The Witcher: Los cómics clásicos, por Juanjo

Los fans de Geraldo el magias estamos de enhorabuena, por fin nos llegan los comics clásicos de nuestro brujo favorito de la mano de Norma Editorial.

Digo que estamos de enhorabuena porque la situación editorial de Witcher en nuestro país es complicada en lo que a las novelas se refiere: hace muchos años que no se realiza una reedición de sus obras, conflictos de derechos mediante, que esperamos se resuelvan pronto y se respete el trabajo magnifico de Jose María Faraldo en la traducción. 

Portada del volumen recopilatorio de Norma.

Centrándonos en el comic, encontramos las historias clásicas del primer libro del Witcher: El último deseo, con énfasis en el origen de Geralt y sus vínculos más cercanos. Encontramos adaptaciones de las historias Camino sin retorno, Geralt, El mal menor, El último deseo y Las fronteras de lo posible, así como el relato original Traición; este último creado a partir de una idea original de Sapkowski y el guionista Maciej Parowskiel. El volumen también incluye una introducción de este último muy interesante sobre la situación editorial del momento de la creación de estos cómics a principios de los 90 en Polonia tras la época comunista y un epílogo del traductor oficial de toda la saga literaria: José María Faraldo.

Es muy interesante ver como el dibujo de Bogusław Polch nos mete de lleno en el mundo del brujo, pues fue el primer dibujante en imaginar y plasmar el universo literario de Andrzej Sapkowski, más meritorio aún si tenemos en cuenta que solo se había publicado en ese momento el primer libro de la saga.

Tremendos flequillazos del brujero.

El dibujo tiene ese tono clásico, pero a la vez mezclado con técnicas muy vanguardistas, recordando a obras como Den, del maestro Corben, o Thorgal. Creo firmemente que los fans de los comics clásicos de fantasía lo van a disfrutar. Si Conan o Thorgal están en tu lista, sin duda te vas a gozar estas historias de Geralt. 

En el guion no hay mucha ciencia, pues sumando esta historia exclusiva, el resto son relatos directamente plasmados del libro, con una fidelidad maravillosa y que los fans van a disfrutar sin duda.

Norma publica también los comics del Witcher de Dark Horse, pero temporalmente en la historia están mucho más adelantados, pues la mayoría ocurren durante o después de los acontecimientos de los 3 videojuegos que existen y cuya historia comienza al terminar la saga literaria.

¿El mejor videojuego de la saga?

Sin duda, este tomo es magnífico si alguien quiere adentrarse en el mundo del brujo, vamos a conocer sus orígenes y su universo y dejarlo todo encaminado por si en un futuro cercano podemos contar de nuevo con la saga literaria completa.

Os dejamos el enlace al programa donde comentamos más extensamente este volumen de Norma y la polémica con los derechos: TDT Splash 2026

La edición que nos trae Norma de estos cómic originales nos llega en tapa dura, papel de alto gramaje para las 296 páginas de contenido del volumen, un tamaño de 17 x 26 cm y un precio de 39,50€

Corto Maltés: el día antes, reseña por Jose.

Con El día antes, Martin Quenehen y Bastien Vivès cierran la trilogía iniciada con Océano negro y continuada en La reina de Babilonia, un proyecto ambicioso y arriesgado: trasladar a Corto Maltés al siglo XXI manteniéndolo reconocible, respetando los códigos del personaje pero a la vez, haciendo algo diferente. Su propuesta prescinde de la nostalgia como motor de esta reinterpretación y apuesta por demostrar que el personaje creado por Hugo Pratt sigue siendo capaz de recorrer un mundo convulso, aunque ese mundo ya no esté marcado por los imperios coloniales y las guerras del primer tercio del siglo XX, sino por la globalización, la crisis climática, el terrorismo y las nuevas formas de crimen organizado. 

Ni que decir tiene que la propuesta no ha dejado indiferente a los fans del marino maltés y ha polarizado las posturas. Aquí en TDT nos ha encantado esta nueva visión que nos ofrece la dupla de autores franceses y estábamos deseando leer el tercer volumen que acaba de llegar a librerías de la mano, como siempre, de norma Editorial.

Portada del cómic.

En esta tercera y última entrega, Corto viaja (de manera bastante inesperada) hasta Tuvalu, un archipiélago polinesio amenazado por la subida del nivel del mar, para rescatar a una vieja amiga. En el camino se cruza con una abogada ambientalista, una agente antiterrorista y un piloto, viejo amigo de Corto que es un adicto a las drogas; en una aventura donde las tríadas chinas, la geopolítica y el cambio climático sustituyen a las conspiraciones coloniales y los conflictos bélicos de las historias clásicas de Pratt. Quenehen convierte el calentamiento global en el telón de fondo de la narración, no tanto como un discurso militante (que igual un poquito también) sino como el nuevo escenario donde se desarrolla la aventura contemporánea.

Más allá de su lectura como reflexión/denuncia sobre el mundo actual, El día antes funciona sobre todo como un relato de aventuras. Quenehen construye una trama en constante movimiento: persecuciones, infiltraciones, traiciones y cambios de escenario que mantienen un ritmo ágil de principio a fin. Corto se ve envuelto en una compleja red de intereses donde convergen organizaciones criminales, agentes de inteligencia, activistas medioambientales y personajes con motivaciones ocultas. Como en las mejores historias del personaje, el bueno de Corto parece avanzar más por intuición y suerte que por un plan preconcebido, dejándose arrastrar por los acontecimientos y encontrando en cada encuentro una nueva pieza del puzle.

El reparto secundario así como las diferentes localizaciones juegan un papel fundamental en la historia. La abogada comprometida con la defensa de Tuvalu aporta la dimensión humana del conflicto ecológico, la agente antiterrorista introduce una tensión constante entre la legalidad y las zonas grises en las que siempre se ha movido Corto, si les sumamos un piloto yonki y un buen grupo de mercenarios, mafiosos y colaboradores ocasionales a una narración donde las lealtades cambian a la vuelta de la página y nadie parece actuar movido por un único interés, queda un reparto de lo más completo; además los clásicos lugares exóticos entendidos como espacios por descubrir (en el Corto de Pratt) ahora son territorios atravesados por problemas globales muy lejos del romanticismo que impregna la obra del autor veneciano: el ascenso del nivel del mar, las disputas geopolíticas en el Indo-Pacífico, las redes internacionales del crimen organizado y los intereses económicos que condicionan la política internacional. 

La aventura mantiene cierto sabor clásico pero se nutre de conflictos plenamente actuales y las aventuras de Corto se inclinan más hacia el thriller de acción que a los relatos de exploración y aventuras de finales del XIX y principios del XX.

Amistades peligrosas.

En ese aspecto, La comparación con el Corto Maltés de Hugo Pratt resulta inevitable: Pratt concebía sus historias con un marcado equilibrio entre aventura, literatura, historia y mito (siendo en mi opinión La fábula de Venecia el álbum más equilibrado). Sus relatos estaban llenos de silencios, simbolismo y encuentros con personajes históricos o legendarios, envueltos en una atmósfera casi onírica, sobre todo en los últimos álbumes, donde importaba  el viaje físico pero sobre todo, el espiritual. El lector debía aceptar que la frontera entre la realidad y la fantasía era siempre difusa.

Quenehen y Vivès, en cambio, optan por un enfoque más directo y cinematográfico. Su Corto es más físico, más inmediato y menos contemplativo. La acción tiene un mayor peso y los conflictos políticos aparecen de manera explícita. El misterio y la dimensión esotérica, tan características de Pratt, quedan relegados a un segundo plano en este tercer álbum en favor del thriller de aventuras. Es un cambio de sensibilidad que puede no gustar a quienes buscan la poesía narrativa del autor italiano, pero que acerca el personaje a lectores contemporáneos acostumbrados a un ritmo más dinámico.

El apartado gráfico de Bastien Vivès contribuye y mucho a esa modernización. Su dibujo mantiene una economía de línea que, de algún modo, homenajea la síntesis gráfica de Pratt, sobre todo en su última época, pero incorpora una narrativa visual mucho más cinematográfica y fluida. El resultado conserva la elegancia minimalista sin caer en la copia.

También merece destacarse el trabajo de Martin Quenehen. Historiador de formación (se nota) y escritor antes que guionista de cómics, demuestra mucho interés por situar las aventuras dentro de problemáticas geopolíticas reales. Sus guiones conectan la tradición aventurera con problemas contemporáneos sin perder de vista el entretenimiento, consiguiendo así una narración adaptada a los tiempos sin perder de vista el espíritu de la obra original. 

El Corto de Vivès.

Como cierre de trilogía, El día antes confirma que la reinterpretación de Quenehen y Vivès nunca pretendió competir con la obra de Hugo Pratt, sino ofrecer una lectura alternativa del personaje; es un cierre sólido para esta serie de tres álbumes que ha sabido actualizar a uno de los grandes iconos del cómic europeo sin traicionar su identidad.

Norma Editorial publica este tercer volumen en una cuidada edición en tapa dura, con un formato de 19 × 28 cm, papel satinado de alto gramaje y un total de 176 páginas, que incluyen un interesante apartado de extras. Todo ello por un precio de 28 €, en una edición que mantiene la calidad y la uniformidad de los dos álbumes anteriores de esta nueva etapa de Corto Maltés.

Ulises y Cyrano, reseña por Jose

Este pasado mes de abril, nos llegaba desde Norma Editorial uno de los cómics más premiados en Francia de 2024: Ulises y Cyrano, uno de esos cómics que, al igual que Los buenos veranos son para disfrutarlos, saborearlos y reconciliarte con la vida. Un tebeo maravilloso.

La cocina, el amor por el oficio y la búsqueda de tu identidad son los ingredientes principales de este magnífico cómic firmado por Xavier Dorison, Antoine Cristau y el dibujante Stéphane Servain. Tridente de lujo para este comicazo.

 

Portada del cómic.

 

La historia, ambientada en la Francia de los 50, sigue a Ulises Ducerf, un chaval cuyo futuro está decidido desde su nacimiento: heredar la empresa cementera familiar. Sin embargo, el destino, como suele ser habitual, tiene la mala costumbre de ignorar los planes empresariales de los padres, y un traslado a la localidad de Les Maranges (debido a un escándalo digamos, político, relacionado con su padre y la empresa) pondrá en su camino a Cyrano, un ex chef muy temperamental que estaba destinado a ser el mejor cocinero de Francia: brillante, volcánico y con un carácter capaz de hacer llorar a las cebollas. Lo que comienza como un encuentro casual termina convirtiéndose en una historia de aprendizaje, pasión y descubrimiento personal. 

 

Uno de los grandes temas del cómic es la vocación. Ulises y Cyrano habla de esa lucha entre lo que se espera (esperan) de nosotros y lo que realmente deseamos ser. Ulises representa a cualquiera que haya sentido el peso de una herencia familiar o de unas expectativas ajenas. Cyrano, por su parte, encarna la excelencia, el sacrificio y la idea de que el talento, por sí solo, no sirve de mucho si no se acompaña de trabajo. La relación entre ambos funciona como una especie de mentor y discípulo, aunque en ocasiones parece más una combinación entre maestro zen y sargento de hierro culinario. 

 

Otro de los aspectos más interesantes de Ulises y Cyrano es el papel que juega la cocina dentro de la historia. No aparece simplemente como un escenario o una profesión, sino como un auténtico lenguaje a través del cual los personajes expresan quiénes son. Algo parecido a lo que comentábamos en Sabores únicos, de Ram V y Filipe Andrade. La cocina se convierte en una forma de entender el mundo, una disciplina que exige creatividad, sacrificio, paciencia y una búsqueda constante de la excelencia. Cada plato preparado por Cyrano refleja su personalidad, mientras que para Ulises supone una puerta hacia el descubrimiento de sí mismo y de lo que quiere hacer con su vida. 

Y sí, lo digo claramente y no me escondo: leer Ulises y Cyrano te da hambre. Mucha hambre. No importa si acabas de desayunar, comer o cenar; vas a llegar a esa página y vas a tener que parar de leer y de asaltar la nevera. Uno termina admirando la evolución de los personajes mientras piensa en reservar mesa en un restaurante. 

 

Donde ocurre la magia.

 

La obra también plantea una reflexión sobre qué es el éxito. En un mundo obsesionado con los resultados inmediatos, Ulises y Cyrano reivindica la paciencia, el aprendizaje constante y el orgullo (y la satisfacción, venga va) de hacer bien las cosas. No se trata únicamente de cocinar; se trata de encontrar lo que da sentido a nuestra vida y dedicarle tiempo, esfuerzo, ganas y corazón. Puede sonar solemne, pero este cómic consigue transmitirlo sin caer en discursos grandilocuentes ni en frases de taza de desayuno.

 

Visualmente, Stéphane Servain realiza un trabajo espectacular. Sus páginas transmiten tanto la belleza de los paisajes franceses como la intensidad de las cocinas profesionales y las que no lo son tanto (por momentos me ha venido a la cabeza The Bear) Hay escenas en las que prácticamente se puede oler la mantequilla derritiéndose o escuchar el ruido de los cuchillos sobre la tabla y páginas como la del "bautismo" que son una auténtica barbaridad de composición, expresividad y color.

Xavier Dorison vuelve a demostrar por qué es uno de los guionistas más reputados del cómic europeo. Obras como Undertaker o El castillo de los animales ya habían mostrado su capacidad para combinar entretenimiento y profundidad. Aquí, junto a Antoine Cristau, construye un relato mucho más íntimo y emocional, donde los silencios son tan importantes como los diálogos.

 

En definitiva, Ulises y Cyrano es una de esas lecturas que dejan buen sabor de boca (pun intended) mucho después de cerrar el álbum. Habla de la amistad, del aprendizaje, del orgullo por el trabajo bien hecho y de la necesidad de perseguir aquello que nos hace felices. Un cómic cálido, inteligente, humano y por qué no decirlo: precioso, que demuestra que, a veces, las mejores aventuras no consisten en salvar el mundo, sino en descubrir quién eres realmente. Y, de paso, aprender a preparar un puchero e intentar que te salga mejor que el de tu abuela. Misión Imposible. 

 

La edición de Norma es espectacular con un tamaño de 24,4 x 33,2 cm, tapa dura y un acabado que parece tela, el papel de las 172 páginas es offset de alto gramaje y con un color hueso que le va que ni pintado, además, a mode de extras, varias de las recetas que aparecen en el cómic. Precio: 38€.

1629, reseña por Jose

1629... o la horrible historia de los náufragos del Yakarta, recién publicado por Norma Editorial, es un impresionante thriller histórico y psicológico con guion de Xavier Dorison (Long John Silver, Undertaker, El castillo de los animales) y dibujo de Thimothée Montaigne (El tercer testamento). La obra relata magistralmente y con un nivel de detalle brutal (tanto en en el guion como en el apartado gráfico) el motín, naufragio y los macabros asesinatos reales ocurridos en el barco Batavia, nombre real del navío en el que se basa esta historia. Un imprescindible del pasado mes de abril. 

Portada del primer volumen.

Publicado originalmente en Francia en dos volúmenes por la editorial Glénat, este díptico propone una inmersión absorbente en una de las historias más perturbadoras y salvajes de la navegación moderna.

La obra nos traslada a 1629, en pleno auge de la expansión de la Compañía Neerlandesa de las Indias Orientales (VOC), una de las corporaciones más poderosas de su tiempo, solo comparable a su homóloga británica. A bordo del navío Yakarta, nombre adoptado en la obra para el histórico Batavia, denominación neerlandesa de la ciudad fundada por los holandeses en 1619 en la actual Indonesia, viajan oro, diamantes y una tripulación reclutada en gran parte de los bajos fondos de Ámsterdam junto a unas 250 personas más en busca de fortuna al otro lado del mundo. Un caldo de cultivo perfecto para el desastre.

Desde sus primeras páginas, Dorison plantea el viaje como un auténtico “barril de pólvora”, donde las tensiones de clase, la ambición desmedida y la violencia contenida laten bajo cubierta. El cómic se inspira en un episodio histórico bien documentado: el naufragio del Batavia en 1629. Este suceso ha pasado a la historia por la brutal combinación de desastre marítimo, motín y la posterior masacre entre los supervivientes, convirtiéndose en uno de los capítulos más oscuros y estremecedores de la historia naval. 

 

Impresionante doble página de Montaigne.

 

El desarrollo de personajes por parte de Dorison es magnífico. Huye de maniqueísmos y los protagonistas se mueven en una gran escala de grises. En la obra, construye la tensión página a página imprimiéndole una atmósfera claustrofóbica aprovechando que esta primera parte de la historia transcurrre enteramente a bordo del Yakarta. 

Y como no quiero hacer spoilers (a pesar de ser un suceso que ocurrió hace 400 años) voy a comentar el apartado gráfico: el arte de Montaigne es, como cabía esperar, excepcional. Desde la inmensidad azul del mar a la caracterización de personajes, la parte artística no baja del sobresaliente. Una auténtica gozada visual.

 

Y si la historia es tremenda y el dibujo espectacular, la edición de Norma es una preciosidad: cartoné con detalles dorados en la cubierta, un tamaño de 24,5 x 33,2 cm, papel satinado de alto gramaje, una cinta roja marcapáginas y una impresión en la que el detallado dibujo de Montaigne y los colores lucen increíbles. Además, extras: mapas de las rutas marítimas de la época, un texto de Dorison y un corte transversal del Batavia para situarnos a un precio de 35€. 

Deseando que Norma saque ya el segundo volumen. 

La increíble historia del dinero, reseña por Jose

Benoist Simmat vuelve a la carga con una nueva entrega de su ya reconocible colección de divulgación en viñetas, las “Increíbles historias”. Tras el éxito de La increíble historia de la cerveza, una de mis lecturas favoritas de 2025, cuya reseña podéis leer aquí: La increíble historia del dinero, el autor francés amplía su mirada y se adentra en un tema tan cotidiano como complejo: el dinero. Para ello, une fuerzas con el también galo Tristan Garnier, dando forma a La increíble historia del dinero, un cómic que recorre de manera amena pero rigurosa y visualmente atractiva la evolución de uno de los grandes motores de la humanidad.

Desde los primeros intercambios basados en el trueque hasta la abstracción casi total del dinero digital y las criptomonedas, la obra propone un viaje accesible y muy bien documentado por los hitos económicos que han marcado nuestra historia. Con un tono didáctico, salpicado de humor y apoyado en un estupendo apartado gráfico, Simmat y Garnier consiguen transformar conceptos que a menudo resultan áridos en una lectura dinámica y entretenida. El resultado es un cómic divulgativo que no solo informa, sino que también invita a reflexionar sobre nuestra relación con el dinero y su impacto en la sociedad actual.

Portada del cómic.

Si el dinero no da la felicidad (afirmación que considero totalmente falsa), al menos da para un cómic de lo más entretenido. Y eso es exactamente lo que consiguen Benoist Simmat y Tristan Garnier con La increíble historia del dinero.

De las cabras a las bitcoins, el cómic plantea un recorrido cronológico (¡de más de 40,000 años!) por la historia del dinero, empezando por el trueque hasta llegar a conceptos mucho más etéreos y complejos como la especulación financiera o las criptomonedas. 

Por el camino, vamos a ver la invención de la moneda y del papel moneda, el nacimiento de los banco, las crisis económicas (que nadie vio venir, claro), el capitalismo moderno o el dinero digital y cómo un sistema tan frágil va a acabar pegándose un buen jardazo (como decimos en mi tierra.

Bitcoins.

 

El apartado gráfico de Garnier es clave. Con un estilo caricaturesco, dinámico y lleno de pequeños gags visuales ayuda a que conceptos que en otro formato podrían resultar soporíferos entren perfectamente. Aquí no hay gráficos aburridos ni párrafos interminables: hay personajes exagerados, situaciones absurdas y metáforas visuales que funcionan de lujo, la verdad. 

Y algo muy importante: a pesar del carácter divulgativo de este cómic, tiene unas dosis de humor altísimas y no se corta un pelo a la hora de lanzar pullas y criticar al sistema, lo cual, es muy de agradecer.

 

Norma Editorial nos trae este cómic en cartoné. 216 páginas con un tmaño de 19 x 26 cm y papel offset de calité ccon un precio de 35€. 

Jugando a bolos con cadáveres y otras historias extrañas en tierras desconocidas, reseña por Jose

Jugando a bolos con cadáveres y otras historias extrañas en tierras desconocidas es la mejor noticia del panorama comiquero de 2026 hasta la fecha: marca el regreso de Mike Mignola, el legendario creador de Hellboy, como autor completo. No se trata de una historia más del Universo Hellboy, sino del primer volumen de un nuevo mundo narrativo bautizado como "Tierras desconocidas".

Este volumen, publicado el pasado marzo por Norma Editorial en nuestro país, es una antología de relatos fantásticos inspirados en el folclore y cuentos populares, escritos y dibujados íntegramente por Mignola, con color de Dave Stewart y rotulación de Clem Robins.

Portada del volumen recopilatorio.

Como siempre que hablamos de una obra de Mignola, lo que más destaca de este libro es su tono: cada historia se percibe como una fábula antigua o una leyenda, el tono mezcla lo siniestro con lo fantástico y lo folclórico, y todas ellas existen en el mismo universo de mitos y criaturas extrañas: las Tierras Desconocidas. 

El relato que da nombre al volumen, Jugando a bolos con cadáveres, comienza con un joven que, en su búsqueda de fortuna, se encuentra con, sí, cadáveres dispuestos a jugar a los bolos. Esta escena tan inusual es una muestra perfecta del Mignolismo: lo grotesco y lo caprichoso conviven con una lógica casi oral, como si cada viñeta hubiera sido narrada al calor de una fogata siglos atrás. Y por supuesto: el toque de humor negro, que no falte.

A lo largo de las historias hay reyes, fantasmas, pactos con el diablo, criaturas imposibles, dioses olvidados y seres que no mueren, todo ello presentado con la mezcla de misterio y encanto de los cuentos populares. No hay una trama lineal que ate todos los relatos (aunque algunos personajes repite) pero cada pieza funciona como un fragmento de ese mundo más grande que son las Tierras  Desconocidas. 

Jugando a los bolos con cadáveres. Literalmente.

Visualmente, el libro es un deleite para los seguidores del estilo de Mignola: sus líneas minimalistas y claroscuros (marca de la casa) junto con los colores de Stewart que realzan sombras y tonos terrosos, crean una atmósfera única y evocadora que complementa la narrativa con la misma fuerza que el guion; y es que, no sé vosotr@s pero en TDT estábamos deseando que Mignola volviera a coger los lápices para ilustrar sus historias después de casi 15 años sin hacerlo.

En resumen, Jugando a bolos con cadáveres y otras historias extrañas en tierras desconocidas es otra obra imprescindible para los fans de Mignola y de los relatos que combinan fantasía, horror y folclore, una lectura tan extraña como encantadora que abre las puertas a un nuevo universo narrativo rico y prometedor, de hecho, al terminar, el libro incluso tenemos un mapa de este nuevo mundo, parece que aún queda mucho por explorar y narrar y la buena noticia es que al escribir estas líneas ya hay un segundo volumen de este nuevo universo y otro en preparación.

La estupenda edición de Norma es en tapa dura para las 112 páginas del volumen que viene cargadito de extras: textos, bocetos e incluso una de las historias en blanco y negro a un precio de 22€.

Mignola is back, nuff said!

Ciencia oscura, reseña por Jose.

Flash Gordon + Buck Rogers + viajes interdimensionales + Los 4F + portadas a lo Frazzetta + estética pulp… el resultado es Black Science, Ciencia Oscura en nuestro país. Otra maravilla de Rick Remender.

Grant McKay, un científico anarquista convencido de que la ciencia no debería tener límites, construye El Pilar, un dispositivo capaz de permitir a la Liga de Científicos Anarquistas viajar por el multiverso (o “la cebolla”, como ellos lo llaman). Pero cuando el primer salto de prueba es saboteado, él, su familia y su equipo quedan atrapados en una espiral de saltos interdimensionales, buscando desesperadamente el camino de vuelta a casa… si es que existe.

Norma Editorial ha terminado recientemente de publicar (ya en su tercer formato), esta epopeya de ciencia ficción firmada por Remender, así que es buen momento para volver sobre una serie a la que ya le dedicamos un minipost cuando hablamos de Image Comics y el neopulp hace ya la tira de tiempo.

El primer número arranca con una escena claramente deudora de En busca del arca perdida, pero con un giro delicioso: en lugar de aborígenes, hay hombres pez; y en vez de un templo subterráneo, uno construido sobre el caparazón de una tortuga gigante. ¿Os suena?

A mí, desde luego, ya me tenían ganado.

                                                            Todo muy Pratchett.

Si hubiera que definir Ciencia Oscura con una sola idea, sería esta: una montaña rusa de ciencia ficción desatada que mezcla aventura pulp, drama familiar y reflexión existencial. Rick Remender y  Matteo Scalera firman uno de sus trabajos más ambiciosos y personales dentro del catálogo de Image Comics.

La premisa puede parecer familiar: Grant, su familia y su equipo quedan atrapados en una sucesión caótica de realidades alternativas y partir de ahí, la serie se convierte en una huida constante. Cada nuevo mundo es más extraño, hostil o impredecible que el anterior. No hay control, no hay descanso y, lo más importante, no hay garantías de volver a casa. Seguro que os suena de algo.

Pero Ciencia Oscura también destaca es en su dimensión emocional. Grant McKay no es un héroe al uso: es egocéntrico, impulsivo e imperfecto y su obsesión por la ciencia y el progreso tiene consecuencias devastadoras para quienes le rodean.

Por ello, la serie gira, en gran medida, en torno a la culpa. Cada salto no solo los aleja físicamente de casa, sino también emocionalmente entre ellos. Las relaciones se tensan, los errores se acumulan y el desgaste psicológico es constante.

 

Extrañas dimensiones.

El apartado gráfico de Matteo Scalera es, sencillamente, espectacular. Su estilo encaja a la perfección con el tono frenético de la historia: composiciones dinámicas, mundos visualmente desbordantes y un uso del color (a cargo de Dean White) que convierte cada dimensión en una experiencia única. Literalmente.
Cada universo tiene su propia lógica estética: paisajes alienígenas imposibles, reinterpretaciones grotescas de lo humano... Scalera no se limita a ilustrar la historia; la amplifica.
Vértigo, caos y maravilla al mismo tiempo. Nada, nada fácil.

 

 

Un magnífico ejemplo de lo comentado en el párrafo anterior.      

Ahora bien, no todo es perfecto. El ritmo de la serie puede resultar agotador. La sucesión constante de mundos y conflictos apenas deja espacio para respirar, lo que puede dificultar la conexión con algunos personajes secundarios y se agradecen ciertos respiros en momentos determinados.

Además, en algunos momentos, la historia cae en cierta repetición estructural: salto, peligro, huida, nuevo salto. Aunque los temas evolucionan, la mecánica puede ser reiterativa.

Quienes conozcan otros trabajos de Remender reconocerán aquí muchas de sus obsesiones: protagonistas rotos, relaciones familiares complicadas y una visión bastante pesimista (aunque no exenta de esperanza) del ser humano.
En ese sentido, Ciencia Oscura es una obra muy coherente dentro de su trayectoria, pero también una de las más desatadas en lo visual y conceptual.

A modo de conclusión: Ciencia Oscura es una serie intensa, caótica y tremendamente imaginativa. No es una lectura ligera ni especialmente accesible, pero recompensa al lector que se deja llevar por su propuesta. Yo, desde luego, la he disfrutado como un enano.

Es, al mismo tiempo, una aventura multiversal llena de criaturas imposibles y una historia íntima sobre el fracaso, la redención y la familia.

Si te gusta la cifi de calité, sin frenos, con estética pulp y carga emocional, aquí tienes una serie que te vas a gozar de principio a fin.
 
Norma editorial ha publicado este serie en tres formatos diferentes: rustica en 8 tomos, edición de lujo en 3 tomos de gran tamaño, cartoné con sobrecubiertas y esta última edición (la que recomiendo por ser la que más me gusta): edición integral en cartoné, con un tamaño muy manejable de 17x26 cm y un precio de 39,50€.

No hay que tomar a los imbéciles por gente, reseña por Jose

Norma Editorial nos trae No hay que tomar a los imbéciles por gente, un título que bien podría convertirse en lema existencial para más de uno (yo el primero). En esta afilada sátira, Emmanuel Reuzé y Nicolas Rouhaud ponen el foco en lo cotidiano para desmontarlo sin piedad: el cinismo social, la estupidez estructural y los engranajes de un sistema capitalista tan absurdo como cruel; salvo, claro, si ocupas la cima de su particular cadena alimenticia.

Con un humor incómodo, ácido y deliberadamente provocador, los autores disparan contra la sociedad de consumo y la complacencia de los gobiernos contemporáneos. El resultado es una lectura tan mordaz como reveladora, capaz de arrancar carcajadas que se congelan a medio camino. Y ojito al parche porque este no es un cómic apto para pieles finas ni para quienes prefieren no mirarse en ciertos espejos.

Portada del cómic.

Publicadas originalmente en Fluide Glacial, la ya mítica revista francesa que disecciona la actualidad con bisturí y mala leche, las historietas de Reuzé y Rouhaud no dejan títere con cabeza. Disparan en todas direcciones y contra todos los estamentos: desde el currito mileurista que se autopercibe clase alta hasta la sanidad pública; desde la Iglesia y sus escándalos de pederastia hasta el CEO blindado en su torre de cristal. Aquí no se salva absolutamente nadie.

Eso sí, conviene administrar sus 109 páginas con cierta mesura. Leídas de una sentada, el impacto se diluye: no todas las tiras alcanzan el mismo nivel de brillantez y el factor sorpresa termina por desgastarse. Mi recomendación es clara: consumirlas en pequeñas dosis, como el anís en Navidad. Así cada golpe satírico entra mejor y la carcajada, incómoda, pero inevitable, se disfruta mucho más.

Recordando a Ramón María del Valle-Inclán y su imprescindible Luces de Bohemia, este cómic funciona como esos espejos cóncavos del Callejón del Gato: superficies deformantes que no inventan la monstruosidad, sino que la revelan. La realidad que retratan Reuzé y Rouhaud ya es grotesca de por sí, pero al pasar por el filtro de su humor ácido se vuelve todavía más descarnada, más ridícula y, paradójicamente, más reconocible.

Como en el esperpento valleinclanesco, la deformación no es un capricho estético, sino una herramienta crítica. Al exagerar lo miserable, lo hipócrita y lo absurdo de nuestras dinámicas sociales, el cómic nos obliga a mirar de frente aquello que preferimos contemplar de reojo. Nos reímos, sí, pero la risa tiene algo de mueca incómoda: sabemos que en esa caricatura hay demasiado de verdad.

La edición de Norma es en cartoné para sus 112 páginas en papel satinado y un precio de 28€.

Miss Truesdale y la caída de Hiperbórea, reseña por Jose.

El Mignolaverso sigue gozando de buena salud y prueba de ello es que no para de crecer. Ya habíamos tenido un poquito de Hiperbórea antes en, precisamente, La espada de Hiperbórea aunque sin profundizar en la civilización en sí puesto que la miniserie se centraba en otros aspectos y también la serie de la AIDP. En un primer momento, Hiperbórea nos puede sonar de la mitología griega, de las obras de Clark Ashton Smith e incluso de los cómicas de Conan; en este caso, Hiperbórea viene a ser una gran y avanzada civilización que acabó viniéndose abajo por diferentes motivos. Y aquí empieza esta miniserie.

Portada del tomo publicado por Norma Editorial.

La historia entrelaza el Londres victoriano con el mítico reino y narra cómo la tímida Miss Truesdale, miembro de la Hermandad Heliópica de Ra, tiene visiones de una vida pasada conectada con la caída de Hiperbórea, ofreciendo un relato de terror, fantasía y aventura que entronca directamente con la llegada de Hellboy, una precuela inesperada y llena de información sobre Hiperbórea a través de las aventuras de Anum Yassa (Miss Truesdale en una vida anterior) una guerrera esclava que es usada a modo de gladiadora para luchar en la arena Hiperbórea. 

Yassa repartiendo estopa.

Dentro de los Spin Offs del Mignolaverso, creo que este es uno de los más disfrutones, cargado de acción e información y pudiendo ser un punto de entrada estupendo a las aventuras de nuestro demonio favorito. La elección de Lonergan me parece de lo más acertada, ya tuve ocasión de disfrutarlo en Hedra, publicada por Image en EEUU y creo que aquí aporta su puntito pulp  con un dibujo sencillo y una narrativa fantástica. Además, el color también es suyo y qué queréis que os diga: gloria bendita.

Una imagen vale más que mil palabras.

En resumen: ¿fan del Mignolaverso? Pues no dejes escapar esta miniserie que nos ha traido, como siempre, Norma Editorial. Tapa blanda, 17x26, 120 páginas cargadas de extras y un precio de 21€. 

Si os habéis quedado con ganas de más aventuras de Anum Yassa, este diciembre pasado ha comenzado a publicarse en EEUU su segunda miniserie: Miss Truesdale and the rise of man:

https://www.darkhorse.com/comics/3016-372/miss-truesdale-and-the-rise-of-man-1/ 

Remington 1885, reseña por Jose.

A finales del verano anterior, los amigos de Norma Editorial nos traían un nuevo western. Con Josep Maria Polls al guion y Sagar a los lápices, la mítica historia del ilustrador del Oeste, Frederic Remington cobra vida gracias a una pareja creativa impecable. Pero este no es un western al uso, a medio camino entre la realidad y la ficción, la historia nos cuenta el encuentro que nunca ocurrió entre un Remington novato que va a visitar la reserva india de San carlos en Arizona con el fin de ilustrar la vida de los indios en las reservas y un Gerónimo a punto de firmar su rendición en 1886 en esta aventura con un tono muy crepuscular.

Portada del cómic.

Gerónimo es todo un icono de la resistencia india frente al ejército de los EEUU e incluso al mexicano, puso en jaque a la región con sus ataques y ni unos ni otros pudieron echarle el guante durante bastante tiempo, pero la nación india estaba desangrada y la resistencia era ya escasa. La vida y obras de Gerónimo se han narrado en el cine por el más grande: John Ford, tanto en La diligencia como en Fort Apache. John Ford era a su vez gran admirador de Remington y como él mismo decía, quería para sus películas "el color de Remington". Leyenda Ford y leyenda Remington cada uno en su campo.

El color es algo que se ha cuidado mucho en esta obra.

Entre Arizona y México transcurre esta historia, un What if...? genial que a punto estuvo de darse y que de haber sucedido, seguramente no habría distado mucho de lo que nos cuentan Polls y Sagar. El primero ha sabido coger lo mejor del género y y adaptarlo a esta ficción y el segundo lo ha trasladado de manera maravillosa a imágenes. Un lujo de tebeo.

Tiroteos, persecuciones por el desierto, traiciones, el drama de la nación india... Este cómic tiene todos los ingredientes para gustar a los amantes del género, a mí, me ha gustado (aunque ya sabéis que soy facilón con el western) y desde luego, os lo recomiendo.

La edición de Norma, en su línea habitual: tapa dura, tamaño europeo y 119 páginas cargadas de extras por 29€.