jueves, 25 de junio de 2026

No me da la vida, reseña por Jose

Este pasado mes de mayo, nos llegaba de la mano de Salamandra Graphic el debut en el cómic para adultos de Danicollaterale, pseudónimo del autor italiano Daniel Pasin. Arquitecto de formación (y profesión) decidió dar el salto al mundo de la historieta como han hecho autor@s como Marta Kayser, Agustín Ferrer Casas o Manuele Fior (Hypericon). No me da la vida. Crónica de un arquitecto en prácticas es una obra inspirada en la experiencia del propio autor como arquitecto en prestigiosos estudios internacionales que pone el foco en la hiperproductividad, la cultura del trabajo y en cómo el vivir para trabajar puede acabar dejándote sin vida pero también es, sin duda, un retrato apasionado de la profesión, enmarcado por la arquitectura parisina. 

Portada del cómic.

La historia sigue a Enzo, un joven arquitecto italiano que consigue una beca en un estudio de arquitectura de renombre internacional. Lo que inicialmente parece el primer paso hacia una carrera brillante pronto se convierte en una carrera de fondo contra los plazos imposibles, las jornadas interminables y una cultura empresarial donde dormir, como diría Gordon Gekko, es para los débiles (porque comer, comen como si no hubiera un mañana). Mientras el estudio prepara un ambicioso proyecto para un concurso internacional, Enzo y sus compañeros van sacrificando progresivamente su tiempo, sus relaciones personales y, en algunos casos, su salud mental. Todo ello por la promesa de un futuro profesional que nunca termina de concretarse. 

"¿Te sabes la de vivir para trabajar"? Esta frase podría resumir este cómic. Danicollaterale nos muestra un sistema donde el trabajo deja de ser una parte de la vida para convertirse en su totalidad. La obra cuestiona esa idea tan extendida de que, si amas tu profesión, cualquier sacrificio está justificado. En sus páginas aparece una generación que ha interiorizado que trabajar doce horas al día es ambición, responder mensajes durante las vacaciones es compromiso y encadenar estrés con ansiedad es, aparentemente, una forma avanzada de desarrollo profesional. El resultado es una sátira amarga sobre una sociedad que confunde la explotación con la vocación aunque nuestro protagonista parece disfrutar de su situación a pesar de todo. Afortunadamente, las nuevas generaciones están abandonando esa idea de la romantización de la explotaciçon aunque el lobby hostelero y el presidente de la CEOE quieran vendernos lo contrario.

El ecosistema de trabajo.

El estudio de arquitectura está habitado por personajes tipo: el jefe cabrón, los compañeros de trabajo buena gente, el pelota, el enchufado...todos son piezas del enorme engranaje laboral en el que Enzo es el recién llegado, lleno de ilusión y ganas. Todos personajes absolutamente reconocibles dentro de nuestro entorno laboral cotidiano. El hecho de que el cómic esté basado en las vivencias del autor le da más credibilidad si cabe: anécdotas reales y personajes tipo como el propio Danicollaterale se encarga de aclararnos al inicio de la obra.

El despiadado mundo de la búsqueda de empleo.

En el apartado gráfico, Danicollaterale desarrolla un estilo muy personal influido por el lenguaje de la arquitectura. Las páginas están llenas de líneas precisas, composiciones cuidadosamente construidas y diseños que transmiten orden y control. La mismísima primera página del cómic es ya una declaración de intenciones con esa página completa que es la salida del metro de París en el distrito 11: las curvas del diseño modernista de la estación de metro frente a la rigidez de las líneas neoclásicas de los edificios de París. Enzo frente al mundo.
Además, las composiciones de páginas y las soluciones narrativas (además de la rapidez) nos consiguen transmitir esa idea de estrés, de velocidad y de tener que terminar el trabajo a tiempo en un entorno laboral que acaba siendo un protagonista más de la historia. 
 
No me da la vida es una obra inteligente y actual, no solo es una crítica a la explotación laboral y su romantización sino que también es una crítica a la precariedad laboral, el precio de la vivienda y el enchufismo. Un muy buen cómic en un momento muy apropiado.
 
La edición de Salamandra Graphic está muy cuidada: tapa dura para las 208 páginas en papel offset de calidad, un tamaño de 25,6 x 20,1 cm y un precio de 27,95€

miércoles, 24 de junio de 2026

La cita, reseña por Jose

Esta pasado mes de mayo, Andana Gráfica nos traía el debut comiquero (en castellano) del autor valenciano Pau Valls: La cita, previamente publicado en catalán por Finestres. La ópera prima de Valls es una comedia negra en apariencia sencilla y cotidiana que acaba convirtiéndose en una reflexión sobre el azar, las decisiones vitales y la imposibilidad de controlar el rumbo de nuestras vidas y nuestro destino Una obra que me recuerda al underground americano, el universo de los hermanos Coen y a Tarantino. Un debut sorprendente y que tengo que decir que he disfrutado muchísimo.

Portada de la edición en castellano de Andana gráfica.

La historia arranca con una premisa de lo más habitual y mundana: Héctor, un conserje de colegio solitario, que ronda los 40 y que aún vive con su madre, se dirige a una cita a con una mujer que acaba de conocer a través de una aplicación de citas. Al mismo tiempo, Víctor, en deuda con un mafioso local, transporta un cadáver que debe hacer desaparecer. Un accidente de coche entre ambos desencadena una cadena de acontecimientos tan absurdos como grotescos que les obliga a compartir un viaje (a pie y transportando el cadáver) tan incómodo y rocambolesco como revelador. A través de flashbacks, Valls reconstruye las vidas de los dos protagonistas y muestra cómo una sucesión de pequeñas decisiones y casualidades los ha conducido hasta ese encuentro imposible. 

Por tono y temática, lo primero que se me vino a la cabeza fueron los Fargo y Quemar después de leer de los Coen: personas normales y corrientes envueltas en situaciones delictivas (y muy locas) que escapan a su control y un final, bueno, mejor descrubridlo vosotr@s mism@s.

Partners in crime.

Gráficamente, Valls apuesta por la línea clara y los colores planos. Una economía totalmente al servicio de la narrativa que también se evidencia en la ausencia de diálogos supérfluos priorizando los silencios y esa extraña expresividad con la que Valls dota a los personajes con su particular estilo heredero de los Clowes y Ware, referentes modernos del underground americano.

Y es que Pau Valls, a pesar de estrenarse en el mundo del noveno arte con este cómic, tiene una amplia trayectoria como ilustrador, autor de fanzines y literatura infantil. Este debut promete y ya estamos deseando saber cuál será su próximo trabajo en el mundo del cómic. 

Pocos primeros encuentros como este.

La edición de La cita que publica Andana Gràfica está bastante cuidada y encaja bien con la línea editorial de comiquera que el sello valenciano viene desarrollando en los últimos años: rústica con solapas, 152 páginas en papel offset de calité a color, un tamaño de 17 x 24 cm y un precio de 24€.
 
La cita tiene humor negro, suspense, personajes memorables y una construcción narrativa con un balance perfecto entre la historia principal, los flashbacks y algunos secundarios que podrían haber dado (en mi opinión) un poquito más de juego. 
Pau Valls entra de lleno en el mundo del cómic nacional con esta magnífica carta de presentación. 

viernes, 19 de junio de 2026

Penélope, reseña por Jose

"Una de cada cuatro personas acabará teniendo un problema de salud mental. Los trastornos mentales se han erigido como una realidad incómoda que afecta a más de mil millones de personas en el mundo. El estigma que rodea a las personas con estos trastornos aún es palpable en la sociedad. De ahí la necesidad de tener mayor información acerca de estos trastornos".

A finales del pasado 2025 y Verkami mediante, llegaba a nuestras librerías Penélope, proyecto en solitario del historietista catalán Abel Carrasco que publicaron los amigos de Maldragón.
Penélope es un cómic muy personal y con tintes autobiográficos en el que Abel Carrasco aborda el tema de la salud mental desde una perspectiva íntima y fantástica. La obra sigue a Penélope, una cantante de rock que es ingresada en un hospital tras sufrir un brote psicótico propiciado por el abuso del alcohol, las drogas y la falta de sueño después de pasar por una experiencia traumática. A partir de ese momento, el relato se convierte en una ordalía por los límites de la conciencia y el inconsciente donde la protagonista se enfrentará tanto a su realidad cotidiana como a un complejo y fragmentado universo interior poblado por símbolos, miedos y representaciones de su propia psique. 
 
 
Portada del cómic.
 
La temática central del cómic gira en torno a los trastornos mentales, el sufrimiento psicológico y la búsqueda de la identidad y el equilibrio mental. Sin embargo, Carrasco no plantea la enfermedad desde un enfoque puramente clínico sino que, en lugar de ello, construye una alegoría de fantasía oscura en la que los conflictos emocionales adquieren forma física y narrativa. La fantasía heroica, los personajes simbólicos y los mundos paralelos funcionan como metáforas del diálogo y la lucha internos que mantienen quienes atraviesan episodios de fragilidad mental. La obra también reflexiona sobre la vulnerabilidad, la percepción de la realidad y la dificultad de distinguir entre lo real y lo imaginario.
 
Al dejar clara desde un principio la intención de este cómic, resulta mucho más accesible para el público general, las metáforas están ahí, visibles y claras: fobia, deseo o los paladines ilustran de manera clara y sencilla esta enfermedad y cómo enfrentarla. Pero la historia no transcurre exclusivamente en este mundo fantástico (que es la mente de nuestra protagonista), también somos partícipes de cómo se ve desde fuera la lucha interior de Penélope y esas armas (extra) que son su familia, amigos y profesionales médicos que la tratan y sin quienes sería muy difícil, por no decir imposible, salir de ese agujero.
 

Cuando los monstruos están en el interior.
 
En el apartado gráfico, Penélope destaca por su gran fuerza visual. Carrasco combina una estética cercana a la fantasía épica con una puesta en escena oscura y muy emocional. Sus personajes son expresivos y está muy bien definidos. El dibujo favorece la inmersión en el estado psicológico de la protagonista, alternando momentos de acción increíbles: las secuencias de combate en el mundo onírico son puro espectáculo y traducen visualmente los conflictos internos de la protagonista, con escenas más introspectivas cargadas de atmósfera y serenidad. La influencia de la ilustración fantástica está ahí y se percibe tanto en la composición de las páginas como en la construcción de criaturas y escenarios que representan emociones y conflictos internos. Ya pudimos ver una buena muestra de ello en, por ejemplo, Ojos de tormenta, también publicada por Maldragón como un Spin off de Monstruos Ibéricos.
 
Abel Carrasco es un experimentado ilustrador e historietista:  formado en escuela La Joso de Sabadell, ha trabajado para el mercado español y francobelga fue el ilustrador oficial del Festival de Cine de Terror de Sabadell durante años y recientemente ha publicado Eonn, Ojos de tormenta y este mismo Penélope con la editorial Maldragón.
 
Penélope es una obra honesta, didáctica y tremendamente disfrutable. Abel Carrasco nos hace partícipes de su propia experiencia personal al haber sufrido un brote psicótico años atrás. La mezcla de fantasía y salud mental me resulta realmente efectiva: evita caer en el didactismo puro y apuesta por transmitir sus propias sensaciones y vivencias.
 
La edición de Maldragón es en cartoné con un tamaño de 29,5 x 22,5 cm (un tamaño que hace que el apartado gráfico luzca increíble), papel semisatinado y 168 páginas con extras con un precio de 26€.

jueves, 18 de junio de 2026

Outline, reseña por Jose

Outline, de Michèle Fischels y recién publicado por los amigos de Reservoir Books, es un  cómic de iniciación que retrata con gran sensibilidad (y acierto) el último año de instituto de tres amigos Ben, Clara y Andreas, en el periodo previo al examen de acceso universitario en Alemania. A través de sus relaciones afectivas, sus amistades y sus incertidumbres sobre el futuro, la obra aborda ese momento en el que la adolescencia empieza a quedar atrás mientras la vida adulta aún no ha tomado forma y llega, por primera vez en la vida, la pregunta: ¿y ahora qué?

Portada de la edición de Reservoir Books.

La autora centra su atención en los sentimientos de incertidumbre que acompañan el final de una etapa vital pero más que contar grandes acontecimientos, Outline se interesa por las pequeños roces que surgen entre amigos y parejas: la relación entre la relación de amistad entre Ben y Andreas y el deterioro que sufre al empezar a salir juntos Ben y Clara, los deseos que permanecen sin expresar (no hago spoilers) y por el miedo a un futuro lleno de posibilidades, de responsabilidades y también, de inevitables despedidas. El resultado es un retrato generacional que logra ser muy específico y, al mismo tiempo, totalmente universal. 

Uno de los grandes aciertos del cómic es su enfoque narrativo: Fischels evita explicaciones directas y prescinde casi por completo de una voz narradora. La historia se construye a través conversaciones cotidianas, silencios, gestos y miradas (me encanta esa escena casi al final entre Ben y Andreas). Esta estrategia permite que los conflictos emocionales aparezcan de forma natural y creíble, alejándose del melodrama habituale en muchas historias juveniles sobre el paso a la madurez. 

Ben y Andreas.

En el apartado gráfico, Fischels apuesta por un dibujo aparentemente sencillo pero elegante y suelto, muy fluido y con una composición muy cuidada de las páginas y una gran capacidad para transmitir atmósferas. Los espacios abiertos, los juegos de luz y una paleta cromática contenida (que cambia según la estación del año) contribuyen a reforzar la sensación de transición e indefinición que experimentan los protagonistas. El estilo visual evita el exceso de detalle para centrarse en las emociones ( es un dibujo muy expresivo) y en el ritmo de las escenas.
A mí personalmente, el estilo de Fischels me ha recordado a Tillie Walden pero con un trazo un poqiuto más suelto en la línea de Sebastian Vivès. Muy contemporáneo y muy indie.
 
Por terminar: Outline es un estupendo cómic de iniciación que abraza las dudas (y el aprender a vivir con ellas) más que las certezas; un debut comiquero por parte de la autora (ganadora del Luchs-Jahres-Preis2024) lleno de emotividad, con una gran narrativa y que trata con honestidad, delicadeza y mucho savoir faire esta etapa tan compleja en la vida y tan llena de inseguridades como es el tránsito a la madurez.
¡Wasabi: picante hasta el final! 

La edición española de Outline publicada por Reservoir Books sigue la línea habitual de la colección Reservoir Gráfica: rústica con solapas, 208 páginas a color con un tamaño de 21,9 x 16,8 cm y un precio de 21,90 €. La traducción corre a cargo de Esther Cruz Santaella.  

miércoles, 17 de junio de 2026

El batir de sus alas, reseña por Jose

El batir de sus alas, cuyo título original es Habataki -Ein Märchen- es un manga autoconclusivo recién publicado por los amigos de Moztros, de la autora japonesa Ikuko Hatoyama que combina fantasía, surrealismo y drama juvenil en esta adaptación del relato original del conocido novelista nipón Tatsuo Hori. La historia sigue a Gigi, un joven fascinado por Zigomar, un famoso ladrón de ficción, que decide transformarse en un palomo ladrón para alterar la tranquilidad de un pequeño pueblo. Lo que comienza como un juego de identidad y travesura acaba derivando en una narración bastante más compleja, donde la frontera entre la representación teatral (en la que se verá atrapado nuestro protagonista), la fantasía y la realidad se vuelve cada vez más difícil de discernir.

Portada de la edición de Moztros.

Uno de los mayores atractivos de la obra es la forma en que aborda temas como la construcción de la identidad, la búsqueda de la libertad y la tensión entre el individuo y el papel que la sociedad espera que desempeñe. Gigi actúa como un personaje que intenta reinventarse a sí mismo, pero su transformación también lo enfrenta a las consecuencias de sus actos y a la imposibilidad de escapar de su propia naturaleza. La obra explora también la nostalgia, el deseo de evasión y la fragilidad de los sueños, todo ello envuelto en un tono de fábula melancólica y simbolismo donde los silencios dicen tanto o más que los propios diálogos de los personajes.

La búsqueda de la identidad y la libertad, los dos grandes temas de la obra.

Como decía al principio, este manga adapta un relato del escritor japonés Tatsuo Hori, autor destacado de la literatura japonesa contemporánea. Hori es conocido por su sensibilidad poética y por su interés en la belleza, la memoria y la melancolía. 
Hatoyama no se limita a trasladar la historia al formato manga, la reinterpreta mediante un lenguaje visual muy personal, respetando el espíritu literario original mientras introduce elementos simbólicos y una atmósfera aún más onírica. 
 
En el apartado artístico, El batir de sus alas destaca por un dibujo delicado y expresivo. Hatoyama emplea trazos finos, composiciones cuidadas y una puesta en escena que recuerda (a veces) a una representación teatral. Sus características palomas acaban siendo una herramienta para reforzar el tono alegórico de la narración (John Woo aprueba este manga). Los espacios abiertos, los silencios y el ritmo pausado contribuyen a crear una atmósfera contemplativa que invita a la reflexión y la introspección más que a la acción, aunque haya acción de sobra también. Cada página parece construida para transmitir emociones y sugerir, no para explicar.
 
En definitiva una obra cuyo atractivo reside en la ambigüedad, el simbolismo y la capacidad de generar interpretaciones. Es un manga que exige implicación por parte del lector, algo que siempre es de agradecer, y que recompensa esa atención con belleza visual y una sensación de extrañeza poética que se queda contigo tiempo después de terminar la lectura. Una obra muy evocadora.
 
La edición de Moztros es sencilla pero muy cuidada: encuadernación rústica y sobrecubierta manteniendo el sentido de lectura oriental. La edición incluye 212 páginas en blanco y negro más 2 páginas a color con un tamaño de 13 x 18 cm y un precio, ojo, de 10,95€.
 
 

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