorteo. Si eres obscenamente rico y tu nombre sale elegido, solo tienes dos opciones: donar la mitad de tu fortuna… o luchar a muerte en los combates televisados de Violencia Gratuita.

Ted Brooks, uno de los hombres más ricos del planeta, ha dejado clara su postura en veintiuna ocasiones: prefiere partirse la cara antes que soltar un solo billete. Podría haber donado, claro pero nuestro querido y salvaje Ted ama su dinero por encima de todas cosas.
El problema es que la próxima combatiente resulta ser Luella Domínguez: exsocia, exesposa y, probablemente, la última persona con la que Ted querría compartir la arena.

Solo uno saldrá con vida de este combate, que promete ser el evento del año… y la ruptura más sangrienta jamás retransmitida. 

     ¿Gladiator? No. Es nuestro Ted a punto de aniquilar salvajemente a un contrincante.

Lo cierto es que el futuro que se nos presenta es tan aberrante que podría ser perfectamente hoy y la sátira que nos trae Hovarth sobre la desigualdad, los ricos y la violencia es absolutamente exquisita. Además de ser una macarrada importante que he disfrutado cada viñeta. 

Esta edición ampliada de Violencia Gratuita incorpora más de veinte páginas de contenido extra además de una extensa entrevista en la que el autor reflexiona y desvela los secretos detrás de su provocadora obra.

La edición de Astiberri es en tapa dura para las 72 páginas a color y cargadas de extras que trae este cómic y con un precio de los que ya no se ven: 14 pavitos.

Si te gusta el macarreo y las obras críticas, ni te lo pienses, te lo vas a gozar fuerte. 

20th century men, reseña por Jose.

Deniz Camp y Stipan Moria nos traen una ucronía de la guerra fría en plenos años 80 durante la guerra de Afganistán, país conocido como "La tumba de los imperios", pues desde los persas a la Unión Soviética ninguna potencia antigua o moderna ha conseguido nunca controlar el territorio.

Por poner un poquito en contexto: el conflicto en Afganistán se desarrolló entre 1978 y 1992 y fue el último gran conflicto de la Guerra fría. Cuando el el partido comunista afgano derroca al gobierno de su país con el apoyo de la URSS, el bloque capitalista lo vio como una agresión (al capitalismo, claro) así que occidente, con EEUU a la cabeza, decidió (por lo que sea) que era buena idea financiar a los muyahidines (esos simpatiquísimos guerrilleros fundamentalistas religiosos) para acabar con la influencia soviética en el país. En 1992 y con la caída del bloque comunista, los muyahidines se hacen con el control del gobierno y fundan su propia republica islámica en Afganistán. El resto, es historia.

Portada de la edición de Astiberri.

Camp y Moria cogen todo el contexto histórico anterior y nos meten de por medio a un Iron Man ruso, una especie de Comediante (el de Watchmen) que ha llegado a presidente de los EEUU, un supersoldado rollo Capitán América pero que es Lobezno pasado de vueltas (y de coca) y un paraíso en La Tierra dentro de una burbuja temporal en Siberia vigilado por lo que sería Supermán. En medio de todo esto, los intereses de ambas superpotencias con el pueblo afgano siendo masacrado por ambas partes, un tablero de ajedrez en el que no importan las piezas que mueran. El resultado es una historia densa, muy bien contada y todo un alegato antibelicista.

 

 

¿Iron Man vs Lobezno?

 

Deniz Campz, guionista hot del momento con una trayectoria ascendente imparable, nos trae una magnífica historia, una coctelera en la que mezcla historia, belicismo, ciencia ficción y superhéroes para contarnos una gran historia, una historia de cómo funcionan las guerras y quiénes son las verdaderas víctimas. Stipan Moria, artista debutante en el mundo del cómic, ilustra este relato con una potencia visual sorprendente. Con un estilo aún no definido (vemos cambios a lo largo de la narración) consigue ilustrar esta violenta historia de una manera impactante.

 

La edición de Astiberri, acorde con la obra: Sillón Orejero, casi 300 páginas a todo color, cantidad de extras al final del tomo y papel satinado por 30€.

Mi recomendación: metedle mano pero ya. 

El caso David Zimmerman, reseña por Jose.

Este pasado verano, nos llegaba de la mano de los amigos de Astiberri El caso David Zimmerman, una historia de misterio con cierto tinte sobrenatural que reúne a los hermanos Harari, ambos muy reconocidos en sus respectivos campos.

David Zimmerman es un fotógrafo de origen judío, solitario, gris y con problemas para relacionarse con la gente que acaba de salir de una larga relación (con Alice).

Su mejor amigo, poco más o menos que le obliga a ir a una fiesta de fin de año para despejarse y relacionarse y para su sorpresa, a la mañana siguiente, amanece en el cuerpo de una mujer en la que se había fijado en la fiesta de la noche anterior y su cuerpo ha desaparecido.

A partir de ese momento, comienza la búsqueda de esa mujer para revertir su situación y volver a su propio cuerpo.

Portada del comic.

Mediante un ritmo muy trabajado, historias secundarias e investigación, los hermanos Harari te acaban llevando al huerto y consiguen un thriller kafkiano con toques de Hitchcock cuyo McGuffin es el cambio de cuerpo de David pero que te acaba atrapando por todo lo que rodea al protagonista, desde las relaciones personales a esa cotidianeidad cargada de extrañeza que rodea la obra. 

La situación en Oriente Medio, uno de los subtemas recurrentes en esta obra.

Gráficamente, el cómic tiene ese toque underground de línea clara que puede tener Jaime Hernández, pero aplicando una paleta de colores que, aunque limitada, sabe captar perfectamente los ambientes de ese París contemporáneo donde se desarrolla la obra y los estados de ánimo de unos personajes que, lejos de confiar en encontrar una solución a sus problemas, son conscientes de que están muy lejos de alcanzarla.

En definitiva: un cómic absorbente, de personajes, un cómic extraño y con un final que puede que no deje satisfecho a todo el mundo pero que recomiendo totalmente.

La edición de Astiberri es estupenda: 360 páginas a color, papel offset de calité y tapa dura por 35€. 

Paul en casa, reseña por Jose.

Primer álbum que leo de la serie Paul del historietista canadiense Michel Rabagliati a pesar de que es el octavo que publica. Ya me habían hablado muy bien de esta serie que lleva publicando desde 2004 y bueno, Astiberri acaba de sacar este Paul en casa así que, ¿por qué no empezar por la última y luego ir leyendo las demás? Y dicho y hecho, acabo de entrar en el universo Paul. 

Importante: si no has leído ninguno de sus álbumes anteriores, puedes disfrutar de este perfectamente, cada historia es independiente y no continua tramas de un álbum a otro.

Portada

Paul es el alter ego, por así decirlo, del autor en esta obra de carácter autobiógrafico (hasta cierto punto). Un slice of life de esos que nos gustan, de los de ver la vida pasar y las rutinas cotidianas. Paul tiene 50 palos, está divorciado, tiene una hija adolescente y un perro, tiene una casa enorme para él solo y no tiene el más mínimo interés (o la capacidad) en rehacer su vida, así que seremos testigos de su cotidianeidad: va al médico porque tiene problemas de sueño, acompaña a su madre en sus visitas la médico también, va a cobrar un cheque...

Pero lejos de ser un cómic triste, Rabagliati le pone el toque de humor a cada tarea diaria y este Paul en casa se convierte en un cómic de esos que te dejan con una sonrisa cuando lo acabas.

El inexorable paso del tiempo.

En cuanto al apartado gráfico, Rabagliati mantiene su línea habitual: línea limpia, fondos detallados y una narrativa maravillosa. Pero sobre todo, lo que me ha encantado es la manera de tratar esta etapa de la vida: el ya no eres joven, los hijos adolescentes o la madre que es mayor. Quienes estamos en esta etapa de la vida nos sentimos bastante identificados y se agradece leer un cómic que trate con tanta naturalidad esta nueva etapa de la vida en la que algun@s estamos entrando.

La edición de Astiberri es en rústica con solapas, un tamaño de 17x24 y papel de calidad para estas 208 páginas en blanco y negro (con tonos grises). Precio: 23€.

Una fracción de segundo, reseña por Jose.

Guy Delisle nunca defrauda y vuelve a demostrarlo con su nuevo trabajo recién publicado por los amigos de Astiberri: Una fracción de segundo. En esta nueva obra, esta vez no autobiográfica, nos cuenta la vida de Eadward Muybridge, pionero de la fotografía y el cine. 

¿Os acordáis de la película Nop, cuando al principio aparecía una animación fotográfica de un caballo en movimiento? Pues Muybridge es el autor y fue el primero en demostrar que durante el galope, hay un instante en el que los caballos tienen las cuatro patas en el aire sin apoyar ninguna. Caballo en movimiento es la primera fotografía en movimiento de la historia y sentaría las bases de lo que es el cine.

 

                                                                    Portada.

 

Muybridge nació en Inglaterra en 1830, con poco más de 20 años, se va a Estados Unidos en busca de fortuna y tras probar suerte (y aburrirse) como librero, se interesa por ese nuevo invento que es la fotografía. Tras aburrirse también de hacer siempre retratos absurdos en interiores, decide coger su equipo y trasladarse a la naturaleza convirtiéndose en el primer fotógrafo paisajista. De esta manera, empieza a adquirir fama y prestigio en el incipiente mundo de la fotografía.

 

                                                    "Caballo en movimiento"

Lelan Stanford, uno de los hombres más ricos del país y gobernador de California, le contrata para que demuestre su teoría de que, durante una fracción de segundo, los caballos no apoyan ninguna pata en el suelo. Tras varios años de investigación y avances científicos y una intensa y ajetreada vida personal, consigue demostrarlo y se convierte en una de los hombres más famosos del mundo. Su fama le precede tanto en Estados Unidos como en Europa: da conferencias, escribe libros y se encuentra con otros grandes personajes de la época que también investigan en su mismo campo: Edison, los hermanos Lumiére y Melies.

 

 

                                           La conocida "Roca de la contemplación"

 

En definitiva: un tebeo maravilloso en el que Delisle nos cuenta con su habitual tono la invención y desarrollo de la fotografía y el cinematógrafo a través de la azarosa y peculiar vida de Muybridge. En este cómic hay amor por el medio, por el cine, la animación (de donde proviene Delisle) y se nota muchísimo. Algo más de 200 páginas llenas de historia, anécdotas y conocimiento que te bebes de una sentada. Otra gran obra del canadiense Guy Delisle.

La edición de Astiberri es en tapa dura, 203 páginas (en su mayoría blanco, negro y sepias) con tapa dura y un precio de 22€. 

Os lo recomiendo muchísimo.

Nocturnos. Reseña por Jose.

Si el descubrimiento de Laura Pérez con Tótem fue una maravillosa sorpresa, aquí la reseña, este Nocturnos no ha hecho más que confirmar que es una de las mejores autoras del panorama comiquero actual. La capacidad para crear ambientes me parece asombrosa y en esta nueva obra, lo consigue más aún si cabe que en Tótem.

                                                                Portada del cómic.

La noche como lugar, el lugar donde habitan todas las criaturas y cómo se relacionan con ella. Hay criaturas nocturnas que han conquistado ese espacio pero no así el ser humano. La noche nos aterra, un miedo atávico al que intentamos ganarle la batalla en las ciudades, ecosistemas nocturnos donde la luz nos hace fuertes y aun así, deseamos que llegue el amanecer para sentirnos seguros bajo el abrazo del sol.

                                                          Criaturas nocturnas.

En Nocturnos, varias historias nos cuentan cómo vivimos la noche, otra vez con el estilo de la autora en un cómic más de silencios que de diálogos, con paisajes humanos, urbanos y rurales y siempre con una atmósfera oscura y tensa. Un maravilloso mosaico nocturno donde cada postal es una reflexión sobre nuestra relación con la noche, en soledad o en compañía.

Más que contar historias cerradas, el cómic propone sensaciones. Las escenas arrancan en situaciones reconocibles/ una casa, un viaje, una conversación y, casi sin que te des cuenta, se deslizan hacia lo inquietante. Como en un sueño, todo parece tener sentido… hasta que deja de tenerlo.

En lo visual es donde la obra alcanza incluso más fuerza. La paleta de colores apagados y el uso de sombras generan una atmósfera constante de extrañeza, haciendo que cada página se sienta más como un estado de ánimo que como una narración tradicional.

Laura Pérez siempre me recordará a mi adorado Hopper. Sencillez y elegancia, la reina de las sombras.

La edición de Astiberri acompaña: tapa dura para estas 192 páginas de maravilla en papel offset por 21€. 

Una recomendación: leedla de noche.

Territorio. Reseña por Jose.

Vuelve el prolífico David Muñoz con nueva obra tras Monstruo e Infectado, ambas publicadas también con Astiberri, aunque algunos lo conocimos con La casa de los susurros o Trackers (ambas publicadas por Yermo) y dibujadas por nuestro querido Tirso Cons. Esta vez viene acompañado al dibujo por un grandísimo Miguel Robledo en este proyecto que ha tardado varios años en completarse y ver la luz.

El argumento es sencillo: la humanidad acaba de ganar una guerra contra una raza alienígena que pretendía invadir nuestro planeta y como represalia hemos acabado  colonizando el suyo. Cifi bélica clásica muy al estilo Hadelman, Niven o el más moderno John Scalzi y su saga de La vieja guardia.

En mitad de la guerra de guerrillas local organizada contra la humanidad (los ahora invasores), llega un nuevo reemplazo de soldados al planeta alienígena, y entre ellos, Castro, el que fuera cabecilla de un grupo de chavales que hacía bullying a Noguera, protagonista de la historia y que es ahora su superior.

                                        Portada de Territorio, publicado por Astiberri.

De entrada, la trama de cifi bélica clásica ya me tenía ganado, soy muy fan de este tipo de literatura y francamente, me parece muy bien llevada y con todos los tropos del género incluyendo esos claroscuros que dejan a la interpretación lo que realmente ocurrió (recordemos esos giros de guion en La vieja guardia de Scalzi o La guerra interminable de Hadelman). Pero lo que realmente te acaba dando escalofríos es la trama del bullying y sus ramificaciones y consecuencias en el presente de esa colonización planetaria que está llevando a cabo el ejército terrestre: algo completamente inesperado, al menos para mí y que hace de este cómic un gran cómic. Noguera es un gran personaje con todo tipo de dobleces y David Muñoz ha sabido exactamente cómo buscarnos las cosquillas a través de sus acciones. Creo que ha sabido ahondar e ir más allá en la ¿maldad? humana no solo a nivel individual sino como colectivo y hacernos ver cómo las personas cambiamos y evolucionamos, algunas para mejor y otras para peor, y dentro de esa evolución: ¿Qué parte de "culpa" tienen las circunstancias que nos rodean y los traumas infantiles? ¿Podemos elegir ser como somos?

                                              El ejército terrestre en plena acción

En el apartado artístico voy a destacar la labor de Miguel Robledo, artista autodidacta que es director de arte en Aira Editorial y que ha trabajado en diferentes proyectos audiovisuales y animación y este es su primer cómic en español.

Su estilo me recuerda a Mazzuchelli, Alex Nieto o Jorge Fornés. Hace un grandísimo trabajo de ambientación y nos muestra una narrativa fantástica en un cómic que tiene pocas líneas de diálogo pero que podemos seguir perfectamente a través de las viñetas de Miguel. ¡Quiero más comics suyos!

Por ponerle alguna pega: se hace corto, creo que hubiera ganado con algunas páginas más   que le hubieran venido bien al desarrollo de las tramas secundarias.

La edición de Astiberri, en su línea de calidad: tapa dura y 22 x 29.5 cm para estas 136 páginas a color a un precio de 24€. 

Los evaporados. Reseña por Jose.

Cada año, desaparecen en Japón 80.000 personas de manera voluntaria: los evaporados. Johatsu. Son personas que por diversos motivos deciden abandonar su vida, marcharse a otra ciudad y comenzar una nueva vida bajo una identidad falsa. Nadie los busca. Son decisiones tomadas voluntariamente por un adulto.

 

                                        Portada de la estupenda edición de Astiberri.

 

A medio camino entre el manga y el europeo, el autor francojaponés Isao Moutte (Clapas, Ponent Mon) nos trae esta estupenda adaptación de la novela homónima de Thomas B. Reverdy en la que, con el desastre de Fukushima como telón de fondo, somos testigos de la decisión de Kaze, un oficinista modélico, de "evaporarse". En su nueva vida, se cruzará con Akainu, un chico huérfano superviviente del Tsunami que malvive en las calles de Tokio. Mientras tanto, la hija de Kaze, que vive en Francia, volverá a Japón para intentar, junto con su madre, dar con el paradero de su padre desaparecido.

            Empresas de mudanza clandestinas que trabajan por la noche. Muy convenientes.

 

A medio camino entre el drama y el thriller, el cómic va desarrollándose de manera pausada adentrándose cada vez más en las historias de sus protagonistas y qué les llevó a tomar sus decisiones, además de ir añadiendo todo un elenco de secundarios que acaban convirtiendo este cómic en una gran historia. Un retrato sociológico muy certero de la sociedad japonesa en el que el deshonor, la vergüenza, los chanchullos inmobiliarios e incluso la yakuza tienen su papel.

La narrativa y el dibujo de Moutte son extraordinarios, un cómic más de silencios que de diálogos, de paisajes urbanos y humanos en esta historia que te atrapa desde el principio y que no puedes parar de leer hasta que termina y que recomiendo totalmente.

                                            Impresionante trabajo gráfico de Moutte.

 

La edición de Astiberri, magnífica, como de costumbre. 160 páginas en tapa dura por 22€.

¡Por Tutatis! Reseña por Jose.

¡Menuda maravilla lo que ha hecho Trondheim en este álbum homenaje/parodia a Astérix! Vuelve Trondheim, vuelve Lapinot, vuelve el humor inteligente pero también el macarreo y la crítica a la sociedad actual. Lewis Trondheim, gran admirador de Goscinny y Uderzo, traslada a su héroe a la irreductible aldea gala creada por Goscinny y Uderzo a finales de los 50 y que no está muy claro si está en La Bretaña o en Normandía.

Trondheim juega con los códigos habituales de la serie para ofrecer una reinterpretación un pelín más violenta e irónica. Aborda temas como la violencia, que sería muy diferente en la vida real si la poción mágica estuviera en manos de los humanos, la sociedad capitalista o la religión.

                                                      Portada de la edición de Astiberri

Lapinot se despierta en mitad del bosque y lo primero que ve al abrir los ojos es al mismísimo Obélix llamándolo a gritos. Nuestro protagonista es incapaz de creerse nada de lo que está pasando hasta que pega un par de sorbos de poción y se lía a tortas con unos romanos: sí, de alguna manera ha sido transportado a la aldea de los irreductibles galos 

Después del shock inicial y de descubrir que aquí los romanos quedan reducidos a pulpa si les atizas fuerte bajo los efectos de la poción, la cosa se complica aún más cuando el mismísimo Tutatis aparece por la aldea en busca de la fórmula de la poción tratando de engatusar a Panoramix para que se la enseñe.

Trondheim continúa introduciendo a su personaje en todo tipo de universos (recordemos que ya lo hizo con Spirou hace ya una pila de años) y situaciones y, en este álbum, usa el choque de universos para hacer una crítica e ironizar sobre nuestra sociedad sin caer en los típicos tópicos pero sobre todo siendo absolutamente respetuoso con la obra de Goscinny y Uderzo y sin olvidar el santo y seña de su personaje: animales antropomórficos, situaciones absurdas, aventura y por supuesto, a Richard.

                                                                 ¡Por Tutatis!

Una vez más, Trondheim vuelve a marcarse un cómic genial, se la ha jugado metiendo a Lapinot en el universo Asterix y, en mi opinión, ha salido victorioso pero lo que es más importante: va a conseguir acercar su personaje a un público más amplio ya que este álbum puede leerse de manera independiente y Astérix es un auténtico icono de la cultura popular.

Astiberri nos trae este cómic en tapa dura y tamaño europeo al módico precio de 15€ y si queréis mi opinión y no conocéis ya a Trondheim por La mazmorra o anteriores aventuras de Lapinot, haceos con este tebeo porque es una joyita.

La guerra de los mundos. Reseña por Jose.

Santiago García y Javier Olivares lo vuelven a hacer en esta segunda adaptación literaria tras Jekyll y Hyde. Partiendo del clásico La guerra de los mundos de H. G. Wells, tantas veces adaptado ya, el dúo dinámico del cómic español consigue hacer una adaptación fresca, novedosa e inesperada haciendo algo tan sencillo (y a la vez tan complicado) como darle la vuelta al argumento.

                                                 Portada de la edición de Astiberri

Este recurso, resuelto de forma brillantísima, les sirve a los autores para tocar temas tan de actualidad como el racismo, la integración en una sociedad distinta de inmigrantes (inmigrantes colonizados previamente), la política o la intolerancia con ecos del ya ¿extinto? trumpismo y ese asalto al capitolio estadounidense.

Parece mentira que en tan solo 56 páginas se pueda contar tanto y tan bien y una vez más volvemos a certificar que la ciencia ficción es uno de los mejores vehículos para tocar los temas mencionados previamente. 
Y una vez más, Olivares hace un trabajo sublime dentro de su estilo cercano al expresionismo y en esta caso en concreto con tintes picassianos, para ilustrar esta obra que por momentos nos va a recordar al Guernica.

                                            La maravilla gráfica que hace Olivares

56 páginas en tapa dura con varias páginas de extras que abundan en el desarrollo gráfico de la obra y un texto introductorio de Santiago García. Una edición magnífica (como practicamente todas las de Astiberri) y a un precio de solo 15 euritos.

El extraño caso del Doctor Jekyll y Mister Hyde. Reseña por Jose.

Astiberri reedita el clásico de Robert Louis Stevenson que ya adaptaran allá por 2009 el dúo dinámico español: Santiago García y Javier Olivares. En esta nueva edición, nos encontramos 8 páginas de extras (¡de los que nos gustan!) y un formato más grande que nos permite disfrutar en todo su esplendor del trabajo de Javier Olivares.

                                                 Portada de la edición de Astiberri

En esta interpretación, la multipremiada pareja digamos que pule, da esplendor y devuelve a sus orígenes a esta historia de conflicto interior y lucha con el monstruo que todos llevamos dentro y ojo con el estilo tan peculiar y expresionista de Olivares, menuda maravilla de páginas que se marca en este cómic, que por cierto llevaba tiempo descatalogado y que hay que agradecer a Astiberri que nos lo devuelva a las estanterías.

                                          El Doctor Hyde con su nuevo Cheminova

Una vez más, al menos por mi parte, cómic que hagan García y Olivares, cómic que se viene para casa. Si eres fan de la obra original, vas a disfrutar del arte de Olivares y si no la conoces, no dudes en lanzarte de cabeza a por esta maravilla ya de paso, llévate Las Meninas y La cólera, también publicados por Astiberri, ambos de los mismos autores y ambos premiados. 

Como siempre, edición impecable de Astiberri: tapa dura, formato más grande y extras por 14 euritos.

Conoce a Guy Delisle. Por Jose.

Guy Delisle es un historietista canadiense que, a pesar de haber trabajado durante años en diferentes estudios de animación, se ha hecho famoso gracias a sus novelas gráficas.

Su mujer es miembro de Médicos sin fronteras y suele acompañarla allá donde la destinan. De esos viajes es de donde han nacido algunas de sus mejores obras: Crónicas de Jerusalén, Pyong Yang o Crónicas Birmanas, reportajes tragicómicos de su experiencia en esos lugares en los que nos narra la vida cotidiana y los constantes malentendidos y situaciones absurdas en las que, a menudo, se ve envuelto.

Sin olvidarme del resto de sus obras (Shenzen o la divertidísima serie Guía del mal padre, por citar algunas), diría que Crónicas de Jerusalén es su mejor trabajo o, al menos, el que más me gusta a mí y que considero más acertado para acercarnos a su mundo. Con una gran dosis de humor y desde su visión personal, Delisle nos muestra  la realidad cotidiana del conflicto árabe-israelí que asola Palestina desde hace décadas y, a modo de denuncia, nos hace partícipes de lo absurdo y lo trágico de muchas situaciones que viven en su día a día los habitantes de Jerusalén, epicentro del conflicto.

 

Su última obra, Crónicas de juventud, es también la más personal. De manera divertida e íntima, Delisle nos narra los veranos que estuvo trabajando en la fábrica de papel de Quebec, en la que su padre era empleado, antes de comenzar sus estudios superiores y dedicarse al mundo de la animación y la historieta. Seremos testigos de la relación con su padre y el fin de la adolescencia de una manera fresca y con el inconfundible estilo narrativo del autor.

Guy Delisle, un autor a seguir y del que siempre espero con ganas su próxima obra que, aquí en nuestro país, nos trae la editorial Astiberri.

Tótem. Reseña por Jose.

Vaya gozada descrubrir a Laura Pérez y descubrirla además con Tótem. Lo malo es que hacer una reseña de este cómic va a ser complicao.

Laura es una ilustradora e historietista valenciana que empezó en esto ilustrando diferentes fanzines y que ya en 2015 comienza a recibir premios por su trabajo. Tótem, de hecho, se encuentra en casi todas las listas de mejores cómics de 2021.

                                           Portada de la exquisita edición de Astiberri.

Y vamos allá: en Tótem nos vamos a encontrar una encrucijada de historias en diferentes planos temporales, físicos y espirituales vertebradas a través del viaje en coche de dos amigas por el desierto de Arizona. Vamos a saltar del presente al pasado y de lo físico a lo espiritual en diferentes historias y en diferentes lugares: EEUU, España, Japón... Ya os voy diciendo que no es una obra que se pueda diseccionar, es una obra para dejarse llevar, para sumergirte en ella a través de sus paisajes solitarios e infinitos, de sus diálogos y sobre todo, sus silencios. Es una obra para disfrutarla y para encontrarle tu propio significado.

                                                            Paisajes y silencios...

Dicho esto, voy con el apartado artístico. Laura Pérez me recuerda (sobre todo en el uso del color) a Hopper o a mi adorado William Wray, lo cual es un auténtico plus. Tonos cálidos y colores planos que retratan paisajes y personajes solitarios. Una gozada. 

Una obra para zambullirte en ella, disfrutarla, disfrutar del arte de Laura Pérez y dejarte llevar por las diferentes historias en una suerte de Mulholland Drive comiquero.

                                                                    Sigarrito.

La edición de Astiberri es una auténtica maravilla. Un diseño exquisito tanto en los materiales como en las ilustraciones elegidas y por solo 20€. Un comic excelente que merece la pena tanto por el contenido como por el continente. No os lo penséis más e id a por él.